If you need me, whistle!

Lo que el 2011 me dejó

2012-01-15T23:36:00.003+01:00

Y llega el (¿inevitable?) momento de las listas con las películas favoritas del año, esos deberes autoimpuestos que siempre te propones no hacer, pero que acabas realizando, no sé si por masoquismo o por aquello de la inclusión grupal (o, más bien blogosferil) que nos abduce sin que nos demos cuenta. En mi caso, esos deberes se han alargado un poco más de lo previsto porque aún tenía muchas películas pendientes del 2011 y, aunque aún no las he visto todas, sí suficientes para no alargar esta actualización dos meses más. Alphabetically:

* The Artist

Dicen que esta maravilla de Michel Hazanavicious es una mezcla entre Cantando bajo la lluvia y El crepúsculo de los dioses, entre otras. Otros argumentan que hay que tener cierta edad y haber visto una cantidad respetable de cine antiguo para conectar con este brillante y emotivo homenaje al cine (mudo o no). Yo creo que, simplemente, sentirse viv@, amar el cine y enfrentarse a cada nueva historia con “ojos de gato”, es amar The Artist. Si no se sale del cine con una sonrisa de oreja a oreja y el corazón tonificado es para hacérselo mirar. Obra maestra instantánea.

* Beginners

Algo hay en esta joyita que exprime el corazón y cala con una profundidad inusual. Emotiva y honesta, Beginners habla de la mayoría de las cosas que nos tocan y nos preocupan y lo hace tan bien, que es imposible olvidarla. La vida no es sino un eterno círculo de sorpresa y autoaprendizaje. El tiempo pasa para todos, pero las oportunidades siempre están ahí si sabemos verlas, si aceptamos que estamos aquí para reinventarnos, una y otra vez. «La mitad de la gente cree que todo va a salir mal. La otra cree en la magia. Y hay una guerra entre ellos». ¿Tú de qué lado estás?

* Drive

Aunque no sea redonda, la suma de los múltiples (y atractivos) elementos en Drive (las estupendas interpretaciones, la estética ochentera, la contenida historia de amor, la inspirada soundtrack, la acertada interconexión entre líricos ralentis y la acción speedica) conforman un poderoso todo que nos atrapa, sacude y fascina. Y, antes de darnos cuenta, ya la hemos introyectado, ya forma parte de nuestra “educación sentimental” cinematográfica, ya es un clásico…

* Le gamin au vélo (El niño de la bicicleta)

Uno no tiene la sensación de estar viendo una película sobre un niño que ha perdido todo lo que conformaba parte de su vida, salvo una bicicleta, se tiene la sensación de poder tocarlo, de ser un incómodo testigo directo de su impotencia y su incontenible rabia desde su mismo lado de una pantalla… que no existe. Inusualmente optimista para ser una película de los Dardenne, pero igualmente cruda y efectiva, ni la prodigiosa mimetización con su personaje del niño protagonista ni la bondad y el amor incondicional de Cécile de France parecen de este mundo. O tal vez si, tan vez resulten tan extraordinarios y desarmantemente humanos que nos recuerdan lo que podemos llegar a ser, y quizá por eso nos deslumbran.

* Le Havre

Puede que el “¡Que bello es vivir!” del siglo XXI ya esté aquí, en la forma de un cuento emotivo y necesario, en el momento más deshumanizado y desorientado de una sociedad que ha descubierto que casi todos sus modelos anteriores ya no le sirven. El tema de la inmigración se presta a caer en casi todos los tópicos conocidos, pero Kaurismaki mezcla elementos con maestría y no se pasa en ninguno de sus ingredientes. Este delicioso dulce no es un pastel ni tiene vocación de serlo. Sólo toma azúcar de donde siempre ha estado y lo añade donde más se necesita.

* L’illusionniste (El ilusionista)

Esta es la historia de un juguete roto. No hay lugar para los viejos magos con frac y chistera en los años 50, con la explosión de nuevas formas de diversión (y nuevas sensibilidades). El mundo les queda grande y sólo pueden malvivir. Ya nadie cree en la magia… salvo una adolescente. Y será por ella que el protagonista nos mostrará aquello que sabe hacer mejor que nadie: crear ilusiones. Y es que hay magos de verdad, sepan o no sacar una moneda o un caramelo de la oreja, y L’illusionniste es su homenaje. Esta maravilla de la animación destinada a convertirse en clásico, es tan tierna y melancólica, que algun@s no podemos evitar llorar al verla.

* Medianeras

Algun@s podrían achacar a mi creciente hipermetropía el hecho de incluir esta agridulce comedia argentina en detrimento de otros films supuestamente más redondos, pero si Medianeras está aquí es por que siento tan mía esta Manhattan argentina que creo que podría haberla escrito yo. Y es que de eso se trata. Si perteneces a esa generación a la que le pilló la explosión digital pasada la adolescencia, esa a la que internet ha ido abduciendo parcelas de vida hasta alterarla por completo, convirtiéndola (o afianzándola) en un/a torpe en eso del amor, Medianeras es tú película.

* The tree of life (El árbol de la vida)

¿Cómo es posible que después de tantas vidas cinematográficas, tantos círculos y tantos eternos retornos, cuando ya creíamos que lo habíamos visto todo, aparezca el bueno de Terrence Malick y se saque de la manga un film en el que la infancia y sus alegrías y miserias parezcan contadas por vez primera? ¿Qué es eso que nos impulsa a sentir que estamos recreando nuestra propia vida cuando no tenemos nada que ver con una familia modesta y norteamericana en plenos años 50? Y, lo que es aún más extraordinario, ¿por qué nos sentimos extraterrestres y profundamente humanos al mismo tiempo durante su generoso viaje? En mi caso, la única palabra posible para responder a todas estas cuestiones es magia.

Y estas son mis imprescindibles, amig@s. ¿Cuáles son las vuestras? ;)

Baúl cinéfilo # 1: la chaqueta ochentera de Ryan Gosling en Drive

2012-01-05T18:22:00.000+01:00

Tanto los integrantes del club de admiradores de Drive como sus detractores tienen algo el común: la certeza total e indiscutible de que la chaqueta ochentera que luce Ryan Gosling es ya y para siempre un icono del séptimo arte. Resulta imposible olvidarla por mucho que se intente.

Y es que, se mire por donde se mire, no podría ser más hortera: “enguatá”, color crema y de raso (¡arg!). De entrada, parece imposible que una prenda tan cantosa (y antierótica) pudiera quedarle bien a alguien sin reducirlo a un patético macarra de barrio, pero el guapísimo Ryan consigue dotarla de una gracia y fascinación tal, que la inefable chaqueta acaba resultando un protagonista más de la película.

La scorpion jacket es, además, una metáfora y un documento dolorosamente gráfico de la bajada a los infiernos del protagonista. Comienza con un pulcro color crema, para, poco a poco, acabar teñida de rojo sangre. El estoico Gosling no se molesta ni en cambiarse de ropa ni el lavarla. Brutalmente honesta, es como si fuera gritando a los cuatro vientos: esto es lo que hay y así se lo estamos contando.

Como no podía ser de otra manera, se ha convertido en un objeto de culto y ahora existen réplicas de la misma para que todo el mundo pueda sentirse un héroe atípico. Si la quieres, puede ser tuya por 160 dólares de nada en Steady Clothing.

Hace un día que he visto Drive y no puedo dejar de pensar en ella… Fascinante, violenta, tierna, sórdida, oscura… e inesperadamente romántica.

Esta si que es una transición al lado oscuro bien contada y no la de Anakin Skywalker, Lucas…

[Retales para recordar en el primer post]

Juego de tronos: novela versus serie

2011-12-30T02:50:00.008+01:00

Aviso 1: Esta entrada no contiene spoilers de la saga.

Aviso 2 (para fans cortamiembros y/o azuzadores de lobos huargo): No siento pasión por la famosérrima novela río Canción de hielo y fuego. Llegue a ella por consejo amiguil y admito que la curiosidad moderada del primer volumen pasó a ser inercia mezclada con la cabezonería que impulsa a terminar aquello que se empieza, pero, tras un segundo y decepcionante volumen, admito que, en mi caso, no ha acabado de llegar el invierno.

¿Error de marketing?

Creo que uno de los problemas de esta saga, supuestamente fantástica, es que es vendida como El señor de los anillos del siglo XXI, cuando, en realidad, es ficción medieval con (minúsculos) toques de fantasía. Si la vendieran como lo que es, veríamos a muchas personas devorándola en el metro, como si de Los pilares de la tierra o El nombre de la rosa se tratase.

El denostado término "fantasía" ha sido un arma de doble filo para el universo de George R.R. Martin. Por una parte ha servido para erigirla como saga de culto entre una minoría (que cada vez lo es menos), pero, por otra, la ha alejado del lector medio… hasta que llegó la serie. Y es que muchos perezosos serieadictos se han asomado al brutal mundo de los 7 reinos y han decidido, complacidos, que era una mezcla entre Los Tudor, Los Soprano y Roma… y se han pasado a las novelas.

Otr@s, entre los que me encuentro, tras haber degustado libro y serie, no acabamos de sentir entusiasmo por otro retrato más de la barbarie, oscuridad y machismo brutal que supuso la edad media, por lo tanto, las luchas de poder y las intrigas palaciegas, con sus traiciones, adulterios e incestos, nos la traen un poco al pairo.

Don’t get my wrong, no quiero insinuar que se trate de una mala novela o serie. Juego de tronos se sigue con más o menos interés, consigue ser adictivo, a ratos, pero no reinventa o revoluciona nada, ni tampoco tiene la profundidad o trascendencia como para conseguir calar o llegar al corazón. Es un buen producto para entretener y como tal debe ser tomado, sin mayores pretensiones.

Como lectora, sin embargo, me he sentido estafada con la etiqueta de genero fantástico porque lo que más me atrae de este es su poesía y lirismo. Sin embargo, no hay ninguno de estos elementos en Juego de tronos (muchos la adoran precisamente por eso), y es que Canción de hielo y fuego es brutal, gore, soez y grosera (haciendo honor a la época en la que teóricamente se inspira), pero carece del otro extremo de la balanza.

Mayor pro: Personajes carismáticos

Se suele anunciar a bombo y platillo que los personajes de Martin no son ni buenos ni malos, como si a estas alturas fuera digno de elogio o resultara extraordinario que un creador dibujara personajes humanos. A mi, particularmente, no me parecen ni tan ricos, ni tan complejos, ni tan originales como la gente comenta, pero, a pesar de todo, los principales motivos para girar páginas son: Tyrion Lannister, el “enano” (posiblemente, el más carismático, memorable y mejor dibujado de todos), Daenerys Targaryen (el personaje que más crece y evoluciona, el más feminista y el que, a priori, más promete) y, sobre todo, Jon Snow, el hijo bastardo al que han arrebatado todos sus derechos, oportunidades y privilegios antes de nacer, pero que, al mismo tiempo, es el que más cualidades tiene y más cosas merece. Jon se muestra tan leal hacia su familia como rencoroso, y tan lleno de ternura como de rabia (si por mi dependiera, lo nombraría rey de los 7 reinos junto a Daenerys… y gobernarían los dos, pero eso es otra historia).

La HBO contraataca

La serie Juego de tronos, es, básicamente, una adaptación muy fiel a la novela, que se permite, de vez en cuando, algunas licencias, para aclarar, adelantar o subrayar ciertas líneas argumentales.

Lógicamente, se recortan personajes y subtramas y se pierden matices en las descripciones, los personajes y sus relaciones, pero la esencia de Martin permanece.

* Ch-ch-ch-ch-changes

Lo más destacado tal vez sea que la adaptación a la pequeña pantalla es un poco menos brutal y gore (se reduce considerablemente la cantidad de peleas, destripamientos, carnicerías y miembros amputados, tanto equinos como humanos, por razones de presupuesto, seguramente), y aumenta la cantidad de sexo hasta el punto de que, a ratos, la serie parece una versión ligeramente porno de la novela (los momentos literarios erótico-festivos son escuetos y no superan las 5 líneas).

Algunos achacan esto último a un exceso típico de la HBO, pero a mi me parece un insulto a la inteligencia del espectador. Como muestra dos botones: Daenerys Targaryen se pasa los primeros capítulos prácticamente sin ropa, como si fuera más chica florero que actriz, y es sólo cuando la visten con ¿algo? que descubres que hay un personaje potente detrás.

Pero el caso más extremo de sexocentrismo, es el de la prostituta Ros, un personaje que no existe en la novela y que se han sacado de la manga con el único y patético objetivo de lubricar al personal. ¿Su momento clave? Una larga escena de sexo lésbico gratuito muy potente, que no viene a cuento de nada y que eclipsa totalmente al protagonista y a su discurso. Hetero, gay, bisexual, asexual… nadie puede creerse lo que está viendo. Debe ser que no confían en la capacidad de atención del público (especialmente masculino). Muy indignante y muy triste.

* Er casting

De sus actores, bastante competentes todos, lo que más sorprende, de entrada, es el cambio de edad. La familia Stark, casi al completo, tiene unos cuantos años más que en la novela. Robb y Jon superan ampliamente la mayoría de edad y Eddard y Catelyn (por coherencia con este último cambio) en lugar de unos lozanos 35, rondan los 50. Esto es positivo, especialmente en el caso de los hijos mayores, ya que resulta poco creíble (e inhumano) que ambos se enfrenten a sus nuevos retos con tanta madurez con tan solo 14 años (por muy medievales que sean).

A otras, como a la rubia platino Daenerys, le han subido la edad de 13 a ¿18?¿20? para suavizar el efecto Lolita de un personaje con una considerable carga sexual.

¿Las chapuzas? Joffrey, el rey niño y, posiblemente, uno de los personajes más odiados de toda la saga, en lugar de un rostro angelical, tiene una cara de capullo considerable (muy sutil, HBO), mientras que el señor de Invernalia, teóricamente, más moreno que un murciélago, es interpretado por el rubio Sean Bean (¿tanto te costaba teñirte, Boromir?), mientras que la mayoría de los actores de los clanes Targaryen y Lannister (morenos casi todos), lucen pelucones y tintes rubios sin complejos. ¿Ser mano del rey es lo que tiene? Teniendo en cuenta la importancia que el color del pelo llega a tener en la trama (los que ha han visto y/o leído ya saben por dónde voy) este detalle llama bastante la atención.

* Veredicto

Cuando uno lee las novelas, no puede obviar su descarada carga cinematográfica. De hecho, al resultar tan visuales y estar estructuradas básicamente en torno a diálogos, a veces se tiene la sensación de estar leyendo un guión con mucha paja y muchos detalles extra (Martin fue guionista y se nota).

Tal vez por la vocación cinematográfica de los libros, sumado al hecho de que a ratos su parsimonia se me ha llegado a atragantar, recomiendo ver la serie antes de leer la novela. Por primera vez y sin que sirva de predecente, como producto, me parece más redonda, más ágil y menos pretenciosa la serie que el book, a pesar de los defectos que he comentado antes (y otros que he obviado para evitar alargar la entrada). Luego, si el universo Martiniano entusiasma y se quiere profundizar más, siempre se puede recurrir a los libros, pero, en mi modesta opinión, los 7 reinos han nacido para ser visuales, no literarios.

Nota personal: ¿Qué tiene la serie que no tenga el libro?

Unos títulos de crédito super creativos y bonitos que destacan por encima del conjunto y Kit “Jon Snow” Harinton, lo más bonito que he visto en algún tiempo…

Un método peligroso: ¡“psiqueanalíceme”, doctor!

2011-12-01T22:57:00.001+01:00

Uno de mis problemas a la hora de enfrentarme a Un método peligroso (además de las altísimas expectativas que me había despertado), es que, al igual que ocurre cuando conoces previamente el libro o el comic en el que está basado, su adaptación no coincide con la que ya existía previamente en mi cabeza. Tiempo atrás, me había sentado en un hueco entre el sofá de Jung y el diván de Freud y tenía una idea muy precisa de qué temas resultaban más apasionantes y polémicos y cuáles podían dar más juego en la gran pantalla. Ante tan buen material, y teniendo en cuenta quién era el director, cada vez que escuchaba algo sobre este film comenzaba a salivar al más puro estilo pavloviano (sí, ya sé que la referencia conductista está fuera de lugar, pero nos entendemos).

Sin embargo, la hora y media larga que dura la última película de Cronemberg, me resulta una naranja a medio exprimir en casi todos los aspectos. Técnicamente es perfecta, su factura es impecable, tiene algunas escenas impactantes, sus actores (especialmente Mortensen, que en cada aparición se come la pantalla) están estupendos (que nadie la vea doblada, cada personaje tiene un acento especifico que denota su origen), pero el rico jugo no acaba de brotar en toda su magnitud. Ni la historia de amor resulta todo lo intensa, apasionada o turbadora que debería, ni la amistad entre Freud y Jung, con todas sus complicidades y desavenencias, está a la altura de la historia en la que se basa (¿dónde quedan, por ejemplo, sus diferencias en la interpretación de los sueños o el famoso inconsciente colectivo?). Además, el final resulta demasiado abrupto.

Supongo que era mucho y muy árido el material a tratar, y que tanto la love story como la psicoamistad habrían dado para una película individualmente, pero habría agradecido una hora más de metraje o una reducción considerable del (desaprovechado) romance Jung-Spielrein a favor de más encuentros entre dos de los pensadores más interesantes y controvertidos de principios del siglo pasado.

Un método peligroso no está mal, pero no incomoda, no fascina, no noquea al espectador (a pesar de que Freud asegura en una escena que 100 años después sus teorías seguirían resultando polémicas, cosa que es cierta). Todo está demasiado medido y contenido, incluso cuando tendría que estallar por los aires. Se echa de menos al Cronemberg más perturbador en los momentos más escabrosos (la escena de sexo en la escaleras de Una historia de violencia tiene mucha más garra, impacto y morbo que las dos sesiones de spanking de Knightley).

Dicen por ahí que no se le había hecho justicia a Freud en el cine hasta que llegó Un método peligroso, pero yo sigo pensando que aunque el actor está a la altura, el guión, desgraciadamente, no: esto es psiqueanálisis. La evolución del método del padre de la psicoterapia y su primer discípulo tuvo que ser mucho más apasionante que lo que nos muestran. No sé vosotr@s, pero yo me quedo con la versión dentro de mi cabeza...

P.S. ¿Fui la única que sufría por Knightley cada vez que la muchacha desencajaba de forma sobrenatural la mandíbula?

Medianeras: Where's Wally?

2011-11-24T00:32:00.007+01:00

“Hace más de 10 años me senté frente a la computadora y tengo la sensación de que desde entonces nunca más me levanté. Internet me acercó al mundo pero me alejó de la vida” asegura tajante el protagonista de Medianeras. Y es que, ¿son las nuevas tecnologías y la despiadada arquitectura de las grandes ciudades las culpables de que cada vez seamos más capaces de comunicarnos a larga distancia, pero nos sintamos más torpes y cohibidos a la hora de intimar cara a cara? ¿nos da cada vez más miedo el verdadero contacto? A todas estas preguntas (y alguna más) trata de responder Medianeras, del director argentino Gustavo Taretto.

Los protagonistas son un cruce entre Amelie+Nino Quimcampoix y casi cualquier pareja de un Woody Allen rejuvenecido y adicto a internet... pero con acento porteño. Él no sabe lo que busca, ella (una estupenda Pilar López de Ayala) busca a Wally en la ciudad inútilmente (“Si aún cuando sé a quién estoy buscando no lo puedo encontrar, ¿cómo voy a encontrar al que estoy buscando si ni siquiera sé cómo es?").

Sí, podría decirse que esta película es una historia de amor… o de como dos personas atrapadas en la neurosis sabotean y buscan el amor en la era digital, pero no sería exacto: Medianeras habla del no amor. Describe y retrata la soledad e incomunicación de comienzos del siglo XXI con la misma fina ironía con la que disecciona sus edificios.
Pero no todo es redondo en esta ingeniosa cinta argentina. Inspirada en un exitoso corto con el mismo nombre, a ratos se resiente de una falta de ritmo y de un estiramiento excesivo de la trama. A su vez, también hay personajes secundarios no del todo aprovechados, pero a pesar de estos pequeños lastres, en conjunto, resulta más que recomendable.

Si tienes treintaytantos y perteneces a esa generación que ha pasado de la máquina de escribir que heredó de su herman@ al Mac, e internet ha ido ganando parcelas en tu vida hasta salpicar y contaminar tu “mundo real”, te encontrarás con todo un film generacional. A veces tierno, a veces descarnado, pero siempre tan cercano y reconocible que no podrás evitar señalarte en la gran pantalla durante buena parte de su metraje (especialmente si tu vida romántica ha sido una suma de desaciertos).

Don’t worry, si Medianeras es capaz de arrancarte sonrisas (y carcajadas), hay esperanza para tu neurosis. Si aún buscas a Wally, tal vez, y sólo tal vez, como en una de las canciones favoritas de los dos protagonistas, true love will find you in the end...

"Buenos Aires crece descontrolada e imperfecta, una ciudad en la que se yerguen miles y miles de edificios sin ningún criterio. Al lado de uno muy alto hay uno muy bajo, al lado de uno racionalista, uno irracional. Probablemente estas irregularidades estéticas y éticas nos reflejen perfectamente. Estos edificios que se suceden sin ninguna lógica demuestran una falta total de planificación. Exactamente igual es nuestra vida, la vamos haciendo sin tener la más mínima idea de cómo queremos que nos quede".

¿Cómo sería la escena de la araña de Annie Hall si Annie fuera animalista?

2011-11-02T01:37:00.004+01:00

Interior. Apartamento de Annie. Noche.

Alvy: ¿Qué…? Soy yo, abre la puerta.

Annie. abre.

Annie: Oh.

Alvy: ¿Estás bien? ¿Qué te pasa?

Annie (suspira): Hay una araña en el baño.

Alvy: ¿Qué?

Annie: Hay una araña negra grandísima en el baño.

Alvy: ¿Y para eso me haces venir a las tres de la madrugada?¿porque hay una araña en el baño?

Annie: Dios mío, ya sabes que soy un poco aracnófoba…

Alvy (suspira): Ooooh.

Annie: … no puedo dormir con una cosa viva arrastrándose por el baño.

Alvy: ¡Mátala! ¡Por el amor de… ¿por qué pones esa cara?

Annie (sacude la cabeza): ¡No! Por Dios, Alvy, ¿es que ya lo has olvidado? Yo no mato nada que tenga madre…

Alvy (suspira): OK, pero te he dicho mil veces que has de tener un atrapabichos a mano. Nunca se sabe quién puede aparecer arrastrándose.

Annie: Ya lo sé, ya lo sé, tengo un botiquín y un extintor.

Alvy: Es igual, dame un vaso o algo así. Estoy bastante cansado. ¿Sabes? Tú me tomas el pelo, pero tengo que estar siempre preparado para cualquier emergencia. Una inundación, un terremoto (ve un folleto) Oye, ¿qué es esto? ¿Eh? ¿Has ido a un concierto de rock?

Annie: Sí.

Alvy: Oh, vaya, ¿de verdad? ¿En serio? ¿Y te, te gustó? ¿Fue, fue… como te diría… ferolítico? ¿fue de veras super ferolítico? ¿O fue…?

Annie: ¡Fue grandioso y basta!

Alvy: Ah, ya, escalofriante… Cuando… Bueno, se me ha ocurrido una idea genial. ¿Por qué no llamas al individuo que te llevó al concierto de rock y le dices que venga y atrape a la araña? Sería una gran idea…

Annie: Te he llamado a ti. ¿Quieres ayudarme o no? ¿Eh? Toma.

Alvy: ¿Y esto qué es? ¿Qué…? ¿Desde cuando tienes una taza de «National Review»? ¿De qué lado estás ahora?

Annie: Bueno, venía con la revista y me gusta conocer todos los puntos de vista.

Alvy: Espléndido. ¿Y por qué no llamas a Jimmy Carter para que atrape a la araña?

Annie: Alvy, estás bastante agresivo, ¿lo sabías? Y no sólo eso, te veo flaco y cansado.

Alvy: Mira... son las tres de la mañana. Me sacas de la cama, me haces venir corriendo, no consigo encontrar taxi. Me dices que es urgente y yo subo corriendo las escaleras. Me… estaba mucho más atractivo a primera hora de la noche. Oye, ah, dime… ¿cómo… desde cuándo te has liado con un rockero de derechas? ¿Cómo es posible?

Annie: ¿Quieres una taza de chocolate?

Alvy: Oye, ¿me tomas por tu hijo o qué? ¿Qué pretendes…? Yo, yo vine para…

Annie: Tengo un chocolate buenísimo, Alvy.

Alvy: Vale, ¿dónde está la araña?

Annie: Está en el baño.

Alvy: ¿En el baño, dices?

Annie: Oye, no la aplastes. Cógela con cuidado y cuando ya esté dentro de la taza la tiramos por la ventana.

Alvy : Cariño, cariño, llevo atrapando arañas desde que fui boy scout , ¿vale?

Annie: Oh.

Alvy hace mucho ruido.

Annie: ¿Qué pasa?

Alvy: ¡Es una araña muy grande!

Annie: ¿Sí?

Alvy: Si, mucho. Demasiado. Y hay dos.

Annie: ¿Dos?

Alvy: Sí. No pensaba que fuera tan grande, es una araña imponente. ¿tienes un táper…?

Annie: no.

Alvy: … ¿una olla a presión o algo por el estilo?

Annie: Me lo he dejado casi todo en tu casa, lo siento.

Alvy coge del armario una bandeja de vidrio para el horno con su tapadera.

Alvy: Bueno, voy a coger esto.

Annie: Pero, ¿qué vas a hacer con…?¿pero luego cómo voy a cocinar lasagna?

Alvy: Cariño, en el baño hay una araña del tamaño de un Buick ( Alvy va hacia el baño, seguido por Annie).

Annie: Está bien. Ooooh.

Alvy: Oye, ¿qué es esto? ¿Usas jabón de brea?

Annie : Es para el cutis.

Alvy: ¿Cómo… te has unido a una banda de jazz? ¡Uy!

Alvy se gira y empieza a perseguir a la araña con la bandeja por la bañera. Rompe una de sus esquinas. Estrépito de cristales rotos.

Annie : ¿Qué haces?

Alvy: No te asustes.

Alvy sigue arrastrando la bandeja con entusiasmo. Annie se sienta en la cama, con la espalda apoyada en la pared, tapándose la cara con las manos.

Alvy: ¡Ya está! ¡Las he atrapado a las do…! ¿Qué te pasa? ¿Por qué…

Annie (llora): ¿y ahora qué les va a pasar?

Alvy: pues que las tiramos por la ventana.

Annie: ¿pero quiénes crees que son?¿Amelia Eckhart? ¡no quiero hacerles daño, Alvy!

Alvy: Bueno, vale, bajaré a la calle y las liberaré delicadamente en un jardín.

Annie llora aún más

Alvy: … ¿estás triste? Tú… ¿Qué querías que hiciera? ¿Que las llevara a chipar y las adoptara?

Annie tira del brazo de Alvy y él se sienta a su lado.

Annie (llora): Oh, vale, baja a las arañas pero no te vayas, ¿quieres? ¡Por favor!

Otra tierra: ¿estamos realmente solos?

2011-10-27T00:55:00.004+02:00

Recomendar una película sin desvelar ni un sólo detalle de la trama y esperar que algún alma cándida acuda al cine a verla sería increíblemente ingenuo por mi parte.

Sin embargo, Otra tierra es uno de esos films que no se pueden comentar o criticar sin destriparlos, y ya que en mi caso hubiera preferido lanzarme a ella sin conocer ni un sólo detalle del argumento y sin absolutamente ninguna expectativa, enfrentarse a este film estadounidense con ojos gatunos es mi humilde recomendación para tod@s aquell@s que aún no la conozcan.

Posiblemente, dure tan poquito en cartel que el viernes 28 haya sido eliminada de los cines de las pequeñas ciudades. Posiblemente, ni el premio a la mejor actriz en Sitges ni el especial del jurado en Sundance sirvan para activar la curiosidad y el boca-oreja, pero cuando aparece una joyita de este calibre, tan insólita y apetecible en los hamburgueseros menús cinéfilos, recomendarla es casi un deber moral.

Y si todo lo anterior no ha despertado su curiosidad ni lo más mínimo, una última recomendación: vaya a verla antes que otra persona extrañamente parecida a usted se le adelante…

La 59 edición del Zinemaldia en 12 palabras

2011-09-26T21:43:00.010+02:00

* Hardcore: familias kamikaces, solitarios heridos, injusticias históricas, psicópatas en todos los estratos sociales y conflictos políticos, entre otros, suelen campar a sus anchas en la programación de todas secciones del Zinemaldia. Sin embargo, este año, se ha dado una nueva y turbia vuelta de tuerca a su temática. Tres inquietantísimos ejemplos: padres que desean secretamente a sus hijas y rebautizan a las prostitutas que contratan con sus nombres (Still Life), parejas con rasgos psicopáticos cuya misión vital consiste en asumir nuevas identidades y manipular a otros hasta destrozarles la vida (Silver Tongues), y jóvenes que quieren escapar de sectas en las que la violación es un rito de “cohesión grupal” (Martha Marcy May Marlene). Casi nada...

* (Los) Paraguas (de Donosti): cuando la organización tiene programada en su agenda una película titulada Los paraguas de Cherburgo (Jacques Demy) está invocando, en todo su esplendor, al dios de la lluvia. Lo malo es cuando su amigo, el dios del viento, también decide apuntarse a la reunión. Y mientras luchas contra tu sufrido paraguas incrustada en una fila interminable, sólo puedes repetir “en Berlín el público hace cola a menos 2 grados” como si fuera un mantra, tratando de desterrar de tu mente el tiempo que debe hacer en Venecia o en Cannes. Pero cuando te sientas en tu butaca y la película comienza, entiendes finalmente qué es eso tan demyniano de “hablar cantando”. ¿Cómo un musical tan luminoso, naif y buenrollista puede ser al mismo tiempo tan melancólico y doloroso?. Je ne sais pas...

* “Gastromanía”: este es un festival básicamente culinario, no nos dejemos engañar. Y no lo digo por el reciente ciclo Cine y gastronomía que se acaba de inaugurar, sino porque nuestros visitantes parecen más preocupados por ir de restaurantes y atiborrarse de pintxos que por ver películas (especialmente los miembros de jurado oficial). Que si, que ambas cosas pueden ir de la mano, pero cuando casi todo el mundo habla más de comida que de cine, algo falla. ¿Acaso para comer pantagruelicamente no están ya los otros 356 días del año?.
Cuando le preguntaron a Clive Owen (que presentaba la malota y tramposa Intruders) por la impresión que le dejó, años ha, su primera visita al Zinemaldi, lo único que se le ocurrió decir fue “unbelievable food!”. Eso es como si, al sonsacarle a un amigo la descripción física de alguien con quien quiere liarte, éste te respondiera “tiene mucha personalidad”. Como la cosa siga así, en lugar de conchas, sirenas y farolas, la organización acabará dando sartenes, bogavantes y changurros dorados.

* Bovarismo: “estado de insatisfacción crónica de una persona, producido por el contraste entre sus ilusiones y aspiraciones (a menudo desproporcionadas respecto a sus propias posibilidades) y la realidad, que suele frustrarlas” (wikipedia dixit). Aunque en el festival (como en la vida), el vacío vital y la insatisfacción crónica han sido los protagonistas, la sección oficial ha explorado (¿casualidad?) el bovarismo de 3 mujeres casadas que se enamoran perdidamente de otro hombre. La más valiente es Hester (Rachel Weisz) en The Deep Blue Sea (Terence Davies) por abandonar su acomodada vida y su complaciente marido por un joven piloto en paro en plenos años 50; la más dubitativa (y neurótica) es Margot (Michelle Williams) en Take this waltz (Sarah Polley) esa película que a primera vista parece una love story pero que acaba siendo otra cosa, y, por último, Emilia (Araceli Ramírez), la más descaradamente bovariana del trío, sufriendo muy mucho en Las razones del corazón de Arturo Ripstein.

* Ausencias: al parecer, muchas stars no vienen al festival a presentar sus películas porque se encuentran en pleno rodaje. ¡Que casualidad! ¿Así que ese es motivo por el que Rachel Weisz, Salma Hayek, Michelle Williams, Seth Rogen, Woody Harrelson, Robin Wright, Sigourney Weaver, Ryan Gosling, Brad Pitt, Sean Penn y Carey Mulligan, entre otros, nos han dado plantón?. La ausencia del director de Rampart (una de las películas a concurso) que sí se presentó en Toronto (donde no competía) junto con todo su equipo, demuestra lo poco que allende los mares se toman en serio el Zinemaldi.
Sin embargo, hay otro motivo, mucho más prosaico, por el que nuestra alfombra roja sigue tan deslucida como en ediciones anteriores: money. Traer a una star en vuelo privado desde L.A cuesta unos 150.000 eurillos del ala. Y es que si son invitados, ¿no se les va a hacer pagar el viaje, no? Por este motivo, cuando Julie Delpy, Aki Kaurismaki y Michael “Magneto” Fassbender anunciaron, respectivamente, que vendrían en tren desde París (¡bendita fobia
a volar!), en caravana desde Portugal, y en moto y “recauchutado”, como recién salido de Le Mans, la organización debió suspirar aliviada. Y yo me pregunto, así, tontamente, ¿dónde habrá dejado aparcada su caravana el simpático de Aki?

* Gatos: Feliz coincidencia: dos de las únicas 4 películas de animación los han tenido como protagonistas absolutos (Une vie de chat y Le chat du rabbin) y el shrekiano minino andaluz más famoso del mundo ha elegido el Zinemaldi para la premiere (de 20 miserables minutos) de El gato con botas. Los felinos están de lo más in. Por algo será...

* Déjà vu: la semiautobiográfica Le Skylab de Julie Delpy viaja a una comida familiar en 1979 (sí, como Super 8) de la propia directora. Es coquetuela y alegre y, a ratos, tan divertida (ese Tony Manero de 17 años justifica, él solito, el visionado de toda la película) que te olvidas de cierto humor soez y vulgar y, sobre todo, de los constantes déjà vus de otras pelis y series (Why Verano Azul? Why?) o del hecho de que sea tan ligera como un polo de limón. Empatizas con esa niña que descubre el amor y el desamor en un mismo día, de la misma forma que te sientes cercan@ a las esperanzas y frustraciones de los niños de Kiseki (Hirokazu Kore-Eda) y anhelas creer en un milagro que haga más digerible las amarguras diarias. Sí, nada nuevo bajo el (naciente) sol en el que estos dos hermanos viven separados en diferentes ciudades, pero si mucho encanto, buen humor y ternura y, porque no admitirlo, la mejor frase de todo el Zinemaldia. “¿Qué significa indie?” “que tienes que esforzarte más”.

* Rescatados: Ancianos que recuperan su voz y su dignidad a golpe de animación (Arrugas, Ignacio Ferreras), abuelas nada pasivas con muy mala leche (Urte berri on, amona!, Telmo Esnal), inmigrantes con buena voluntad que se reflejan en los ojos ajenos y acaban transformándose en lo peor que ven en ellos (L’Envahisseur, Nicholas Provost), underdogs heridos e hirientes que se enamoran de mujeres apaleadas y que, sorprendentemente no han perdido la esperanza (Tyrannosaur, Paddy Considine) y mujeres feriantes de raza gitana que crecen y estallan frente a una cámara que las mira por vez primera (Tralas Luces, Sandra Sánchez).

* (Anti)divos: Que guapa y talentosa estaba Catherine Deneuve en los musicales de la retrospectiva de Jacques Demy.... y que prima donna cuando llegó (tarde) a ¿presentar? el ciclo dedicado a su descubridor. Por arte de magia (culinaria), una comida en el Ganbara junto con amigos y famosos varios le cambió tanto el humor que comenzó a sonreír y a firmar autógrafos. Alex de la Iglesia, por su parte, ponía cara asco infinito a los cazautógrafos que acampaban en las puertas del Maria Cristina cada vez que entraba y salía de “sus aposentos”. Sin embargo, nada volubles o distantes resultaron Frances McDormand comprando melocotones en los puestos callejeros o Michael Fassbender (“lo mejor que le ha pasado al festival en muchos años” según alguna periodista) flamante ganador de la Copa Volpi al mejor actor por Shame, y que, tras "aparcar su moto", posó en camiseta, evitó las “zonas vip” y se apuntó a todos los saraos. Dos días más en Donosti y habría acabado rebautizándose Mikel...

* Silbidos: escuchar silbidos tras una proyección no es algo extraordinario (Kim Ki-duk y su Amen, por ejemplo, se los habían ganado a pulso), pero escucharlos antes es algo menos frecuente. Ocurrió en el primer pase de Take this waltz (Sarah Polley). Cuando ves que la proyección se retrasa, sólo te vienen dos cosas a la cabeza: fallo o técnico o ausencia de algún big fish. 12 minutos de palmas y abucheos más tarde se desveló el misterio cuando entraron corriendo a lo cartoon los miembros del jurado oficial. Mientras Frances McDormand hacía el gesto triunfal de Rocky, tratando de quitarle hierro al asunto, Alex de la Iglesia se mostraba sumiso, en postura mantis religiosa. Sin embargo, las 1800 personas de la sala 1 del Kursaal no aceptamos sus disculpas. Una mujer, dos filas por delante de mi, expresó en voz muy alta lo que pensábamos tod@s: ¡ver películas gratis es lo único que tienen que hacer y encima llegan tarde!. (Si en ese momento hubiéramos sabido qué película sería escogida Concha de oro, la mayoría habríamos aprovechado para abuchearles bastante más).

* Subtítulos: La lógica y la experiencia de pasadas ediciones indican que los ejemplares más escasos en la fauna festivalera son los ancianos y los niños (fuera de la programación infantil, claro está). Por este motivo, cuando te encuentras sentada junto a dos munchkins de 6 y 9 años en un musical francés (Les demoiselles de Rocheford), lo primero que piensas es que o bien tienen padres muy cinéfilos o bien se trata de un par de cerebritos. Cuando el más pequeño comienza a dar muestras de aburrimiento en dos idiomas distintos a la media hora de proyección (el padre era british, la madre spanish), de repente, un rostro conocido llena la pantalla. "Look, it’s Gene Kelly!" susurra el padre y los ojos del niño se encienden. Ante ese síntoma de buen gusto y cinefilia precoz, además de una punzada de envidia, no puedes evitar sentir, instantáneamente, que el mundo es un lugar mejor.

* Diamantes: no sé hasta qué punto la divertida presentación que nos hizo Kaurismaki de Le Havre, su última película, influyó en el hecho de que se convirtiera (musicales de Demy aparte), en lo mejor que había visto a dos días de acabar la 59 edición de Zinemaldi. De este delicioso cuento (con homenaje a Casablanca included) sólo puedo decir que, si dependiera de mi, la programaría cada navidad, junto con ¡Que bello es vivir! y Eduardo Manostijeras. Pero aún faltaba la última película. Confieso que la fui a verla con pocas expectativas y que, cuando nos la presentaron como “el tercer mejor film que narra la transición del cine mudo al sonoro tras Sunset Boulevard y Cantando bajo la lluvia”, me pareció una exageración y un peloterismo descarado al director, que había venido a presentárnosla. Entonces se apagaron las luces... y ocurrió. Es difícil explicarlo con palabras. ¿Conocéis ese cosquilleo en la nuca acompañado de unas ganas tontas e irreprimibles de llorar? ¿ese “no me puedo creer que esto sea tan bueno”? Pues así de maravillosa es The Artist. Lo mejor que he visto, no sólo en este Zinemaldi, sino en mucho, mucho tiempo. Y no fui la única que se enamoró esa noche. Este clásico instantáneo francés, no sólo se llevó la ovación más larga del festival, sino que, al mismo tiempo, ganó el premio del público (al que yo contribuí ese día, orgullosamente, con mi voto).
¡Que nadie se la pierda!.

Misión cumplida. Conchazos aparte, como espectadora, mi festival no podría haber terminado mejor.

La rescatadora de frases: La ciencia del sueño

2011-07-06T00:58:00.007+02:00

Mucho, demasiado tiempo llevaba con ganas de toparme con esta estupenda película de Michel “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” Gondry, pero la espera ha valido la pena. Y es que, además de ideas muy interesantes y algunos momentos mágicos y visualmente portentosos, La ciencia del sueño contiene declaraciones de amor tan tierno-fóbicas como esta:

- ¡Vas a perder el avión!
- ¡No me importa! No me importa...
- ¿Por qué me haces esto? ¿qué te he hecho yo? Dime, ¿qué quieres que haga?
- No lo sé. Tal vez tocarme el pelo...
- No puedo hacer eso... ¿¡Por qué yo!?
- Porque todas las demás me aburren... y porque eres diferente.

***

Otras frases para recordar:

"El azar es muy difícil de lograr. La organización siempre se vuelve a fusionar si no prestas atención".

*

"Esta noche, les mostraré cómo preparar los sueños. La gente cree que es un proceso muy fácil, pero es un poco más complicado de lo que parece. Como ven, la clave es la combinación delicada de ingredientes complejos. Primero, ponemos pensamientos al azar. Luego, añadimos una pizca de reminiscencias del día, mezcladas con algunos recuerdos del pasado. Amor, amistades, relaciones y todas esas palabras sumadas a canciones que se oyeron durante el día, cosas que se vieron y también algo personal. Y nos ponemos a revolver..."

*

"Enfoque y concentración: la distracción es la obstrucción a la construcción".

*

“El cerebro es la cosa más compleja, y está justo detrás de la nariz”.

*

"Nuestros cerebros están creando un bucle que es increíblemente complejo. No es como si nuestras mentes se comunicaran, ni es telepatía ni nada de eso; Es como si a cada paso que diéramos evolucionáramos en la misma dirección. Se llama aleatoriedad paralela sincronizada".

DISCULPEN LAS MOLESTIAS 1: la nueva entrega y solución del concurso musical se ha retrasado un poco esta semana por problemas técnicos, pero espero solucionarlo en un par de días, como máximo.

DISCULPEN LAS MOLESTIAS 2: Hay blogs que me desbloguean automaticamente y en los que me resulta imposible postear. Lunna, si llegas hasta aquí, llevo semanas sin poder contestarte. Sorry!

¡Luces, cámara... canción! * 27 y 28

2011-06-27T20:44:00.003+02:00

Retomo el aparcadísimo concurso con dos de mis canciones favoritas en una semana complicada “por que yo lo valgo”.

* 27 (3’5 /5 en el popularizómetro)

- Venía de calzar las botas más altas del mundo en otra película, pero aquí no habría podido utilizarlas: no son muy prácticas para huir.

- Dicen que es sano mantener una parcela de intimidad en cada relación de pareja, pero en el caso de esta chica, algunos secretos pueden salvarle la vida.

- Los bigotes postizos son un peñazo, pero, en ocasiones, no te reconoce ni tu madre.

¡Luces, cámara... canción! * 27

*

* 28 (2/5)

- Los japoneses conocen, mejor que nadie, sus efectos terapéuticos y desahoguiles. En este caso concreto, todo el mundo merece sus 5 minutos de fama.

- Conocer a tu padre es una cosa, reconciliarte con él públicamente frente a un micrófono, otra muy distinta.

- Una persona a la que acabas de conocer puede sacrificarte por ti, en un momento dado. Como diría Blanche Dubois: confía siempre en la bondad de los desconocidos.

¡Luces, cámara... canción! * 28

*

No sé si es algo bueno o malo, pero ahora ya no puedo escuchar Changes de Bowie sin recordar esta escena de Shrek 2.

Will you still love me tomorrow suena en una romántica escena de Dirty Dancing en la que Swayze le cuenta a Baby su sueño. Tendréis que confiar en mi memoria cinéfila porque no he encontrado el video exacto y tendremos que conformarnos con esto:

J, Fiona, su verde esposo y los bailarines más famosos de los 80, te felicitan por tu doble acierto ;)

MEME: Escenas para recordar

2011-05-20T23:51:00.024+02:00

La más alegre

El comienzo de Mucho ruido y pocas nueces con ese poema opti(fe)minista seguido del entusiasmadísimo acicalamiento ante la llegada de Don Pedro & Co., me resulta de un buenrollismo desarmante.

La más agridulce

Empate entre el emotivo final de El club de los poetas muertos (una de las películas míticas de mi adolescencia) y el no menos emotivo final de Cinema Paradiso, con sus besos censurados.

La más rara

Algunos films contienen escenas raras raras raras, pero en mi memoria cinéfila sobresale casi cualquier momento de Cómo ser John Malkovich, ya que es un experimento raruno todo él y el WTF? no desaparece durante toda la película.

La más perturbadora

Podría escoger inquietantes scenes de David Lynch, Cronenberg o Haneke, por ejemplo, pero me quedo con el ending de La semilla del diablo, por esa terrorífica segunda película que comienza en tu cabeza cuando lo peor se confirma y el inoportuno amor entra en escena :S

La escena con más suspense

Ante la palabra suspense, lo primero que viene a la mente es Hitchcock, pero como soy incapaz de elegir una de entre todas las muchas buenas que contiene su filmografía, me quedo con mi escena favorita de un peliculón: el tiroteo en las escaleras de Los intocables de Elliot Ness (que es, al mismo tiempo, un homenaje de otra: El acorazado Potemkim).

La más aterradora

La escena que más secuelas me ha dejado en mi vida (dormir con la luz encendida, pesadillas post-apocalípticas, ataques de ansiedad cada vez que veo un carrito de supermercado...) es la escena del sótano de The Road. Para mi no hay argumento más espantoso que el que plantea esta película...

La más romántica

Cuando se es muy romántica, como en mi caso, resulta imposible quedarse sólo con una escena: el “he recorrido océanos de tiempo para encontrarte” de Drácula, Los puentes de Madison, Breve Encuentro, In the mood for love, Casablanca, Encadenados, la escena de la doble confesión del taxi de Antes del atardecer... too many, pero si tengo que elegir una, con todo el dolor de mi corazón, escojo el final de Breakfast at Tiffany’s. Y es que lo tiene todo para ponerme la piel de gallina: chico que se declara apasionadamente y contra toda posibilidad, chica que supera sus miedos, beso bajo la lluvia y... ¡un gato rescatado!. (Hepburn confesaría después que abandonar a Gato fue la escena más dura de toda su filmografía).

El mejor diálogo

Después de meditar durante días, voy a pecar de falta de originalidad escogiendo la que, en mi opinión, es la película con los diálogos y frases más memorables de la historia: Casablanca. Y pensar que el guión fue improvisado sobre la marcha...

Mejor escena sin diálogo

¿Búster Keaton?¿Chaplin?¿el magnífico prólogo de Up? Difícil elección, pero mi corazón está con los ya míticos 40 primeros minutos de Wall·E.

Mejor escena de pelea

Hay escenas de lucha impresionantes (lejos de las típicamente testosteronadas) que me encantan (Tigre y Dragón sería un buen ejemplo), pero, aunque no es ni de lejos la mejor, pocas escenas me han impulsado a levantarme de la butaca en el cine y a dar palmas como la de Eowyn vs Nazgul en El retorno del rey. Él dice “¡Insensato, ningún hombre puede vencerme. Ahora muere!”. Pero la rubia, decidida, se quita el casco y contesta “Yo no soy un hombre” y se lo carga. ¡MO-MEN-TA-ZO!

La mejor escena musical

LA ESCENA por antonomasia, la que representa mejor que ninguna otra la esencia del musical, es la archiconocida singin’ in the rain de la película con el mismo título. Y es que el musical es el genero más prozac, más “al mal tiempo buena cara” que existe. Curiosamente, Gene Kelly estaba tan enfermo el día que la rodaron, que bailar le supuso un esfuerzo sobrehumano y sus pies apenas tenían fuerza para hacer sonar las tachuelas. Para compensar la falta de garra que requería la escena, se le añadió el claqueo de dos bailarinas.

La mejor escena de baile

Hay 3 que me encantan y no puedo elegir. La más original, bonita y creativa: la elaborada escena final de Un americano en Paris, con Gene Kelly y Leslie Caron viviendo, de cuadro en cuado, su amor imposible en el mundo real (confesión: el fragmento que he escogido me hace llorar); la más irónica y crítica: la discusión (y batalla de sexos) de West Side Story en la famoserrima America; y la más elegante, romántica y chic: dancing in the dark de Melodías de Broadway, con Fred Astaire y Cyd Charisse. ¿Dónde puedo conseguir una falda como esa... y el talento para saber moverla?

El mejor discurso

Matar a un ruiseñor, Olvídate de mi, El gran dictador o El manantial contienen algunos de los mejores discursos de la historia, pero mi favorito no trata cuestiones tan terrenales. Sencillamente, no es de este mundo...

El mejor comienzo

Siempre me ha fascinado el comienzo de Manhattan. Varias versiones, a cada cual mejor, del inicio del primer capitulo de una novela se suceden, mientras la deslumbrante fotografía en blanco y negro de NYC, la capital del mundo, la ciudad de todos, es acompañada de esa maravilla que parece escrita expresamente para esta película, llamada Rhapsody in blue. Si no se te ponen los hairs like escarpias con este beginning, no eres humano...

La mejor muerte

No se me ocurre una muerte más impactante y sobrecogedora que la de Duelo al sol, con esos dos amantes que se odian con tanta intensidad, que tras dispararse el uno al otro, acaban declarándose su amor y agotando su último aliento en uno apasionado beso, para morir uno en los brazos del otro. Wow!

El mejor climax

Ambos me dejaron, no pegada, sino directamente incrustada en la butaca. Han pasado los años y sigo sin ser capaz de escoger entre Sospechosos Habituales y Se7en... De Spacey a Spacey y tiro porque me toca...

El mejor final

Esta categoría roza la crueldad. Es casi como preguntar a un niño a quien quiere más: si a papá o a mamá. Son muchos y muy buenos: Casablanca, Con faldas y a lo loco, El imperio contraataca, Vacaciones en Roma, Desayuno con diamantes, Lo que el viento se llevó... Y más y más y más...

La escena que jamás debió ser filmada

Es fácil encontrar malas escenas en películas reguleras, encontrar una chirriante o innecesaria en una buena peli es bastante más complicado. Siempre le doy al FF en la escena de las langostas de Annie Hall. Hacer humor a base de innecesaria crueldad animal me supera. Con la sensibilidad de hoy día, dudo que se hubiera filmado, más que nada porque PETA habría apretado al prolífico pelirrojo cual boa constrictor hasta hacerle cambiar de opinión (Bardem iba a ser torero en Vicky Cristina Barcelona, pero gente juiciosa le aconsejó "¡Woody, noooorl!)

La mejor escena de la historia

Otra categoría sádica, pero si tuviera que poner un fotograma a la definición cine en alguna enciclopedia alienígena, me vendrían 2 a la cabeza: Scarlett O’Hara arrancando un rábano de la tierra yerma para poner a Dios por testigo de que jamás volverá a pasar hambre y Darth Vader confensándole a Luke Skywalker que él es su verdadero padre en El imperio contraataca.

+ La escena más roller-coaster

Aunque no aparece en el MEME original, echaba de menos una categoría en la que las emociones se dispararan en todas las direcciones e, incluso, se contradijeran... y la encontré en Crash. La escena en la que Matt Dillon se desvive, e incluso arriesga su vida por rescatar a una mujer a la que horas antes había insultado, denigrado e, incluso medio violado delante de su marido, es sobrecogedora...

¿Cuáles son las vuestras? ;)

¡Luces, cámara... canción! * 25 y 26

2011-05-16T23:53:00.003+02:00

* 25 (5/5)

- Desconfía de los vanidosos y madrecéntricos... por muy guaperas que sean.

- Va a resultar que, al final, la belleza física sí te importa...

- Hay que admitir que a ese actor secundario le sientan de miedo las botas altas.

¡Luces, cámara... canción! * 25

*

* 26 (5/5)

- Nunca subestimes el poder de “el favor veraniego”.

- Todos coincidían en que la morena era más guapa y a ella le reventaba...

- Colar a tu mujer como compañera de reparto pero fingir que te enamoras de otra resulta un poco morboso, P.

¡Luces, cámara... canción! * 26

Sólo ellas, los chicos a un lado fue el originalísimo título que le plantaron a Boys on the side, una peliculilla perfectamente olvidable con Whoopy Goldberg en pleno apogeo post-ghostil, pero que cuenta en su B.S.O. con una resultona versión del famoso You got it de Roy Orbison made by Bonnie Raitt. Otro punto más para Rick, que continua imbatible. Congrats!

No importa que se sea hetero, gay, bisexual o asexual. Resulta difícil olvidar a la voluoptosísima Jessica Rabbit cantando sensualmente una de las canciones más populares de Peggy Lee en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. El Chandler de Friends la incluyó en su lista de mujeres famosas con las que me gustaría acostarse con la excusa de que quería comprobar sus cualidades de dibu. Te creemos, Chandler Bing...
Al acertante de la segunda película de la semana pasada le preguntaría cuántas veces ha visto esa escena, pero no creo que me conteste. Como dirían en Eurovisión "j, un point" ;)

¡Luces, cámara... canción! * 23 y 24

2011-05-09T22:48:00.005+02:00

23 * (2’5/5)

- Va una “pitonisa”, una “hierbas” y una “niña precoz” en una road movie.

- Chick Flick descarado con chica moribunda gritando tacos en plan “desahoguil”.

- Los personajes masculinos no son secundarios, ni “terciarios”.... ni siquiera “cuartarios”.

¡Luces, cámara... canción! * 23

*

24 * (4/5)

- Nadie entendía que veía en él, pero aquella hermosa mujer lo tenía claro: le hacía reír.

- Chandler Bing incluyó a su protagonista en su lista plastificada.

- No importa que ambos estemos casados. Juguemos a las palmitas durante toda la noche, baby...

¡Luces, cámara... canción! * 24

*

Fue muy divertido poner las pistas de la primera película. Sí, era Crepúsculo y hay que admitir que su banda sonora no está del todo mal (de hecho, tal vez sea lo mejor de la película). Mal que me pese, he de confesar que el famoso temazo de Iron & Wine ha quedado asociado al “¡conviérteme, Edward!”, “¡no, te quiero demasiado!”, “¡conviérteme y seremos monos y jóvenes forever more!”, “¡que te digo que no, Bella. ¿No te basta con que el único que esté buenorro para siempre sea un servidor?”. En fin, enhorabuena, Rick, por morder antes que el resto ;)

Quédate a mi lado es la típica de Antena 3 de los domingos por la tarde, aunque la echen en varias cadenas muchas veces al año. Da un poco de penita ver a la Sarandon en un papel tan ñoño y a Ed Harris tan soso y desaprovechado, por muy deseado por dos mujeres que esté. Pero, a pesar de los pesares, fue en esta película en la que escuché por primera vez el prozaquiano ain’t no mountain high enough. No fui la única entusiasmada y la venta de soundtracks se disparó.
Roberts compartiría cartel posteriormente con Tim Robbins en Prêt à porter, de ahí lo del intercambio de parejas. El punto va para Lou por ser la primera en decir el title correcto. ¡Felicidades! ;)

Thor: ¡quítate la camisetaaaa!

2011-05-06T01:34:00.011+02:00

Al salir del cine en el que acabábamos de ver la última (e insólita) película de Kenneth Branagh, una de mis acompañantes resumió en una frase nuestra impresión general de las andanzas del dios del trueno “no se quita lo suficientemente la camiseta”.
Y es cierto. Thor es tan pudorosa, tan blanca, tan light y con unos vikingos tan, tan educaditos (¿ein?) que nada ni nadie se descamisa lo suficiente. No es mala, pero tampoco buena y las cosas pasan porque sí, porque alguien nos las cuenta, pero en ningún momento las vemos o las sentimos.

Su arranque en Asgard, ese planeta alienígena vinkingo-barroco-kitsch y su frágil y eterna tregua con el mundo helado de Jotunheim, es prometedor. La shakesperiana tragedia familiar, con sus envidias y rivalidades, justifica la presencia del director y, probablemente, sea lo mejor de toda la cinta, aunque ni Branagh ni el descafeinado guión saben imprimirle la emoción necesaria y uno necesita más hondura y carisma en los personajes para sufrir con su drama familiar y empatizar con ellos. Haciendo una analogía con El rey león, nos gustaría saber, entre otras cosas, porqué el Scar del film envidia tanto a Mufasa (digo yo que no será sólo por ser rubio natural) o sentir en nuestras carnes su maldad genuina, pero no hay manera.

Una vez que el rey del trueno paga el peaje del puente del arcoiris y es desterrado a la tierra, el viaje redentor que debería convertirle de arrogante pendenciero a humilde merecedor del martillo, pasa en 3 días, en lugar de meses o semanas (una escena domestico-culinaria del rubio forzudo sirviendo el desayuno a los colegas de su amada no es suficiente para que nos traguemos su bajada de humos, señores).
Y a pesar de contar con Natalie Portman (la anti Megan Fox por excelencia) como “la chica” y de brindarnos algún que otro momento divertido con sus accidentados encuentros y desencuentros, tampoco convence la insulsa y casta historia de amor de “alienígena macizorro de buen corazón conoce a guapa e inteligente científica”. De hecho, han racaneado tanto en el apartado romántico, que ni siquiera les han dado a los mozos una miserable escena de conexión mágica o de pasión desatada (I’m so, so sorry, Natalie!).

Y a pesar de que no se hace aburrida ni pesada en ningún momento, tras un nudo “encamisado” e insatisfactorio, el desenlace tampoco nos insta a sumarle enteros. La escena en la que la indefinida y poco aprovechada banda de Thor baja a la tierra para echarle un cable, en ese desangelado “Ikea Town”, con cuatro casuchas, da un poquito de vergüenza ajena. Pero vuelven a cruzar el puente del arcoiris (¡Yuppy!) y recobramos la esperanza levemente para comprobar que lo que debería haber sido un climax intenso y emotivo, se queda en visualmente llamativo, nada más (una lástima. Eso de viajar a otros mundos a través de un puente de colores, mola).

Resumiendo: un autor serio que la hecho lo que ha podido, secundarios sólidos y prestigiosos (Portman, Anthony “Odin” Hopkins y Stelan “me han contratado porque soy nórdico como el prota” Skarsgard) que no tienen demasiado que rascar, una recreación asgardiana convincente, un par de batallas, un guión sosín y un protagonista guapísimo y competente que no ha visto amortizados sus 6 meses intensivos de gimnasio en la única (y miserable) escena en la que se quita la camiseta. Y es que, para lo bueno y lo malo, esto no es Crepúsculo, ladies & gentlemen. ¿Adónde irán los Thoorrrs que no se enseñan? Pataky, que usted disfrute, al menos, uno de ellos, hermosa....

He aquí un Behind de scenes en el que entre pregunta y pregunta, Hemsworth y Portman derrochan muchísima más química que en todas las escenas de la película juntas (are you flirting, guys?). De hecho, hay momentos en los que se olvidan de la cámara y hablan entre sí. Atención a la cara de ella cuando descubre que el mocetón ha participado en Dancing with the stars y a su nada acomplejada frase final “Chris and that little midget girl... starring in Thor”.

¡Luces, cámara... canción! * 21 y 22

2011-05-04T20:15:00.004+02:00

* 21 (5/5 en el popularizómetro)

- Tenemos chica nueva “en la oficina”, no se llama Farala, pero es divina.

- Es lógico que, con un padre médico, todos los hijos tengan un cuidado obsesivo por su salud y la salud de los demás (pero no explica porqué están todos tan buenorros).

- Puedes repetirles que un pase o un tanto no ha valido en un partido de baseball, pero ellos te responderán “¡es que en mi casa jugamos así!”.

¡Luces, cámara.... canción! * 21

*

* 22 (a juzgar por nuestros canales de tv más populares, 4’5/5 mínimo)

- Echándole un poquito de imaginación, se podría decir que este film es una versión modernizada de Mary Poppins.

- A pesar de rivalizar durante gran parte del metraje, en la real life, sus dos protagonistas femeninas se hicieron muy buenas amigas, e, incluso, a una de ellas no le importó que su entonces maridísimo besara a la otra en otra película.

- Ponerte a cantar y bailar como un loco por tu casa, arrasando con todo a tu paso, no resolverá tus problemas, pero como desahoga, oye...

¡Lúces, cámara... canción! * 22

*

Yes, las películas de la semana pasada eran esa deliciosa Amelie oriental llamada Chungking Express (una de las mejores películas de Wong Kar-Wai y una maravilla que nadie se debería perder).

y Benny & Joon una dramedy cuyo mayor atractivo es ver a Johnny Depp imitando a Buster Keaton mientras hace bailar los panecillos con los cubiertos o sorprende a los comensales con unos sandwiches literalmente “a la plancha”. Leticia adivinó ambas ¡y ya tiene 4 points! Omedetoo gozaimasu! ;)

P.S. ¿Volverán los mágicos días en los que se pueda actualizar con normalidad sin que todo se vaya a la shit cada vez que se le da a "redactar"?

La escena más graciosa + la escena más triste

2011-04-27T00:10:00.003+02:00

Recientemente circula por los cine-blogs un MEME con las escenas y momentos cinéfilos favoritos de cada blogero en cuestión. En total hay 21 categorías y aunque no me han invitado a unirme al game (y soy demasiado indecisa para realizarlo todo de un tirón), he decidido hacerlo a mi manera y por partes (las reglas están para romperse, ¿o no?).
Además, al fragmentarlo, dará pie a debatir cada elección con mas detenimiento (y por comment & contrast me refiero a vuestras elecciones, las mías ya me las sé).

Here we go...

* La escena más graciosa

Si este MEME hubiera llegado a mi hace 10 años, probablemente hubiera escogido la escena de “Pijus máximus” (¡Biggus Diccus” en inglés, ¿hace falta traducir dick a estas alturas?) de La vida de Brian (o la de la lapidación, quizá), pero, puede que, a fuerza de verlas, hayan llegado a perder fuelle, pero el caso es que ya no me resultan tan hilarantes. La que sí me sigue arrancando carcajadas, es la famosa escena del tango de Con faldas y a lo loco. Ese genial Jack “Daphne” Lemmon, pasándo una rosa de su boca a la de su enamorado Oswald con pose de resignada mujer fatal, me mata. He encontrado un video que reproduce la fragmentada escena toda seguida. Vean y juzguen si tiene la misma fuerza que la original.

* La escena más triste

En esta categoría no puedo escoger. Es imposible (e injusto) elegir sólo una cuando se es tan emotiva y “magdalena” como yo, así que aquí va mi lista provisional (la mayoría contienen spoilers)

- El tristérrimo final de Million Dollar Baby, especialmente, la parte del Mo Cuishle.
- La desesperación e impotencia de Schindler cuando se lamenta de que podía haber salvado más vidas y el “Quien salva una vida salva el mundo entero” (La lista de Schindler).
- Francesca, aferrada al manillar de la puerta de la camioneta, observa destrozada como su querido Robert coloca su crucifijo en el espejo de su coche antes de partir para siempre en Los puentes de Madison.
- Confieso sin pudor que hay una película de Disney (con todos los excesos de la casa), llamada Tod y Toby, que es uno de los films que más me han hecho llorar en toda mi vida. (Hace mucho que no la reviso y puede que ya no tenga el mismo efecto, pero las dos veces que la he visto me ha dejado K.O). Narra la historia de amistad imposible entre un zorro y un perro “cazador” que se conocen de cachorros y luego siguen caminos diferentes. El momento en el que se separan tras el violento reencuentro y ambos saben que, la próxima vez, uno de los dos matará al otro... Kleenex Town...
- La despedida de E.T. Clásico infantil que me sigue poniendo la carne de gallina muchos años después de su primer visionado.
- El progresivo deterioro y muerte de Benjamin en El curioso caso de Benjamin Button. Ya es terrible ver morir a la persona que amas cuando tú mismo te acercas poco a poco a la muerte, pero si, además, esa persona va rejuveneciendo físicamente y desafiando así cualquier resquicio de orden natural de las cosas, la soledad de ese insólito proceso resulta imposible de imaginar. Poor Daisy :(
- La emotiva escena final de Primavera Tardía. El padre viudo llega a su casa vacía después de la boda de su única hija (boda que se celebra a regañadientes, porque ella se negaba a abandonarle en sus últimos años). El hombre coge una manzana y la pela de un tirón. La cáscara cae al suelo y, al mismo tiempo, la cabeza del anciano se inclina, como queriendo caer tras ella. Entonces, incapaz de contener su tristeza, rompe a llorar. Pocas veces se han dicho tantas cosas de una forma tan sobria, elegante y poética.
- “¡Abrázame!” ruega ella. “No puedo” contesta él. La escena más romántica de Eduardo Manostijeras me rompe el corazón. ¿Y es que hay algo más triste que no poder abrazar a la persona que amas?.

¿Cuáles serían vuestras elecciones en ambas categorías? ;)

P.S. No, no he visto aún ni El hombre elefante ni La tumba de las luciérnagas. Lo digo por si alguien me abronca por no incluirlas ;)

¡Luces, cámara... canción! * 19 y 20

2011-04-25T21:41:00.003+02:00

* 19 (2’5/5 en el “popularizómetro”)

- Si te enamoras, procura que él conozca tu canción favorita (a todo volumen, a poder ser).

- Hay historias de amor que son como las latas de piña: sólo vemos la fecha de caducidad cuando el otro ya nos “ha arrojado”.

- El allanamiento de morada puede ser siempre ilegal, pero no necesariamente “moralmente reprochable”.

¡Luces, cámara... canción * 19

* 20 (un 2/5 en el popularizómetro)

- ¿Cómo conseguir que tu protector hermano mayor no interfiera en tu vida sexual cuando eres una rubia frágil y vulnerable con problemas mentales?.

- Buster Keaton ha vuelto (pero, para aquellos que se lo pregunten, no va en coche con Ted Mosby y Marshall).

- ¿Has probado alguna vez un sándwich “a la plancha”? Recuerda que debes hacerlo en la posición “rayon”, porque en “seda” queda pastoso y en “algodón” se quema. Lo mejor para el queso es la posición “lana”.

¡Luces, cámara.... canción! * 20

Siempre me han gustado las escenas corales en las que los personajes cantan espontáneamente, como las de las dos últimas películas, La boda de mi mejor amigo y Beautiful Girls. Sus protagonistas no siempre están muy afinados, pero esas escenas resumen, mejor que páginas y páginas de dialogo, la relación entre los personajes, su evolución y el momento vital en que se encuentran.

Si alguien aún no conoce estas famosas películas noventeras, le animo encarecidamente a que lo haga. La primera es una comedia romántica, sí, pero con un punto de mala leche y de ironía del que carecen la mayoría; mientras que el film del difunto Ted Demme es una deliciosa dramedy de antiguos amigos que se reencuentran en sus late twenties con la excusa de una reunión de instituto, y descubren que no les queda más remedio que abrazar su adultez o morir (si el film se hubiera rodado ahora, habrían tenido que subir la edad de los personajes y situarlos en la treintena). El argumento en principio puede no resultar excesivamente original, pero el guión es fabuloso y los personajes acaban resultando queribles y muy creíbles. Atención a una jovencísima Natalie Portman en su segundo e inolvidable papel lolitesco.

Congratulazioni Leticia (¡ya van 2 puntos!) y a Rick (y hacen 6) por sumar otro puntito más cada uno. ¿Quién ganará esta semana? ;)

¡Luces, cámara... canción! * 17 y 18

2011-04-11T20:53:00.004+02:00

Nº 17

- El día en el que se haga un estudio titulado “el impacto del teléfono móvil en el cine” este film será uno de sus pioneros.

- El “nunca es tarde si la dicha es buena” depende, en este caso, de que el objeto de tu dicha esté en la misma onda que tú.

- Sólo finge ser su novio y ni siquiera es su tipo, pero, por algún motivo que desconocemos, no deja de meterle mano.

¡Lúces, cámara... canción! * 17

*

Nº18

- El mayor obstáculo de los potenciales Romeo y Julieta de este film, no es tener familias enemigas, sino 14 años de diferencia...

- Ella es tan (poco) exigente que sólo necesita de un hombre 4 palabras antes de dormir

- No se le pueden pedir peras al olmo ni sentido común a un tipo que llama Elle McPherson a su mascota...

¡Lúces, cámara... canción! * 18

Las dos películas de esta semana tienen algo muy importante en común: lo que ocurre cuando suenan sus respectivas canciones. La solución mañana ;)

¡Ánimo, acertadores! En el ilustre club de los unos tenemos a A., Heroe de Leyenda, Leticia, Lou y Sybil Vane; en el de los “doses” a Rocío, en el del 3 a j y en el recién estrenado 5 Club a Rick. ¿Quién ganará this week? ;)

De los calzoncillos violetas de Marty McFly y la tensión sexual potteril no resuelta

2011-04-06T23:44:00.012+02:00

Si tuviera que elegir las 3 joyas cinematográficas de mi adolescencia, sin orden de preferencia, una sería Star Wars, otra Indiana Jones, y la tercera (y recién estrenada película de la semana), Regreso al futuro. Tantas veces la he visto, que mi family al completo (incluso mis cats, estoy segura) podrían reconocerla, no sólo en cualquier fotograma, sino por frases como: “Condensador de fluzo, fluzeando”, “otra vez la palabra fuerte, ¿tenéis algún problema molecular en el futuro?”, “¡¿Gallina?! ¡Nadie me llama gallina!” y, como no, por uno de mis diálogos favoritos:

- Nunca había visto calzoncillos violetas Levi's...
- ¿Levi's? ¿Popo po por qué me llamas Levi's?
- Lo llevas escrito en tu ropa interior, ¿no? Levi's Strauss... Seguro q te llaman Lev...
- Pues no, en realidad me llaman Marty...

Desgraciadamente, sólo he disfrutado este maravilloso clasicazo en la versión doblada que gravé en VHS muchas lunas atrás. Cual sería mi sorpresa, cuando ayer la V.O me reveló que los famosos gallumbos de McFly, no eran de Levi’s Strauss, ¡¡¡¡sino de Calvin Klein!!! ¿Qué por qué los dobladores cambiaron tan vil y asquerosamente la marca? Supongo que debieron pensar que en la Spain de 1985 nadie conocía la ahora archifamosa empresa de underwear. ¿Pero quién les autorizó a cambiarla por Levis?¿Intuirían con olfato mercantil el impacto que esta divertida escena tendría en nuestros maleables cerebros juveniles? Estafadísima me hallo al saber que el “seguro que te llaman Lev” que he pronunciado hasta la saciedad, es, en realidad “seguro que te llaman Cal”. No sé a vosotros, pero para mi, no es lo mismo.

La escena de la song de la semana es una de mis favoritas, ya no sólo de la trilogía, sino de la historia del cine en general. Marty McFly ve realizado su sueño de actuar en su colegio.... sólo que 30 años antes.... propiciando el enamoramiento de sus padres... mientras descubre el mítico rock&roll (y algún que otro sonido más), no sólo a un grupo de futuros fans, sino a uno de sus principales pioneros, Chuck Berry, al que su primo llama por teléfono para hacerle escuchar ¡su propia canción aún no escrita! Si esto no es rizar el rizo, ladies & gentlemen, busquemos a Llongeras... o a Bisbal.

marty mcfly - johnny b. goode from etsw on Vimeo.

*

A pesar de que JK Rowling se ha encargado de dibujarnos la relación entre Harry y Hermione más pura y blanca que la tierna Copito de Nieve, había un detalle que sorprendía y rechinaba por su ausencia en el séptimo y último libro de la saga potteriana y que el guionista ha tenido el valor (y/o el olfato) de incluir. Y es que no es humano que dos adolescentes que se quieren, de más o menos buen ver (el menos va para Radcliffe, Watson es preciosa), solos en lejanos parajes inhóspitos de postal, abrumados y aterrados por la carga de una misión suicida e imposible, sin las necesidades básicas de seguridad y afecto cubiertas, lejos de su hogar, familia y amigos y con la frustración (sexual) de estar sin sus pelirrojos enamorados, no tengan, como mínimo, un momento de duda o de necesidad de calor humano. No, Rowling, eso no es sano, te pongas como te pongas.

Mucho se ha hablado de la famosa escena del baile o “la del casi” de la última película potteriana. La han tachado de cursi, de innecesaria, e incuso, de morbosa, entre otras lindezas, pero nadie, o casi nadie, ha comentado que Harry y Hermione bailan al ritmo de un temazo de Nick Cave, ¡Nick Cave, señoras y señores! ¿Cómo es posible que a nadie le sorprenda este ramalazo de buen gusto en un producto tan taquillero y juvenil?

¡Enhorabuena por Marty y su ropa interior violeta, Lou! Y congrats también por su baile en medio de ninguna parte a Rick :)

P.S. Si han llegado hasta aquí, déjenme unas letrillas, una crítica, una sugerencia, whatever... Comunicar es una calle de doble dirección. Si actualizar en un blog se convierte en un monólogo y no hay intercambios o feedback, para mi no tiene ningún sentido.

¡Luces, cámara... canción! * 15 y 16

2011-04-05T21:18:00.005+02:00

· Erase un complejo de Edipo correspondido y bastante bien resuelto

· Erase un joven que no tiene ningún complejo en llevar ropa violeta

· Erase otro chico tímido e inseguro con vocación literaria que aprueba con nota unas cuantas lecciones de autoestima y asertividad...

¡Luces, cámara... canción! * 15

*

· Los triángulos de todo tipo (sí, también pueden pensar mal) tienen una importancia capital

· Si haces mal el equipaje u olvidas algo importante, puedes perder la vida

· No es justo que encuentres (o te regalen) algún cachivache interesante y te pases toda la película sin saber muy bien como funciona, buscando las instrucciones...

¡Luces, cámara... canción! * 16

*

Last week hubo pleno. Congratulations, Rick! La orejo-mutiladora escena de Reservoir dogs en la que suena Stuck in the middle with you se graba en nuestra memoria cinéfila para siempre, por mucho que nos resistamos. En mi caso, como con todas las películas de Tarantino, tampoco puedo evitar recordar (casi) todos los temas de sus bandas sonoras. Y es que hay que reconocer que tiene un gusto impecable escogiéndolas.

Lola Rennt, que en Spanish se tituló ¡Corre, Lola, corre! (no comment), es un very recomendable film alemán dirigido por Tom Tykwer, en el que una estresadísima chica se pasaba el día corriendo. Presenta una historia con el mismo punto de partida, pero 3 finales diferentes, enfatizando el muy cinematográfico efecto mariposa. Está protagonizado por Franka Potente (la novia de Jasón Bourne en la trilogía del agente amnésico más famoso del mundo) una actriz que, paradójicamente, admite ser la persona más sedentaria del mundo mundial, así que se tuvo que poner muy en forma para esta película. No sé bien porqué, pero me impactó mucho el uso de este clásico en un film speedico de estética tan moderna.

En cuanto a las puntuaciones, por ahora Rick va en cabeza con 4 points, seguido por j con 3, Rocío con 2 y A., Sybil Vane, Heroe de leyenda y Leticia que tienen un puntillo cada uno.

¡Suerte!

¡Luces, cámara... canción! * 14

2011-03-29T00:00:00.006+02:00

* Este film comparte nacionalidad con La vida de los otros y Goodbye, Lenin.

* Su protagonista femenina, ha ligado con agentes desmemoriados y su apellido en spanish, es sinónimo de enérgico.

* Su director/a ha dirigido el corto más intenso, logrado y bonito de Paris, je t’aime.

¡Luces, cámara... canción! *14

*

Los 80 no habrían sido los mismos sin Lawrence Kasdan. Escribió los guiones de las mitiquísimas El imperio contraataca, En busca del arca perdida y El retorno del jedi, y como director, nos ha dejado joyitas como Fuego en el cuerpo, El turista accidental, y la que fue la película de la semana pasada, The Big Chill o Reencuentro, como se títuló en España con ese tan acostumbrado alarde de originalidad que nos caracteriza. En esta antecesora de Los amigos de Peter, un grupo de antiguos amigos, se reúne en la peor de las circunstancias posibles: el funeral de uno de ellos, un suicida Kevin Costner del cual sólo vemos partes de su cuerpo mientras suenan los títulos de crédito.

Pero este comienzo a lo A dos metros bajo tierra, en el que cada uno de los personajes recibe la noticia de la muerte y se define y resume magistralmente con pocos segundos, no resultaría tan rotundo e impactante si no estuviera acompañado por esa maravilla que es I heard it through the grapevine de Marvin Gaye, un tema que no conocía en el momento en el que descubrí la película y que me enamoró inmediatamente. Os animo a que veáis el video y espero que este comienzo os ponga los dientes largos para descubrir toda la película. Atentos al reparto. Como curiosidad, la sexy Eva Nasarre que aparece hacendo gym (la actriz Meg Tilly), además de adquirir cierta notoriedad en los 80’s, es la ex-novia y madre del primer hijo del elegante y recientemente oscarizado Colin Firth ;)

Luck! ;)

¡Luces, cámara... canción! * 13

2011-03-28T23:46:00.004+02:00

* Cuando un tema te recuerda vivamente a un film determinado incluso a pesar de haberlo conocido y escucharlo anteriormente, es señal de que está bien escogido y que encaja como un guante dentro de la película. Cuando son muchas las canciones que quedan pavlovianamente asociadas a cada uno de los films de un/a mism@ director/a, es señal de que detrás de la cámara se encuentra un gran melómano.

* Siempre me he preguntado qué opinaría Madonna de uno de los diálogos más famosos y ácidos de la película...

* Me costó confiar en su malo maloso cuando lo vi soltándole lindezas a Susan Sarandon en otra famosa película. Tenía miedo de que, en cualquier momento, mutilara a la, por aquel entonces, señora de Tim Robbins.

¡Luces, cámara... canción! * 13

*

Pues sí, el cartel no deja lugar a la imaginación. Esa Mulholland Drive que casi todos hemos visto (y, quien no lo haya hecho aún, debería) y adorado, es una de las, en mi opinión, mejores películas de los dosmiles. ¿Quién podría olvidar la a cappela Llorando resonando poderosamente en un teatro vacío, la angustia y desesperación de Naomi Watts (que durante buena parte del metraje era también la nuestra), o la inquietante caja azul, amen del momento de la canción de la semana? ¿hablará David Lynch de la iconografía de sus películas con su psicólogo o psiquiatra?

¡Enhorabuena, Leticia! He decidido que no voy a ser tan rácana con las puntuaciones, así que voy a dar un punto entero por película. ¿Habrá pleno alguna semana?

Atentos a sus pantallas porque la segunda song aparecerá en la siguiente actualización ;)

My Favorite Eye Candy (II)

2011-03-23T23:11:00.022+01:00

Hace algunos meses dediqué un especial a los mejores ojos masculinos del cine y aunque tenía otro en mente enfocado en las actrices más oji-guapas, entre el zinemaldi y otras mil cosas, lo fui dejando y dejando, hasta que hoy, con la triste noticia de la muerte de Liz Taylor, he decidido rescatarlo del cajón.

Va por ti, gata de ojos violetas...

* Audrey Tautou (Francia, 1978)

* Amanda Peet (USA, 1972)

* Nastassja Kinski (Alemania, 1959)

* Jacqueline Bisset (UK, 1944)

* Brooke Shields (USA, 1965)

* Hedy Lamarr (Austria, 1914)

* Julie Christie (UK, 1941)

* Michelle Pfeiffer (USA, 1958)

* Charlotte Rampling (UK, 1946)

* Milla Jovovich (Ucrania, 1975)

* Aishwarya Rai (India, 1973)

* Ornella Muti (Italia, 1955)

* Natalie Wood (USA, 1938)

* Audrey Hepburn (Bélgica, 1929)

* Elizabeth Taylor (UK, 1932)

¿Cuál sería vuestra personal e intransferible lista de ojazos? ;)

¡Luces, cámara... canción! * 11 y 12

2011-03-21T19:16:00.005+01:00

Con la intención de insuflar un poco de vidilla a este concurso tan poco participativo, he decidido probar algo diferente esta semana. En lugar de una canción, voy a proponer dos. El punto será para la persona que acierte ambas películas (pero en caso de empate al final del concurso, se tendrían en cuenta los medios puntos de anteriores ediciones) ;)

(11)

1* Para muchas personas, entre las que me incluyo, esta es una de las mejores y más fascinantes películas de la pasada década

2* La capacidad de autoengaño de la mente humana es ilimitada y nunca dejará de sorprendernos. Su director sabe mucho de eso pero yo siempre me pregunto si este buen señor le resultará tan magnético a su psicólogo como a sus fans...

3* El chico que aparece en la escena clave en la que suena esta canción, tiene un papel en algunos capítulos de la estupenda serie Six Feet Under

¡Luces, cámara... canción! * 11

(12)

1 * Mítica película ochentera con un reparto de campanillas que hoy día ninguna productora se podría permitir a menos que todos bajaran notablemente su caché.

2 * El McGuffin del film es Kevin Costner y su afición a las cuchillas...

3 * La canción acompaña a los créditos iniciales y resulta, al mismo tiempo, la presentación de los personajes. Cuando vi la por primera vez me produjo una honda impresión, en parte por la canción (flechazo total), y también por lo breve y estupendamente definidos que están todos los personajes con poquísimos trazos.

¡Luces, cámara... canción! * 12

P.S. Congratulations, Mr Héroe. Sí, last week se trataba de Lost in translation ;)

P.S.2. Quedan dos días para votar en la encuesta. ¡Anímense! ;)

¡Luces, cámara... canción! * 10

2011-03-14T22:59:00.003+01:00

Tras una semana de ausencia e intermitentes fallos informáticos en la que me he planteado cargarme el concurso, mis blogs y montón de cosas que ahora no vienen al caso, aún no tengo nada claro si esto es un “punto y seguido” o un “punto y aparte”, pero creo que esta es una muy buena canción para cualquiera de las dos situaciones.

1 * La protagonista de esta historia tiene el mismo nombre que una famosa araña

2 * Posiblemente, este sea uno de los films que mejor han retratado el impasse

3 * Una vez más, han sido factores externos los que han determinado su elección. Esta semana, es difícil no recordar esta película...

¡Luces, cámara... canción! * 10

P.S. Hay una encuesta por ahí que espera tu voto...

Cuando la censura no hace su trabajo

2011-03-03T19:53:00.002+01:00

Cuando leí la versión completa de El Manantial, intuí que, probablemente, en la primera edición, allá por los años 40, habrían eliminado de un plumazo toda referencia de contenido sexual. Y es que, a pesar de nuestra (¿desinhibida?) mentalidad del siglo XXI, en esta filosófica novela de sólidos principios y espíritus inquebrantables, la historia de amor de sus protagonistas, también sorprende y desarma por su palpable e inalterable torridez.

La versión cinematográfica, rodada en 1949, también fue víctima de múltiples mutilaciones y tijeretazos, pero, sorprendentemente, la parte más descaradamente sexual del libro, la del primer encuentro de los amantes, ha permanecido intacta. No hay que ser freudiano para apreciar una de las escenas más erótico-festivas sin sexo de la historia del cine. Y, si no me creen, vean y juzguen ustedes mism@s.

Dominique Françon era una joven virginal física y psicológicamente (oséase, que la chica era la reencarnación en la tierra de las independientes Artemisa y Atenea: una mujer incólume a la necesidad de ser poseída por algo o alguien), pero una mañana, paseando por la cantera de papá, se topa con un apuesto sudoroso taladrando firmemente una pared de roca (¿a alguien se le ocurre un símbolo más fálico?) y su mundo de deidad griega se derrumba. Lógico y normal si tenemos en cuenta que la magnética y testosterónea estampa pertenece, nada más y nada menos, que a Gary Cooper que estás en los cielos manejando con destreza un black and decker primigenio (¿alguien podría resistirse a esa mirada insolente y penetrante, por el amor de God?).
Ella lo observa en plan “me pones”, y él, mientras esboza una irresistible sonrisa socarrona, le devuelve con la mirada un “lo sé”; entonces la joven le vuelve a mirar, como diciendo, "¿realmente sabes que yo sé que me pones?", y la respuesta en los ojos de él, es: si, darling, yo sé que tú sabes que yo sé que te pongo. Y, a partir de ahí, la pobre Dominique, la mujer que aseguraba que nunca amaría o pertenecería a nadie, sólo tiene cabeza para black and deckers, mármoles y rascacielos altísimos.

Y es que el personaje de Cooper estaba inspirado en el celebérrimo arquitecto Frank Lloyd Wright. Como he dicho anteriormente, para esto no necesitamos a Freud...

Nota: en realidad, el de este film ha sido uno de los castings más desacertados de la historia. En el transcurso de la trama, el prota debía pasar de ser un joven pelirrojo de veintipocos para acabar con unos 38 increíblemente bien llevados y Mr Cooper tenía 48 tacos cuando rodó la película.
Patricia Neal, por otra parte, sobreactúa peligrosamente y no es el bellezón etéreo y sofisticado que nos describen en la novela.

Nota dos: No consigo entender cómo la censura que “cribó” este trabajo de King Vidor dejo colarse esta porno-escena y mutiló, casi por completo, una de las declaraciones de amor más hot que se han escrito:

- Si lo desea... – Su voz tenía el sonido de la eficiencia como si estuviera obedeciendo una orden con precisión metálica.- Quiero acostarme con usted. Ahora, esta noche, y en todo momento en que a usted le importe llamarme. Quiero su cuerpo desnudo, su piel, su boca, sus manos. Lo deseo así, no con un deseo histérico, sino fría y conscientemente, sin dignidad y sin remordimientos. Lo deseo, no tengo ningún respeto propio que me haga regatear conmigo misma y dividirme. Lo deseo, lo deseo como un animal, un gato en una cerca, o una puta.

Nota 3: si con todo esto no os convenzo para ver, pero, sobre todo, para leer El Manantial, sólo me queda confiar en la primavera ;)

¡Luces, cámara... canción! * 9: Trainspotting

2011-03-02T23:40:00.005+01:00

Trainspotting beginning from mariel arnaiz on Vimeo.

"Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso franco. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que emboban la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida... ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?".

Así empieza Trainspotting, ladies & gentlemen. Confieso que nunca he superado en trauma de ver al pobre Ewan McGregor zambulléndose en el retrete más sucio del mundo...

Congrats, j! Ya van three points (o trois points) ;)

P.S. No sé que narices pasaba en la entrada anterior, no me dejaba actualizarla :(

P.S.2. Pasen por la encuesta, mesdames et messieurs!

¡Luces, cámara... canción! * 9

2011-02-28T20:09:00.014+01:00

1 * Olvidar el impacto que causó, en su momento, este mítico film de los 90 es difícil, pero olvidar su contundente escena inicial es imposible.

2 * Fue esta película la que relanzó a un simpático y guapo actor que, en mi opinión, tiene esa sonrisa medio inocente medio pícara de un niño que acaba de hacer una travesura, pero que, al mismo tiempo sabe con certeza que es tan salao que no va a ser castigado.
Quien lo haya conocido a través de sus trabajos posteriores, posiblemente, tenga problemas para reconocerlo en esta ocasión (o de entender su acento).

3 * Los niños que hacen cola para utilizar el baño de un famoso anuncio, nunca usarían uno de los que aparecen en esta película...

¡Luces, cámara... canción! * 9

Cisne Negro o el método Leroy-Cassel para "soltarse"

2011-02-26T22:53:00.009+01:00

[Las partes en rosa contienen spoilers del film, así que si aún no lo has visto, ¡cuidadín!]

¡Con que buen material partía Cisne Negro! Una historia hipnótica, inquietante y claustrofóbica, buen ritmo, un marco tan bello y lírico como el ballet, un director con mucha personalidad y talento visual y una actriz en estado de gracia, cuya transformación, física y mental, justifica por si sola el precio de la entrada!. Su primera hora deja sin aliento (y sin uñas) hasta al más escéptico. Y es que hay películas que van dirigidas con habilidad al estómago y a la emoción y este, ladies & gentlemen, es uno de los mejores K.Os que nos ha traído la gran pantalla en mucho tiempo. Sin embargo, en esta ocasión, mi cabeza, la tercera en discordia, comenzó a irritarse con subrayados excesivos (¿cuántas veces explican esa dualidad tan obvia de cisne blanco/cisne negro?), reiteraciones morbosas y efectistas (¿era necesario el macabro plano de (auto)mutilaciones una y otra vez?) y la falta de imaginación en el tratamiento de algunos temas (¿sobeteos en la entrepierna y una escena lésbica imaginaria: eso es todo lo que daba de si la exploración de la sexualidad de Nina?).

¿Y es que cuál es el supuesto trasfondo de este “Cisne Sith”?. Freud y sus teorías sobre la frigidez femenina, of course. Un material explotadísimo en el cine, normalmente por hombres (Polanski, Hitchcock, Haneke... la lista suma y sigue) y que, todo hay que decirlo, ha sido contado más sutilmente y mejor a pesar de resultar machista y simplista a estas alturas del siglo XXI.
Mientras la veía, yo me imaginaba, desde mi butaca de cinéfila/psicóloga, lo que supondría recomendarle a un paciente muy encorsetado emocional y vitalmente, el método Leroy-Cassel para “soltarse”: No se preocupe, toda una vida de represión emocional se solucionará en pocas semanas. Unas sesiones de masturbación, otra de fantasías y exploraciones superficiales en su homosexualidad, una noche de drogas, y... ¡voilà, ya habrá liberado su lado oscuro! Ahora podrá experimentar libremente y sin censura, no sólo su sexualidad reprimida (que parece ser la principal fuente de su patología), sino también el miedo, la ira, el dolor, la envidia, el odio, el sadismo... ¡y lo que le de la gana! ¡Todo en un mismo pack!.

Pero volviendo al film de Aronofsky, tras un mucho de idas y venidas surrealistas, perversiones y locura gratuita y distorsionada, en su último tramo tuve la sensación de que me había apuntado a un viaje organizado con un destino claro, y que, tras un rodeo excesivo por carreteras secundarias, me habían llevado a un lugar que ya conocía, con la excusa de que la ruta alternatica era mejor. No importaba que nos hubiésemos saltado algunos puntos básicos de la viaje/trama (el personaje desaprovechadísimo de Winona Ryder, la decadente prima donna, o el estereotipadísimo de esa mater terribilis a la que nunca llegamos a conocer), porque lo importante, desde el principio, era el auto-saboteo y suicidio final y para llevarnos hasta él, se abusa de trampas y artificios y de maniqueísmos descarados, noqueando con golpes de efecto para disimular una profundidad que no existe. A veces, si la ruta alternativa es bonita, no importa llegar más tarde o pagar un poquito más. En mi caso, lo único en lo que podía pensar era: ¡que me devuelvan la película que me prometían!.

Pero a pesar de todo lo anterior, recomiendo ver Cisne Negro. Creo que, independientemente de la opinión que se tenga sobre el resultado final, su visionado resulta una experiencia, y, definitivamente, es una de esas películas que todo cinéfilo “tiene que ver”. Además, cuenta con algunos atractivos, algunos adicionales, como el hecho de saber que el bailarín principal del film, cuyo momento de mayor protagonismo es admitir públicamente que jamás se acostaría con Portman, es, en el real world, el hombre que ha dejado embarazada a la actriz.

Sin embargo, para finalizar (y aumentar mi club de amigos), lanzo una pregunta: ¿aguantará Black Swan un segundo y tercer visionado con el mismo impacto y fascinación en la pantalla pequeña?. Time will say...

¡Luces, cámara... canción! * 8

2011-02-21T01:30:00.006+01:00

Me atrevería a decir que el 95% de las personas que está leyendo esta actualización, ha visto este film, y que el 75% se lo ha tragado, al menos, dos o más veces.

En sus doce años de vida, ha tenido una presencia constante en TV y, en ese tiempo, su simpático y excéntrico secundario ha pasado de ser un tirillas a ponerse un poco fondón.

La mejor escena del film, la única sobresaliente, corresponde a la de la canción de esta semana. Admito que este famoso tema tiene una gran carga emocional para mi. Por razones de economía y pudor, no voy a extenderme en ellas. Lo único que sí diré, es que se la dedico al chico al que más veces se la he cantado, en el día de su cumpleaños.

¡Luces, cámara... canción! * 8

... and this house just ain't no home...

Decía un tal Alexis Carrel que el tiempo físico nos es extraño, mientras que el interior, es nosotros mismos. Supongo que esa cita define muy bien esta estupenda escena de Notting Hill. Hugh Grant recorre cabizbajo y con expresión ausente los puestos de este variopinto y colorido barrio de London. Lleva siempre la misma ropa y parece mirar sin ver, casi ajeno al hecho de que, a su alrededor, las estaciones se suceden, la gente tiene un propósito o una dirección y la luz cambia.

Ain’t no sunshine, compuesta por Bill Withers y popularizada por Michael Jackson, es una de las canciones más versionadas del mundo (Lighthouse Family, Nancy Sinatra, Paul Carrack, Neil Diamond, Joan Osborne… la lista es interminable), sin embargo, mi favorita sigue siendo la de Mr Withers.

¡Felicidades, Ro por tu segundo punto! Has empatado con j y Rick, mientras que A. y Sybil Vane tienen, por ahora, un puntito cada uno ;)

P.S. El actor tirillas transformado en fondón es Rhys Ifans. Véanlo sino en Harrry Potter y las reliquias de la muerte y me darán la razón ;)

¡Luces, cámara... canción! * 7

2011-02-14T20:34:00.007+01:00

Y de la science fiction + drama + romance de Mr Nobody, pasamos a una película que no tiene nada que ver... ¿o sí?.

· Pista namber güan: es una de las películas más interesantes de la primera década de los dosmiles.

· Pista namber chu: el tema de la semana hace doblete, oséase, que la song aparece dos veces a lo largo de la película (doblemente memorable).

· Pista namber zri: un romántico color que apoda a uno de los Mr de Reservoir Dogs tiene mucha importancia...

¡Luces, cámara... canción! * 7

In bocca al lupo! como dicen en Italia ;)

No sé si la película resultaba demasiado difícil o si, simplemente, el concurso no interesa demasiado. Lo primero tiene remedio, porque siempre se puedan dar pistas extra, pero lo segundo no. Sin feedback no tiene demasiado sentido.

Enhorabuena, Rick.

Y ya que el vídeo no se deja insertar There's an end, Broken Flowers

¡Luces, cámara... canción! * 6

2011-02-07T16:44:00.007+01:00

Y llegó la primera canción de febrero, posiblemente, el mes más interesante del año cinematográficamente hablando.

Aunque creo que resulta muy fácil (siempre que se haya visto la película, claro está), esta song aparece en varias soundtracks, por lo tanto, he aquí unas cuantas pistillas:

1- 2009

2- Su banda sonora comparte un tema clásico de los años 50 con Regreso al futuro

3- Todo comienza con una mariposa...

¡Luces, cámara... canción! * 6

En vista del escaso éxito de las soluciones del día después, esta actualización se autoeditará en 24 con la película de la semana.

Bonne chance! ;)

Mr Nobody (o Las vidas posibles de Mr Nobody, como fue bautizada en Spain con la inspiración que caracteriza a nuestros "pone-títulos"), es una película que no suele dejar indiferente a casi ningún espectador: normalmente, o se la adora o se la detesta. Lo único en lo que todo el mundo parece estar de acuerdo, es que visualmente es impecable. Y es que resulta excesiva en muchos aspectos: su ambición, su duración, su complejidad, la multiplicidad de temas que toca...

Sus detractores afirman que es un experimento megalómano, un refrito de influencias cinéfilas demasiado pedante, pretencioso, confuso y frío. Un bonito envoltorio que contiene basicamente aire.
Sus fans, sin embargo, afirman que es un film destinado a ser de culto, una original mezcla de géneros, tan fascinante, brillante e inteligente, como profundo y conmovedor.

Tanto si te apasiona la ciencia ficción como si no, tanto si la adoras o la aborreces, Mr Nobody es una de esas películas que merece la pena ver, porque está hecha con mimo, con la esmerada intención de hacer algo único y diferente (13 años se afaonó su director, Jaco Van Dormael, en que alguien diera luz verde a su proyecto), como sólo se pueden hacer las historias que no se eligen, sino que se imponen desde algún oscuro y recóndito lugar interior.

En lo que respecta a este concurso, algunas veces las circunstancias escogen a las películas en lugar del orden original que tenía pensado para ellas. Y es que cuando recordé que un amigo cumplía los años exactamente el mismo día que el protagonista del film, la elección ya estaba hecha. CAUsalidades de la vida, ha sido él el winner de esta semana. Happy Birthday, Mr Nobody! :D

P.S. Este famosérrimo tema de Buddy Holly me recuerda también a una escena de una serie muy freak. ¿Adivinan cuál? ;)

P.S.2. “Mientras no elijas, todo sigue siendo posible".

¡Luces, cámara... canción! * 5 (solución)

2011-02-02T21:07:00.006+01:00

Llegaron los noventa y los cazadores de tendencias quisieron ponerle una etiqueta a la generación nacida a últimos de los sesenta y principios de los setenta, pero no se les ocurrió ninguno lo suficientemente catchy, así que, echando mano de las socorridas matemáticas, lo dejaron en “Generación X” y que cada uno lo despejase como pudiese. Pues vale.

Este "X Pack" tuvo una musa clara: Winona Ryder. Resultaba lógico, entonces, que en la película que, teóricamente, iba a retratar mejor que ninguna esta generación de veinteañeros descreídos, ella fuera la protagonista total y absoluta.

Como chico inteligente-sensible-bohemio eligieron a uno de los guapos de moda: Ethan Hawke y, curiosamente, echaron mano de un director novel, Ben Stiller, en su etapa semi-desconocida pre-Farelliana, que también interpretaba al tercer vértice del triangulo, el aspirante (práctico y con los pies en la tierra, en esta ocasión) al corazón de la Ryder.

Puede que ninguno de los 3 supiera entonces donde se estaba metiendo, pero las lenguas bífidas aseguran que Hawke no aguantaba los aires de diva-comprometida de la Ryder y que sentía impulsos incontrolables de estrangularla cada vez que la chica comenzaba una frase con “los actores tenemos la obligación de... “.

Los adolescentes que vimos Reality Bites (o, La realidad muerde, como a mi me gustaba llamarla) con la fascinación (y reverencia) con la que se mira-imita a los hermanos mayores, en general, nos sentimos un poco decepcionados con el resultado final, pero las dudas de aquellos chicos tan cool, su desorientación, su estética y su banda sonora, para bien o para mal, dejaron una huella en nuestras maleables mentes...

¡Enhorabuena por tus quick fingers, Ro! Me encanta que cada semana acierte una persona distinta :)

P.S. No tiene nada que ver con la actualización, pero si no lo digo, reviento: ¡Hoy es el día de la marmotaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!

¡Luces, cámara... canción! * 5

2011-01-31T23:17:00.002+01:00

Vivir en los 90 y no conocer este film es prácticamente imposible. Y no por su calidad, precisely, sino por el acoso y derribo publicitario al que te veías sometido. Finalmente, la cosa no fue para tanto, pero la taquilla indie ya estaba hecha (y la venta desorbitada de su banda sonora, también).

La canción que despide el primer mes del año es, teóricamente, una canción de amor y está dedicada a la chica que le da nombre, pero, si nos basamos en la letra, yo no diría que es una declaración de amor, exactly, sino una confirmación de otra cosa. ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir lubricidad?

¡Luces, cámara... canción! * 5

¡Suerte! ;)

¡Luces, cámara... canción! * 4 (solución)

2011-01-26T00:04:00.004+01:00

Sí, Philadelphia prometía ser rabiosa e hiriente y acabó siendo una película descafeinada y demasiado políticamente correcta a pesar de contener a un Tom Hanks en estado de gracia. Todo fue limado para pasar la criba de Jolibú. (Incluso un casto beso entre Hanks y Banderas fue eliminado del montaje final). Pero este film, a pesar de los pesares, nos ha dado buenos momentos. Y el mejor de ellos, en mi opinión, es el de la canción de esta semana.

No he podido encontrar la versión subtitulada, así que, he incluido la versión original para los anglófilos:

Y la version doblada para los "shakespearerófobos":

Mataron a mi madre
en la puerta de mi cuarto;
Moría y me salvaba!
después, de madrugada
vagaba con Bersi,
cuando de pronto
un lívido brillo parpadeaba
e iluminaba la oscura calle
delante de mí!
¡Miro!
¡Ardía la casa en que nací!
¡Y así quedé sola!
¡Y alrededor la nada!
¡Hambre y miseria!
¡La necesidad, el peligro!
Caí enferma,
y Bersi, buena y pura,
de su belleza ha hecho negocio,
¡un contrato por mí!
¡Llevo la desventura a quien me quiere!
¡Y fue en aquel dolor
que a mi vino el amor!
Una voz llena de armonía y dice:
"¡Sigue viviendo! ¡Yo soy la vida!
¡En mis ojos está tu cielo!
¡No estás sola!
¡Tus lágrimas enjugo!
¡Estoy en tu camino y te sostengo!
¡Sonríe y espera! ¡Yo soy el amor!
¿Alrededor todo es sangre y fango?
¡Yo soy divino! ¡Yo soy el olvido!
Soy el Dios que desde las alturas
baja a la tierra
y hace de la tierra
¡el cielo!
Yo soy el amor, yo soy el amor,
el amor"

Congratulations Rick por tus quick fingers!

Cuatro semanas, cuatro acertantes distintos. I like it ;)

¡Luces, cámara... canción! * 4

2011-01-24T00:11:00.005+01:00

Mientras me planteaba cuál de entre mi larga lista de candidatas podía ser la canción de esta semana, de repente, he recordado una de las escenas más poderosas, impactantes y emotivas que he visto en el cine y el tema al que, para mi, irá irremisiblemente ligada para siempre.
Volví a escucharlo por primera vez en años y lloré como una niña desvalida. ¿Cómo era posible que no lo hubiera incluido en mi lista desde el principio?.
Para compensar tan imperdonable lapsus cinéfilo, he decidido dedicarle esta semana.

Pocas pistas pueden darse sobre esta película. A menos que no la hayas visto, no se puede disociar la canción de cierta escena clave del film, pero, sobre todo, del actor que la protagoniza (es imposible ver su interpretación sin, al menos, sentir erizarse toda la piel). ¿Le darían el oscar gracias en gran parte a esta escena? ¿habría sido igual de poderosa con otra canción?.

¡Luces, cámara... canción! * 4

¡Suerte! ;)

Best Love Speeches: Chasing Amy (Persiguiendo a Amy)

2011-01-22T03:44:00.005+01:00

Con la excusa de San Valentín, una fiesta que detesto y en la que nunca he creído, es posible que vayan desfilando por este blog mis declaraciones de amor cinéfilas favoritas... o no. Nunca me perdonaría ser la causa de algún coma diabético...

Así que como primero, y, puede que único, love speech, aquí va el que escribió Kevin Smith para Persiguiendo a Amy. No he podido encontrarlo subitulado, asi que no me queda más remedy que poner la versión doblada. Sorry :(

P.S. Actualización improvisada en una noche de insomnio para tapar la anterior. Esta vez no la he borrado, un gran paso por mi parte...

De mayor quiero enamorarme...

2011-01-21T21:04:00.015+01:00

... a contracorriente, a pesar de un mundo que se derrumba, como Rick e llsa en Casablanca.

... sin reparar en las diferencias, el tiempo o el espacio, como Wall·E y Eva en Wall·E.

... encontrando una enfermedad donde sólo busco un remedio, como Chow Mo-Wan y Su Lizhen en In the mood for love.

... fortuita e irremediablemente, en medio del gris, como Alec y Laura en Breve Encuentro.

... sin careta para dar nombre, por primera vez, a todas las cosas, como Paul Varjak y Holly Golightly en Desayuno con diamantes.

... inoportuna y profundamente, a pesar de que el mundo acabe mañana, como Joe Bradley y Anna en Vacaciones en Roma.

... dándole la vuelta a todas mis ideas, miedos y convicciones, como Mr Darcy y Lizzie en Orgullo y Prejuicio.

... arrolladora y desesperadamente, a pesar de mi misma, como Newland Archer y Ellen Olenska en La edad de la inocencia.

... inesperada, intensa y vertiginosamente, como Jesse y Celine en Antes de amanecer y Antes del atardecer

... por primera y única vez, cuando ya haya dejado de creer en el amor, como Robert y Francesca en Los puentes de Madison.

¡Luces, cámara... canción! * 3 (solución)

2011-01-18T00:20:00.004+01:00

500 Days Of Summer — Tom Singing Here Comes Your Man from Dalton Santos on Vimeo.

No era ni tan original, ni tan fresca, ni tan indie como nos la vendían, pero si lo suficientemente resultona como para desbancarse de la media.
Además de su estupenda B.S.O. que incluye temas de Feist, The Smiths, Regina Spektor, The Temper Trap, Carla Bruni, o Pixies, 500 days of Summer, contiene algunas escenas memorables, como, por ejemplo, un particular y tronchante homenaje a las películas de Bergman y una original (y devastadora) escena en la que, a pantalla dividida, vemos desarrollarse dos situaciones al mismo tiempo: la de las expectativas previas y la de la cruda y dolorosa realidad.

Aunque tal vez uno de sus mejores bazas, sea habernos descubierto el potencial de Joseph Gordon-Levitt, que en este film interpreta a uno de mis chicos favoritos: el charmin guy inconsciente de su propio atractivo.

¡Que repartido está todo! Un punto para A., otro para j y el último para Miss Vane. Congratulations!

Prometo que en la película de la próxima semana no habrá borrachos que cantan canciones de amor (sí, tengo predilección por ellos, ¿qué pasa?), pero no puedo prometer que no acabaré escribiendo un relato con ese título ;)

¡Luces, cámara... canción! * 3

2011-01-17T16:13:00.004+01:00

De los gorgoritos destrozaoidos de un famoso tema de los Righteous brothers perpetrado por Mr Placenta en Top Gun, pasamos a otra versión, bastante más actual (y agradable de escuchar), de una canción que ha ido escalando puestos con los años hasta convertirse en una de mis favoritas.

La película de esta semana no es un drama ni una comedia, sino un dramedy. Me atrevería a apostar que casi tod@s la hemos vivido...

No puedo dar más pistas. Es tan taaaaaan fácil que me da hasta vergüenza dedicarle una semana ;)

¡Luces, cámara, canción! * 3

P.S. Por si queda algún/a despistad@: ¡vote en la encuesta, please!

Algo pasa con Colin

2011-01-11T17:55:00.008+01:00

El cine parecía empeñado en relegar a Colin Andrew Firth al papel de eterno segundón. Por mucho que este elegante y guapísimo actor británico se empeñara, siempre acababa eclipsado por algún elemento interno o externo a la película.

Primero fue ese perverso y maquiavélico Valmont (su primer gran protagonista) que fue quirúrgicamente borrado de la memoria colectiva por el mismo vizconde en Las amistades peligrosas. Y es que la casualidad quiso que dos films inspirados en la misma novela se rodaran simultáneamente. Y cuando Stephen Frears ganó la carrera de la fecha de estreno, independientemente de la calidad de esta versión gemela de Milos Forman, ya nadie podía desvincular a John Malkovich, Glenn Close y Michelle Pfeiffer de uno de los mejores triángulos que ha dado el cine.

En los noventa, éxitos televisivos a parte (fue el aplaudido Mr Darcy de Orgullo y Prejuicio en una miniserie), Firth fue el “pagafantas” de dos mujeres muy rubias que, por algún retorcido motivo, siempre le eran birladas por uno de los hermanos Fiennes. Tanto Kristin Scott Thomas en El paciente inglés como Gwyneth Paltrow en Shakespeare in love se casaron con él... porque no podían casarse con otro. De esta forma, para el gran público, el pobre Colin no se comía un ídem y acababa siendo “ese tío alto y serio que me suena”. ¿Pero es que acaso podía su soso Geoffrey Clifton competir contra el magnético y políglota Ralph Fiennes? ¿o su repelente Lord Wessex con el talentoso y resultón William Shakespeare?

Entrado ya en la cuarentena, Firth se convirtió en el perfect gentleman de los dosmiles: ahora era “el chico de”. La culpa la tuvo El Diario de Bridget Jones, esa treintañera hombre-céntrica que, junto a Ally McBeal, hizo retroceder a las mujeres tres décadas en su lucha igualista.
Durante los años siguientes, Firth fue saltando de Darcy en Darcy y tiro por me toca. Fue capaz de aprender portugués en 15 días para declarársele públicamente a su enamorada portuguesa en Love Actually, de atravesarle las orejas con un pendiente a Scarlett Johansson en La joven de la perla o de alzarse sobre unas plataformas imposibles a ritmo de ABBA en Mamma mia!( y perder, de un plumazo, todo su atractivo sexual).

Y cuando algun@s, entre los que me encuentro, pensábamos que nunca volveríamos a recuperarnos de esa horrenda drag-vision, de repente, Colin cruza los 50 y todo cambia. Primero fue Genova de mano de Michael Winterbottom, en la que ese padre destrozado por la perdida de su esposa le ofreció a oportunidad de mostrar sus recursos dramáticos.
Pero lo mejor, estaba por llegar. En esa delicia que es Un hombre soltero, tanto el debutante Tom Ford como un genial Colin Firth consiguen dejarnos con la boca abierta. Gracias a George Falkoner, a este maduro inglés le llegó a Copa Volpi en Venecia y la nominación al oscar, pero, sobre todo, consiguió el respeto de todos los que lo consideraban, simplemente, un Mr Darcy.

Y tal vez sin este George, no habríamos conocido a su otro George, esta vez VI. El discurso del rey consigue que una historia de superación y amistad-más-allá-de-las-diferencias-sociales que hemos visto dos millones de veces resulte sumamente interesante y entretenida. Y parte de su merito recae en sus dos actores principales. Tanto Firth como Geoffrey Rush, no sólo bordan sus respectivos papeles, sino que proyectan tanta química y complicidad a través de la gran pantalla que a ratos resulta decidir quién de los dos está mejor.
Los rumores de oscar para esta producción de la exitosa Miramax son insistentes, pero que Colin se lleve la dorada estatuilla a casa es lo de menos. A pesar de esa sosería que muchos le achacan, Firth ha conseguido que esperemos impacientes su próxima visita y, sobre todo, que le queramos "tal como es”.

¡Luces, cámara... canción! * 2

2011-01-10T17:37:00.011+01:00

Yo era una niña cuando este film llegó a los cines, pero sus “efectos secundarios” perduraron hasta bien entrados los 90.
En ocasiones, películas que te parecieron una maravilla en tu época juvenil, ahora te provocan una insoportable vergüenza ajena (acompañada de una ligera, o no tan ligera, erupción cutánea) y esta, desgraciadamente, es una de ellas. Pero, en fin, me consuelo recordando que alguno que yo me sé llegó a tragársela la friolera de 14 veces. Obviamente, todos tenemos un pasado.

Hoy día, lo mejor que puedo decir de este blockbuster ochentero, es que me descubrió esta canción:

¡Luces, cámara... canción!

¿A qué película me refiero?

Pues, nada más y nada menos que a esta yankinada:

¡Madre mía la que se lió con Top Gun (Idolos del aire)! Miles de incautos, henchidos de patriotismo, peleándose por ser los primeros en la cola de reclutamiento de la armada y las fuerzas aéreas, millones de cortes de pelo a lo marine, amen del merchandising compuesto por artilugios aviadoriles, camisetas, uniformes, cazadoras, B.S.Os, un boom de películas “army-testosterony”, y, sospecho, algún que otro numerito espontáneo para ligarse a la rubia de turno, como el de la (destrozadísima) canción de esta semana.

Tom Cruise defiende esta palomitada argumentado que es un cuento de hadas que le ayudó a impulsar su carrera. Y es que no se le puede negar que ha sido una cantera de prometedores rostros, aunque no sabemos lo que opinarán de ella hoy día Kelly McGillis, Anthony “Urgencias” Edwards, Val Kilmer, Meg Ryan, Tim Robbins y Adrian Pasdar (más conocido como Nathan Petrelli).
Lo que sí sabemos, es que el pobre Val Kilmer no puede pisar un aeropuerto sin que alguien le recuerde la famosa frase que le dedica a Tom Cruise al final de la película: “Ey tú! Aún eres peligroso, pero puedes volar conmigo cuando quieras".

Sólo recomendable para:

- Nostálgicos ochenteros
- Masocas o

- Dermatólogos que estudien los efectos minimizadores del paso del tiempo de las mascarillas de placenta.

Congratulations, j! (y mi más sentido pesame por haberla sufrido en una edad tienna y vulnerable, como yo) ;)

AdivínaLA *1: Billy Elliot

2011-01-04T21:26:00.010+01:00

Dicen que se necesitan, como máximo, 50 páginas para saber si un libro es uno de “tus libros”. En el caso del cine, la mayoría de las veces, una sola escena basta.
Cuando el pequeño Billy, con solemnidad y pulso vacilante, coloca la aguja del tocadiscos sobre un disco, presa del nerviosismo que exigen los grandes rituales, y comienza a saltar sobre la cama a ritmo de Cosmic Dancer, supe que Billy Elliot sería una de mis películas.

No sólo la canción elegida, también Get it on, Town Called Malice, I love to boggie y Childen of the revolution me traen recuerdos vividos de esta maravillosa película, pero, desgraciadamente, había que elegir y el momento jumping on the bed es mi favorito.

¡Enhorabuena A. por tu rapidez y tu buen gusto! El primer punto concursil es tuyo.

Espero que si hay alguien entre el público que aún no ha visto esta perla, se anime a descubrirla; su elección como película inaugural no ha sido casualidad.
Que la valentía y coraje del pequeño Billy nos inspiren a tod@s durante este 2011.

Billy Elliot // Cosmic Dancer

I was dancing when I was twelve

I was dancing when I was aaah

I danced myself right out the womb

Is it strange to dance so soon

P.S. Las niñas no suelen llevar tutú durante las clases de ballet. Como mucho, un horrendo body rosa. Trust me. Been there, done that ;)

P.S.2. ¡Pásen por la encuesta mensual, please!

AdivínaLA *1

2011-01-03T17:03:00.006+01:00

Hay asociaciones canción-película muy lógicas e instantáneas para cualquier cinéfilo. ¿Quién no recuerda Drugstore Cowboy (Cowboy de Medianoche) cuando suena el famosérrimo Everybody’s talking de Nilson? ¿cómo no evocar a Marilyn Monroe (alias Sugar Cane) con faldas y muy a lo loco cada vez que escucha I wanna be loved by you? ó ¿hay manera de bajar de una harley ante los potentes acordes de Born to be wild?

Sin embargo, hay otras asociaciones melómano-cinéfilas un poco más idiosincrásicas y caprichosas. Un tema que has escuchado mil veces, incluso a pesar de su gran carga autobiográfica y emotiva, puede asociarse, misteriosa e irremediablemente, a una escena recién descubierta, de tal forma que película y canción ya resulten indisociables la una de la otra (algunas veces, muy a nuestro pesar).

En otras ocasiones, sin embargo, descubres una canción a través de un film y aunque posteriormente seas capaz de desengastarla y incrustarla en tu colección de joyas particular, en cada escucha, siempre surge un (in)oportuno atajo hasta el hipotálamo y los fotogramas, triunfantes, hacen POP dentro de tu cabeza.

En mi caso, hay tantas canciones que me recuerdan a películas (y viceversa) que he decidido hacer un recopilator. Y una vez hecha la interminable lista, pensé: ¿y si hiciera un concurso con todas ellas?

En vista de que ya no puedo hacer el adivínaLA de versiones que tenía planeado, os propongo esta nueva opción.
Algunos temas serán muy fáciles (especialmente si compartimos complicidades ochenteras y gustos cinéfilos), otros no tanto, pero todos aparecerán un lunes, el día más odiado de la semana.
La solución saldrá cada martes en caso de que se adivine el film. De no ser así, habrá una semana de plazo para encontrar la solución hasta el siguiente adivinaLA.

Como esta es la primera week voy a ponerlo fácil. La song que os propongo pertenece a una película por la que siento un cariño especial. Creo que hay mucho que aprender de su joven protagonista...

¿A qué film pertenece?

AdivinaLA * 1

Los tres peores momentos que he pasado en el cine (second and last part)

2010-10-29T16:42:00.009+02:00

2 * Take a look on the wild side... of the road

Pocas veces voy al cine sin investigar detalles sobre la película en cuestión, simplemente guiada por el instinto o por alguna buena referencia. Admito que si hubiera conocido más a fondo el argumento de La Carretera, no estarías leyendo estás líneas, porque este film pasaría a engrosar, sin duda, una de las escasas excepciones de mi lista “films para no ver nunca”.

Y no es que la película de John Hillcoat sea mala, más bien al contrario. Es un film excelente (aunque incomprensiblemente ninguneado por la crítica en mi opinión), sin embargo, si tuviera que hacer un ranking con los argumentos más terroríficos, The Road estaría, sin duda, en el honorable top 5. Como diría Chandler Bing “era como si alguien hubiera escrito mi peor pesadilla y me hubiera hecho pagar por verla!”.

En esta realidad distópica, una catástrofe ambiental (o nuclear, nunca se especifica) ha acabado con el 95% de la población, junto con toda la vida animal y vegetal (sólo algunos insectos y árboles resistieron inicialmente, pero han muerto casi todos). Siempre es invierno, siempre hace frío y el cielo siempre está gris. Las cenizas lo cubren todo. La comida se convierte en el bien más codiciado, así que los supervivientes, básicamente, sólo tienen dos opciones: el suicidio o el canibalismo.
Una vez agotada la despensa, un padre y un hijo se ven forzados a abandonar su casa. A lo largo de la carretera, descubrirán si son portadores de luz o todo lo contrario. Y hasta ahí puedo leer.

Esa tarde cometí la imprudencia de ir sola al cine y confieso que nunca en toda mi vida había sentido tanto terror. De hecho, temblaba tan visiblemente, que me daba vergüenza que algún espectador pudiera darse cuenta. Todos los músculos de mi cuerpo me instaban a abandonar la sala, y si no fuera porque un buen amigo me había dicho que el final de la novela era esperanzador, lo habría hecho sin ninguna duda.

Hacia los 30-40 minutos de la proyección ocurre algo tan sumamente espeluznante y sobrecogedor, que te lleva más allá del horror hasta un lugar en el que te blindas emocionalmente. Tu cuerpo automáticamente se relaja, porque sabes que nada de lo que puedas ver a continuación puede superarlo en espanto. Y te da igual la posibilidad de que se coman al padre al alioli o que el hijo se muera de un ataque de anemia galopante. Sólo quieres que el viaje acabe lo antes posible.

Cuando llegaron los anhelados end titles, los despertares o (leves) estados de shock que siguen a la proyección de una película, se multiplicaron por 1000 al acabar La Carretera. Creo no equivocarme al afirmar que no había visto un silencio más abrumador y unas caras más compungidas en mi vida.

Salí del cine como quien escapa de un secuestro y durante los días siguientes tuve casi todos los síntomas del trastorno de estrés postraumático: hipervigilancia, irritabilidad extrema, dificultad para dormir (me daba pánico apagar la luz) y para concentrarse y reviviscencia o la obsesión por revivir escenas y emociones en tu mente una y otra vez.

Y es que, sea cual sea tu nivel de trauma post-roadiano, a pesar de los profundos y emotivos valores humanistas que atesora, La Carretera te ataca de las 3 formas en las que te puede noquear una película: izquierdazo a la emoción, gancho a las tripas y cruzado a la cabeza. De hecho, este último golpe resulta el más peligroso de todos, porque aunque consigas librarte del impacto emocional inicial, no consigues abandonar el asfalto y te sorprendes caminando por ella muchos meses después. Por que The Road es como una maldita espina que se cuela en tu torrente sanguíneo y avanza lenta pero indefectiblemente hacia el sótano en el que conviven tus peores miedos. Y una duda, como una cuchilla, araña tu mente: ¿y si pudiera pasar?

3 * Lo que Andy se llevó

"¿Cómo es posible que sufrieras viendo Toy Story 3?" os estaréis preguntando.
Mientras el público, mayoritariamente infantil, vitoreaba y reía parapetado tras sus gruesas gafas 3D, yo trataba de contener el llanto sin éxito. Y es que frases como “el fin de una era” o “será duro despedirse de Andy para siempre” fueron too much para mi. En el real world, yo también tenía que despedirme de mi propio Andy, un fiel amigo muy enfermito que moriría justo dos días después de aquella proyección.

Cuando la gente se levantó, animada y satisfecha, de sus butacas, yo no pude ni quitarme las gafas. Mi paciente acompañante me abrazó y empapé de lágrimas su camisa hasta que la sala se había vaciado y la cara de la acomodadora nos instó a marcharnos.

Recuerdo que la gente me miraba, entre el asombro y la lástima, pensando para si “pues si que le ha afectado a esta chica separarse de sus juguetes”.
Al devolver las gafas 3D (¿ah, pero es que había que devolverlas?), estuve a punto de pedir disculpas por el indecente estado en el que las entregaba. No me queda claro si las reciclan o las reutilizan sin más, así que si alguien encuentra unas glasses empapadas la próxima vez que vaya a ver un film en 3D, son las mías.

P.D. Pasen por la halloweenera encuesta de esta semana ;)

P.D.2. Aún están a time para apuntarse al concurso de Bandas Sonoras. Si no se anima más gente, lo voy a tener que suspender :(

Concurso "Adivina la película"

2010-10-13T22:52:00.002+02:00

Hace unos meses se me ocurrió una idea loca, descabellada y un poco masoca: retomar el concurso “AdivínaLa” que dejé colgado en el fotolog. La novedad de este reloaded sería que en lugar de poner fragmentos de diálogos de films, las protagonistas absolutas serían las canciones pertenecientes a la B.S.O. de la película a adivinar.

Para participar necesito vuestro correo (el de los blogueros cuyas direcciones no tengo, entiéndaseme). Why? Pues porque se trata de versiones “especiales” que no se encuentran en la red y, lógicamente, no puedo colgarlas en el blog (lo que si colgaré, será la solución cada semana con el video de la escena en cuestión). La mecánica no podría ser más fácil: el/la primer@ que me reenvíe el e-mail con la solución correcta, gana.

Las songs serían de todo tipo, género y condición. A veces serán canciones que me encanten de pelis muy malas, y otras elegiré temas que no me gustan tanto de películas más que notables. Algunas resultarán muy fáciles, otras no tanto. No tengo todo el repertorio pensado (aunque sí sé que será muy ecléctico). Dependerá del mood en el que me encuentre en esa semana.

Ni que decir tiene que este concurso dependerá básicamente de vosotr@s. Si no se apunta mucha gente y/o no os animáis a participar una vez puesto en marcha, lo suspenderé.

Y bien, ¿qué me decís? In or out? ;)

P.S. Por si a alguien quiere participar, pero le da cosilla poner públicamente su correo, puede postearme dos veces: una para decirme que está in y otra para escribir su dirección, la cual borraré nada más leerla ;)

Six Feet Under: A Dos Metros Bajo El Cielo

2010-10-04T01:53:00.014+02:00

Hace un mes conocí a los Fisher, esa familia deliciosamente disfuncional que regenta un negocio de pompas fúnebres. Confieso que, antes de animarme a verla, tenía mis resistencias: ¿llegará a gustarme una serie fundamentada en la muerte? Pero ya desde los cinematográficos y elegantes títulos de crédito (los mejores que he visto en televisión) te das cuenta de que Six Feet Under escapa a todo lo que has visto hasta la fecha. A partir de ahí, momentos, chispas y diálogos, te obligan contínuamente a abrir la boca. Y, sin darte cuenta, poco a poco, la temida grima o prejuicios iniciales, desaparecen.

A diferencia de la mayoría de las series, que empiezan con una primera temporada potente y luego se van desinflando a fuerza de alargar innecesariamente su trama, pronto descubres que las cinco temporadas que componen Six Feet Under son como una película de 100 minutos cortada en 5 partes: los veinte primeros minutos corresponden a la presentación de personajes, los siguientes veinte al inicio del nudo y así hasta la quinta y clímax final. Sin embargo, es demasiado compleja y densa para devorarla en pocos bocados. Por eso hay que valorarla en conjunto y paladearla sin prisas, pero con la maravillosa certeza de que pocas veces has podido bucear con tanta libertad en unas tramas, subtramas y personajes.

Para traspasar conciencias y corazones, la inteligencia, la capacidad crÍtica, la originalidad y el talento narrativo no bastan. Uno llega a pensar que Alan Ball y todo su equipo de guionistas han muerto muchas veces y han vuelto a nacer para alcanzar la sabiduría que destila esta serie.
Y es que no hace falta ser experto en psicología, para darse cuenta de su hondura y trascendencia y de lo milimétricamente modelados que están todos sus personajes. Sus miedos, pasiones, ambigüedades, lado oscuro y evolución desde el primer capítulo hasta el último, son, simplemente magistrales. Todos ellos resultan tan poliédricos, contradictorios, queribles (y al mismo tiempo detestables), tan creíbles, al fin y al cabo, que continuamente tienes la sensación de que podrías tocarlos.

Six Feet Under no hace concesiones ni a sus personajes ni al espectador. Es cruda, transgresora, ácida, dolorosa y políticamente incorrecta. Como la vida misma. Todo aquello que nos da miedo, que es tabú o que permanece en las cloacas de nuestro inconsciente, aparece sutilmente retratado con un humor negro, negrísimo. Homofobia, aborto, racismo, ninfomanía, drogodependencia, incesto, miedo a la muerte, culpa, el dolor del duelo y un largo etc. pondrán a prueba nuestras fobias y prejuicios de tal forma que habrá capítulos que te golpearán en el estomago con tanta fuerza, que tardarás un tiempo en recuperarte.

Pero tal vez su mayor merito sea embarcarte en su viaje sin tu permiso. Al principio, te sientes un seguro polizón en una embarcación en marcha. Sólo observas y en muchos casos lo que ocurre no tiene nada que ver contigo, pero poco a poco te vas dando cuenta de que, a través del microcosmos Fisher, es tu propia vida lo que estás observando: has pasado a formar parte del elenco de personajes y ya no puedes abandonar el barco.

Y es al llegar a la emotiva quinta y última temporada, cuando la serie descubre sus cartas y todo lo visto anteriormente alcanza un nuevo e insuperable nivel. Entonces te das cuenta de que la serie de Alan Ball ha llegado más lejos que ninguna otra. Sus tres capítulos finales (pero especialmente sus últimos minutos), son "de otro mundo" y resultan tan perfectos y sobrecogedores, que te dejan en estado de shock durante varios días. Es imposible verbalizar la amalgama de emociones que te provoca ese gran final (a años luz de todos los otros endings que has visto hasta la fecha). Como igualmente imposible resulta predecir a largo plazo el impacto que todas sus semillas han ido prendiendo en tu interior.

Dicen que las auténticas obras maestras, deben tener un impacto emocional tal que escapan a nuestra comprensión, como 2001: Una odisea en el espacio. No sé si Six Feet Under es, como dicen algunos, la mejor serie de la historia. Me quedan muchas series por ver y el tiempo pondrá las cosas en su sitio. Sin embargo, en estos momentos, sobrecogida aún por su enorme final, puedo afirmar, sin temor a equivocarme, que ninguna otra me había hablado tanto y tan bien de mi misma, ni me había transmitido más alto y más claro el mensaje: Todas las cosas, todas las personas, todos los lugares tienen su final, pero, aquí y ahora, estás viva. Carpe diem!

P.S. Aunque me identifico más con el personaje de la desorientada, idealista y creativa Claire (una 4 muy 4), mi debilidad es David, el frío-tierno, rígido-maleable, miedoso-valiente, segundo hijo del clan Fisher, interpretado por ese actorazo como la copa de un pinus llamado Michael C. Hall (Dexter, para los amigos ;))

Miedos y prejuicios

2010-09-26T00:06:00.011+02:00

“Nuestras convicciones más arriesgadas, más indubitables, son las más sospechosas. Ellas constituyen nuestro límite, nuestros confines, nuestra prisión” decía Ortega y Gasset. Cavando un poco más hondo y trasladándolo al terreno cinéfilo, podríamos deducir que nuestras ideas, introyectos, prejuicios y fobias, no sólo limitan nuestras elecciones cinematográficas, si no también nuestra percepción y apreciación de la historia que se nos muestra. Qué le vamos a hacer.

Esto es lo que me perdí por prejuicios, miedos, o, simplemente, asquerosa mala suerte.

Exit through the gift shop era un film que ya sobre el papel apuntaba maneras. Pero al hacer mi selección de pelis del festival, siempre tengo la (¿mala?) costumbre de buscar las críticas (cuando las haya). La bad fortune hizo que me topara con un crítico que la calificó como “tomadura de pelo”, así que la deseché. Cuál sería my surprise al comprobar que no sólo era la favorita para alzarse con el premio del público de esta edición, si no que los críticos, por su parte, también la adoran.

Cuando leí el argumento de Buried, decidí que nunca querría verla. La espeluznante y agónica historia de un hombre enterrado vivo en algún punto de Irak, que cuenta con la única ayuda de un móvil (sin casi batería) y una linterna (I think) para intentar escapar antes de quedarse sin oxígeno, me parecía una de mis peores pesadillas hecha película. Pero a pesar de la evidente claustrofobia y la angustia que debe dar pasarse 93 minutos contemplando a un tío asfixiándose en un ataud, Buried ha arrasado allá por donde ha ido, Donostia included, y todo apunta a que será una de las películas del año.

Joyitas que disfruté a pesar de mis prejuicios (y los prejuicios de otros)

Fue el oso de plata al mejor guión en Berlín lo que me animó a ver la china Apart Together. Nunca olvidaré la presentación de su protagonista. Aquella anciana de 85 años con el pelo blanco cortado a lo garçon era la viva imagen de la elegancia, la dignidad y la sabiduría. Parecía un oráculo andante, una Yoda que hablaba un inglés pausado pero gramaticalmente correcto. Nos dijo que el 23 de septiembre era el día perfecto para ver el film porque durante esa fecha en China se celebra el Moon Festival. Las familias (o los amantes) que permanecen separados por alguna circunstancia, esa noche miran a la luna y se sienten juntos.

La película tiene momentos brillantes. Resulta emotiva y está bien narrada. Sin embargo, tiene un pero gigante contra el que me cierro en banda como un molusco al sentirse amenazado. Y es que como todo el mundo sabe, una producción oriental que se precie siempre debe incluir comida, preparación de ídem, o una mesa familiar repleta de platos “comunitarios”. Como animalista y vegana, puedo soportar los animales cocinados, pero ver a los protagonistas comprar cangrejos vivos (y echarlos en una olla hirviendo), tortugas o, aún más horripilante, sufrir esos planos de mercadillos llenos de animales de todo tipo y condición, vivos, amarrados, o mantenidos con vida en pequeños barreños, me supera.

Con ese mismo miedo me fui a ver ayer Addicted to love, también china, pero de la sección oficial. Sin embargo, afortunadamente, en esta curiosa y tierna película, lo único que se cocinó en un wok fueron verduras.

Aunque se llevó el oso de oro en Berlin, Bal (Miel), había suscitado alguna furibunda crítica (“acabas del bosque hasta los... ").Mientras hacía cola y escuchaba los comentarios de las marujas de atrás, pensaba “madre de Dios, como realmente sea otro truño a lo Abbas Kiarostami, estamos apañados”. Pero para mi sorpresa, aunque bien es cierto que le habría dado algún que otro tijeretazo, me encantó. Es uno de esos “viajes emocionales” con los que empatizas o no empatizas. Aparentemente, pasa poco, cuando, en realidad, ocurre muchísimo. Psicología y poesía. Era como observar dos paisajes contrapuestos pero complementarios: el externo, con su naturaleza viva, hostil y cambiante y el interno, a través de los enormes ojos de un atormentado chavalín de 6 años. Luego, este niño que observa jugar a sus compañeros a través de la ventana del recreo (un cuatro eneagramático como la copa del mayor pino del film, por cierto), se hace poeta, pero eso se ve en la segunda parte de esta trilogía que, curiosamente está contada al revés.

Un músico guatemalteco, cuya única posesión es una marimba (una especie de xilófono de madera), al descubrir que su instrumento se ha pasado de moda, tiene la curiosa ocurrencia de unirse a una banda de heavy metal que acaba llamándose Las marimbas del infierno.
“Tiene pinta de bodrio” me dijo un amigo cuando leyó el argumento. Pues bien: ha sido la película con la que más me he reído en este festival. Y no me refiero a una carcajada, sino a casi llorar de la risa. Y es que tengo debilidad por las historias dramáticas o de denuncia social que están contadas con un humor negro, absurdo o ambas cosas. Además, hay films que se engrandecen mucho más en del contexto del festival. Si ves una película de este tipo acompañado de gran parte del desinhibido jurado de la juventud, que aplaude y se ríe con esa entrega tan asquerosamente envidiable, la sala entera se contagia de frescura. Y durante 90 minutos, te sacudes los prejuicios y el cansancio y tu mirada, bien sea experta, aficionada o principiante, se vuelve un poco más blanca. Esa es la magia del Zinemaldi...

I can see cloned people...

2010-09-24T01:28:00.023+02:00

Cuando pasas más tiempo dentro de un universo de ficción que en el mundo real, las fronteras entre ambos se difuminan. Tal vez la falta de sueño y el cansancio tengan mucho que ver en este curioso “trastorno de la realidad”. Confieso que todas las setas que he consumido durante estos días eran estándar, pero hacia la mitad del Zinemaldi, por algún oscuro e inexplicable motivo, empecé a ver clones por todas partes.

He aquí mi inquietante lista de avistamientos de menor a mayor grado de "paranoia":

Danielle no era francesa, ¡era bosnia!

Supongo que la mayoría habréis visto No man’s land (y si no, os aconsejaría que os replantearais seriamente vuestra cinefilia). Su director, Danis Tanovic, se trajo bajo el brazo Cirkus Columbia, un film que, aunque no resulta tan brillante como su opera prima, es de lo mejorcito que se ha podido ver en Zabaltegi. Retrata el “antes de” de la guerra de Bosnia, y lo hace a través de una historia familiar, con sus odios, rencores, pasiones y sueños. Desde el principio de la proyección, uno de sus personajes sacó mi lado más freak. “Me parece que he visto a la Rousseau de Lost. No, no puede ser. Serán imaginaciones mías”, me dije. Segundos después, un primer plano de la actriz (y su inconfundible voz) me lo confirmaron: ¡era Rousseau!. Admito que me costó un rato olvidar a su personaje más famoso y concentrarme en su sufrida madre en la película. Ahora entiendo de donde venía ese acento francés tan especial ...

El culebrón en 6 capítulos que nunca debió ser película

Este año ha habido un film que constituía una prueba a la resistencia y a la voluntad tan peliaguda, que me río yo de la vía del samurai, del desapego material budista o de la tentación al lado oscuro de los jedis. 256 minutos, nada más y nada menos, se gasta la película Mistèrios de Lisboa de Raúl Ruiz. Más de 4 horazas. Yo entré de buena fe, confiada en que pasaría orgullosa al otro lado, pero a los 20 minutos de metraje ya estaba mirando el reloj. ¿Qué hacer cuando una película te parece un insoportable culebrón deluxe sobreactuado? Pues imaginar cuántos personajes más podría interpretar el incombustible “cura-mortadelo”; descubrir cuántas palabras en portugués eres capaz de recordar; calcular cuánto podrían haberse gastado en el vestuario (lo mejor de la peli, sin ninguna duda); pensar en lo buenorro que podría estar su adolescente protagonista dentro de 15 años; inventar maneras de escapar del Victoria Eugenia sin tropezar con las escaleras y romperte los piños o flipar con lo mucho que la maltratada protagonista se parece a Parker Posey.
Afortunadamente, los 15 minutos de descanso que nos dieron (por prescripción médica, seguramente) a mitad de la proyección, nos rescataron del infienno de venganzas y amores imposibles. Incomprensiblemente para mi (y para muchos de los que disertamos de las salas) los críticos la adoraron. Un sietaco tiene de media. La nota más alta de la sección oficial.

La forma peor vista de perder el tiempo

Me encantó la frase de su directora durante el coloquio “los puzzles son el símbolo universal de la perdida de tiempo”. Yo veía a la madura protagonista de Rompecabezas, esa mujer que descubre (y se autodescubre) a través de su inusitado (y ridículo a ojos de todos los que la rodean) talento para hacer puzzles; observaba su expresivo rostro, comprendía por qué su historia había gustado en otros festivales y qué la había hecho ser calificada como "íntimamente femenina. Habla de las postergaciones y los roles que se juegan en la vida cuando las cartas ya están repartidas; aunque nunca es tarde para barajar de nuevo". Pero mi cabeza no dejaba de repetirse: ¡madre de dios lo que se parece su marido a John Locke con bigote! ¿Cómo es posible que nadie se haya dado cuenta?

Copia (recetas), abraza (Bardemes), luce (piennas)

Ese podría haber sido el titular del paso de la Roberts por Donosti, o , al menos, el que me vendrá a la cabeza dentro de algunos años cuando recuerde al premio Donosti del 2010. Todo se reduce a 3 cosas: la receta de torrijas que pidió entusiasmada en el restaurante en el que cenó, los abraceos (y sobeteos continuos) que le prodigó a Bardem y su espectacular minifalda XXS (de esas que quitan el hambre, como diría Joey Tribbiani) en su photocall mañanero. Y es que una de las candidatas a las piernas más largas y bonitas del mundo, puede. Pero vamos a lo que vamos.

Me miraron mal cuando dije que iba a ver Come, reza, ama. Parece que en el festi sólo se pueden ver co-producciones turco-alemanas. Muy de vez en cuando me dan venadas impulsivo-comerciales y sabía que si no la veía en el Zinemaldi no la vería, así me animé. En realidad, tenía la remota esperanza de que apareciera James Franco. Bueno no. Bueno, sí. Bueno, tal vez.
Antes de que empezara la peli (que se merece una actualización ella solita y no por estupenda, precisamente), a las imperdonables 9 de la morning de un soleado lunes, me pareció ver a un antiguo fotologuero adicto al Zinemaldi sentado dos filas delante. ¿Será él?¿no será él? ¿se me estará yendo de las manos esto del clon effect? Señor Marlango, si lee estas palabras, sáqueme de dudas, mi salud mental depende de usted. ¿Era el chico de la tercera (o cuarta) fila con camisa de cuadros rojos y negros sentado al lado de un jersey verde fosforito... o es que el Zinemaldi perjudica seriamente mi salud?

Día 2: rumore, rumore...

2010-09-19T01:26:00.015+02:00

Para algunos ha sido difícil, incluso traumático de asimilar, pero no, George Clooney no se dará un garbeo-sorpresa por la playa de la concha. Ha sido sólo un rumore. ¿Como va a venir a Donosti cuando puede quedarse elisabeteando en el lago Como?

En fin, tontás aparte, mi menú de hoy originalmente constaba de las creaciones de dos chefs noveles, pero la mala suerte y los fallos informáticos, me condenaron a la dieta sabadil hace una semana. Y es que en el Zinemaldi, o consigues entradas el día D o no las consigues.

El único plato que me comí lo preparó Diego Luna con la ayuda de sus productores Gael García Bernal y John Malkovich. El primero no le acompañó (¡cachis!), pero el segundo, felizmente abonado a nuestro Zinemaldi, sí.

Su película sorprende por la temática escogida y por la solidez de la propuesta. La gente se partía la caja con la historia de una familia disfuncional cuyo hijo mediano (atención diagnostico rápido), aquejado de síndrome de asperger, queda tan sumamente traumatizado por el abandono de su padre, que acaba asumiendo su papel (oséase, se transforma en adulto). A mi, desgraciadamente, se me disparó el chip de psicóloga y carcajadas, las justas.

Quizá lo más interesante de Abel, sea comprobar como el niño expresa en su comportamiento los introyectos de lo que él ha aprendido que “debe ser un hombre”. La elección de cierta famosa canción de los Village People en la B.S.O. no es casualidad. Las únicas bien paradas en esta película son las mujeres. Son ellas las que llevan verdaderamente el control, aunque mantengan la ilusión en los varones de que sucede lo contrario. Así que el film, aunque irregular, es una buena crítica al machomanismo y a la mala educación.

Curiosidad, mucha, tenía por el debut de Ted Mosby, I mean, Josh Radnor en la dirección... y, desgraciadamente, la sigo teniendo. El chico ha abandonado momentáneamente a sus compis de How I met your mother para venir a defenderla. Y es que en este caso no hay excusa para mandar al actor principal, al guionista o al productor en su nombre, porque en la comedia Happythankyoumoreplease hace de todo: dirige, escribe y actúa. Venía precedida de éxito, y parece que aquí también ha dejado a los paladares satisfechos. Merde!

En la sección oficial ni el western mexicano Chicogrande, ni la española El gran Vázquez (biopic del creador de Anacleto con Santiago Segura a la cabeza), han entusiasmado demasiado.

Un inquietante sms en mitad de la tarde anuncia “chivatazo: se dice que la ganadora de esta edición será Pa negre. Habrá que verla”. Pues norl. Pan negro me da aún más pereza que los dos títulos anteriores. Y es que por muy brillante que sea la cinta de Agustí Villaronga, si tengo que tragarme otra peli más de “infancia y adolescencia en la postguerra”, me hago el harakiri. En fin, ¿serán rumores?

La pregunta del día: ¿por qué la visita a Donosti suele coincidir con el punto más alto de antierotismo y de relajadísima dejadez física de la mayoría de los actores? Algo tiene que tener nuestra ciudad, porque dos meses después, los mismos "Notas" aparecen en otro evento sospechosamente guapeados, hasta el punto de no parecer los mismos. Este año ha sido Diego Luna y esas barbas decimonónicas que le echan 10 años más encima; pero en mi memoria cinéfila, resuenan dolorosamente: la barriga de 5 meses de Keanu Reeves, la barba de chivo siberiano de Brad Pitt y las raíces negras como El cuervo de Poe de Emma Thompson...

Día 1: Todo cartel pasado fue mejor

2010-09-18T01:03:00.013+02:00

Miramos y remiramos el cartel de la 58 edición del Zinemaldi y nos resulta tan gris e inoportuno como el día. “¿Quién narices es esta petarda?” parecen corear con sus ojos desde el resto de las mesas. “Echo de menos los carteles de los 90” pronuncio entre sorbo y sorbo de mi té verde. Me miras intentando recordar, pero eras demasiado joven.

De aquellos años de post-adolescencia, en las que sólo observaba el festival a través de la verja de seguridad, recuerdo los carteles y las estrellas, no las películas. Las películas llegaron después, en los dosmiles, con los carteles horrendos. ¿Tan difícil es tener las dos cosas?

La crisis parece haberse cebado mucho más con el Zinemaldi que con sus ilustres hermanos Berlín, Cannes y Venecia. Pero es que el año pasado inauguraron la edición Brad Pitt y Tarantino con sus Inglorious Bastards y ese listón será muy difícil de superar. No, no habrá apenas figuras consagradas ni grandes estrellas, de esas que dan peso, vidilla y glamour a un festival. El presidente del jurado de Cannes fue Tim Burton, el de Venecia Tarantino. El nuestro es Goran Paskaljević. La alfombra no es roja, ni rosa chicle, sino negra. “Uy, pues el negro es más difícil de limpiar” sentenció mi tía al conocer la noticia.

Voy a por más azúcar para mi té. Normalmente, el premio Donostia es un refuerzo, un "pues ya que vienes..." a la estrella que estrena una película en Europa. Come, reza, ama es la excusa de Julia Roberts “porque está de capa caída” añades. Sonrío.
Migajas. Este año resulta más evidente que nunca que las películas de la sección oficial son como los niños que acaban siendo escogidos los últimos en los equipos de gimnasia. De entrada, únicamente John Sayles (gran amigo del Zinemaldi) sobresale de entre el resto.

Acaba el break entre mi película y tu corto. “Sólo a ti se te ocurre inaugurar el festi con una peli ya estrenada” me dices con la mirada. Es cierto. ¡Que le den a Polanski, mi Zinemaldi aún no ha empezado!. En esta edición, todo puede pasar todavía. Las buenas pelis pueden llegar, los buenos carteles, ya no. Esta noche, para compensar el mal sabor de boca, tiraremos de nostalgia y de odiosas comparaciones, hasta que llegue mañana...

Carteles que me marcaron:

My favourite chocolates

2010-09-02T19:23:00.017+02:00

Teniendo en cuenta las pasiones y encendidos debates que dentro y fuera del blog ha levantado la actualización de los mejores eye candy del cine, y ante la presión de cierto blogero resentido, he decidido, con todo el dolor de mi corazón (¡juas!), dedicar una entrada a algunos de mis chocolate eyes favoritos. La elección ha sido facilísima. Y es que entre mi top de bellezones, salvo alguna excepción, siempre han abundado más los ojos oscuros que los claros, qué le vamos a hacer....

No hay orden de preferencia. No quiero ni puedo elegir a mi favorito.

Rodrigo Santoro: o el cuerpazo tristemente desaprovechado de ojos tristes que siempre será una de las grandes incógnitas de cierta famosa y recién acabada serie. Si yo hubiera sido Laura Linney en Love actually, no le habría dejado escapar...

Adam Brody: el chico mono con el que, en versión patria, deseas cruzarte todos los días al doblar cualquier esquina, y prestarle un libro, llevártelo al cine, compartir con el tus últimos descubrimientos musicales...

Matthew Fox: ejemplo perfecto de cuarenteño de muy buen ver. Nadie sabe con certeza el color de sus ojos. A veces son marrones y otras verdes. Puede que el misterio se resuelva en los extras del pack de las 6 temporadas de Lost. Hasta entonces, seguiremos sintiendo una envidia nada sana por Kate...

Josh Hartnett: puede gustarte o no como actor, pero sus 1’90 cm de hot stuff dejan sin aliento. Sólo él podía padecer el peinado paje de Las vírgenes suicidas y seguir estando guapo.

Quien le ha visto llevando únicamente una toalla violeta durante la mitad del metraje de El caso Slevin, nunca lo olvida...

Daniel Brüll: o el chico guapo que actúa como si no lo fuera. Sencillo y encantador dentro y fuera de la big screen, tiene un no-sé-qué-qué-se-yo que me hipnotiza. ¿Será su poliglotismo? ¿Será su boca?

James Franco: ha sido el enamoradísimo Tristan, James Dean, el enemigo de Spiderman y el gran amor de Harvey Milk, pero siempre deja con la sensación de que lo mejor de él está por llegar. Las chicas que frecuentaban la hamburguesería donde trabajaba opinaban lo mismo. Por eso siempre volvían con la excusa de que se habían olvidado algo...

Christian Bale: lo conocí en El imperio del sol cuando tenía la misma edad del chavalín que interpretaba y me chifle por él. Luego fue creciendo en todos los sentidos de la palabra y acabó convirtiéndose en uno de mis actores favoritos. Últimamente parece que ha perdido un poco el norte, pero no pierdo la fe de que vuelva a casa como el prota de su primera película...

Johnny Depp: el actor fetiche de Tim Burton lo tiene todo para estar en cualquier top de actores (y no sólo de los más guapos). Lo quise cuando tenía tijeras en lugar de manos, cuando fue el peor director del mundo, cuando lucía rimel piratil como nadie y cuando enamoraba a Bardem en Antes que anochezca como travesti y a lo loco... y algo me dice que lo seguiré queriendo...

Keanu Reeves: o mi amor platónico en la adolescencia. Antes de la era botox este guapísimo y exótico señor nos hizo muchos regalos y no sólo para la vista. El Neo de Matrix, el policía de Speed, el maloso resentido de Mucho ruido y pocas nueces, y el mejor de todos: el chapero de Mi Idaho privado. Aitana Sánchez Gijón le llamaba "soso de cojones" en el rodaje de Un paseo por las nubes y él repetía “sousou de coujounes”. Aisss...

Jim Sturgess: tal vez, mi chico favorito. Y es que de él me gusta todo: sus corbatas, su look, su pelo, su mirada picara, sus andares... aunque puede que lo que realmente me enamorara fuera su versión de I’ve just seen a face en Across the universe.

Se va haciendo un hueco en Hollywood sin prisas, a base de buenas críticas y mucha simpatía y sencillez. ¡Jim, por el amor del Dios, ven al Zinemaldi!

***

P.S. Mr McAvoy, prometo compensar su imperdonable ausencia en mi ranking de ojos bonitos viendo 74 veces seguidas la escena de la playa de Expiación. ¿Cómo he podido olvidar sus ojazos azul eléctrico? ¿Cómorr? Please, don’t hate me!

P.S.2. ¡Pasen por la encuesta de la mejor peli del verano! ;)

My favourite "Eye Candy"

2010-08-23T01:49:00.019+02:00

Por una vez, y sin que sirva de precedente, no vamos a hablar de los actores más talentosos, ni de los más excéntricos, solidarios, guapos o interesantes al otro lado de la pantalla. Hoy toca recrearse, simplemente, en los mejores ojos actoriles masculinos.

Abran sus globos oculares y dispónganse a realizar su propia lista ;)

10. Gaspard Ulliel. Este último puesto del top, se lo disputaban seriamente Robert Redford, Daniel Day-Lewis y Viggo Mortensen, y aunque la balanza se inclinaba a favor de este último, finalmente su actitud pro-taurina lo ha desbancado. Sin embargo, mientras volvía a la duda hamletiana, me he topado con esta foto de Gaspard Ulliel y .... ¿de qué estábamos hablando?

9. Gael García Bernal. Si el verde más penetrarte (a este y al otro lado del río) de los magnéticos ojos del señor Bernal no se hubiera incluido en este top... la autora de este blog habría pecado de muy mala educación.

8. Jonathan Rhys Meyers. El morbo personificado en una mirada ambigua que sabe ser inquietante pero también irresistiblemente tierna cuando le da la gana. A pesar de los pesares, habría sucumbido a ella cuando jugaba a tenis con Woody Allen, pero en Los Tudor da tanto miedo que lo quiero lejos, muy lejos. A siglos de distancia...

7. Elijah Wood. Érase unos ojos a un hombre pegados, érase una mirada marina superlativa... Los que le conocen aseguran que, a pesar de tenerlos increíblemente grandes y expresivos, sus ojos no le funcionan muy bien. Desde el otro lado de la big screen, quienes lo hemos visto crecer, no nos hemos dado cuenta...

6. George Peppard. Su personaje de Paul Varjak en Breakfast at Tiffany’s (especialmente la mirada con la que observa a Audrey Hepburn cantando Moon River), ha conseguido lo imposible: que me olvidara de sus comentarios sexistas, machistas y racistas, y de lo mucho que en los 80 le encantaba que los planes salieran bien...

5. Ralph Fiennes. Toque la tecla que toque (y sabe tocar muchas), su melodía suena intensa, turbia o, incluso, amenazadora. Con Mr Fiennes siempre tenemos garantizado un viaje en primera clase al lado oscuro, aunque nunca sabemos con certeza si podremos volver de una pieza. ¿Será eso lo que hace su mirada tan sexy?

4. Ian Sommerhalder. Hay miradas tan profundas que transmiten la sensación de que podrías arrojar una piedrecita dentro de ellas, y que esta seguiría hundiéndose irremediablemente sin llegar a tocar fondo. La del ex lostie reconvertido en vampiro es una de ellas. No me extraña que Locke insistiera en revivirlo en sus sueños...

3. Montgomery Clift. Quienes dicen que la voz es lo único que no miente, nunca han conocido a Monty. Ni el método, ni el mejor especialista en maquillaje, habrían podido disimular en su mirada ese alma rasgada, doliente y atormentada que exhibía en cada fotograma. Observándolo, casi se siente uno voyeur o, peor aún: un policía mirando a través de la traicionera ventana oscura de los interrogatorios...

2. Jared Leto. Actor, músico, cantante, vegetariano, solidario, guapo, pelo revolvible... ¿No le bastaba con eso para resultar arrebatador?. Al parecer, no. ¿Recuerdan la escena de Memorias de una geisha en la que se le enseña a la protagonista a parar a un hombre en seco con una sola mirada? Yo creo que con esos ojazos out-of-this-world que el hada buena le ha dado, Jared podría parar incendios, sequías, huracanes, terremotos o lo que le diera la gana...

1. Paul Newman. Un buen día, una estatua griega se reencarnó en un mortal, dotándolo, no sólo de toda su anatómica y cincelada perfección, si no que, además, le regaló unos ojazos tan desarmantes, que, en su presencia, no había criatura que pudiera evitar que le temblaran las piernas. Mr Blue Eyes, era (y es) de esos hombres tan, tan, taaan guapos, que harían dudar de su sexualidad hasta al mismísimo Testosteróneo Man.

Los 3 peores momentos que he pasado en el cine

2010-08-02T21:29:00.013+02:00

Todo cinéfilo tiene su colección particular de “Holocaustos caníbales” vividos dentro, detrás y alrededor de la pantalla grande. Hagámos memoria: Castañas pedantes infumables, patochadas sólo aptas para concursantes de Hombres, mujeres y viceversa, niños (y no tan niños) con incontinencia verbal, roncators-tenores, chuche-escandalosos, acompañantes-comentaristas, climatizaciones sádicas, subtítulos inseguros (o directamente fantasma), parejas que han olvidado que no están en la sala de su casa, síndrome de la palomita rancia, copias de films que parecen haber pasado previamente por las manos de Freddy Krueger, paudoneses en el asiento de enfrente, pateadores profesionales, codo-acaparators, boicoteadores de desodorantes, ubicuators o esos que van compulsivamente al baño o se mueven en su asiento como si tuvieran síndrome de Tourette...

Sin embargo, cuando pienso en mis peores momentos como espectadora, casi siempre quedan excluidos actores secundarios, figurantes, dirección artística, fotografía y demás. Todo se reduce al guión, al director y al protagonista principal.

Este es mi Top 3 de momentos horrendos vividos en la sala de cine ordenados biográficamente.

1 * ¡Quiero ir a mi caaaaaaaaaaaaaasa!

Con 7 años era la única niña del colegio que aún no había visto E.T. Ese esperado sábado llegó cuando todos sus protas ya eran adictos a todas las sustancias habidas y por haber, pero me daba igual. Me sentía tan contenta, que ni siquiera el hecho de que mi madre no pudiera acompañarme menguó mi entusiasmo. No podía esperar ni un día más. Si quería ver al extraterrestre, vería al extraterrestre. Recuerdo que la mamma me llevó de la manita hasta una de las primeras filas, me sentó a un asiento del pasillo y me dijo “no te muevas de aquí. Cuando acabe la película, estaré esperándote fuera”. Y así lo hice. De hecho, fui tan asquerosamente obediente, que ni siquiera el jirafo que se sentó delante me animó a cambiarme de asiento. Pero la tortícolis no fue lo más aterrador de todo. En mi primera incursión como espectadora, todo se magnificaba y dejaba huella en mi tierno cerebro esponjil. Sentía una extraña mezcla de emociones y sensaciones varias que no había sentido hasta entonces. Supongo que argumentalmente no entendí nada y que lo poco que pude entender me produjo un inquietante terror paralizante, desde la disección de las ranas, pasando por la operación a vida o muerte de E.T. y acabando con su humillante borrachera zíngara. Y mientras el prota gritaba “¡mi caaaasa!” yo miraba al vacío asiento de al lado, esperando que mi madre brotara de él cual Cat Woman, me llevara a mi ídem y me explicara porque aquel extraño ser cuellilargo era tan plasta.

Cuando acabó el mítico film y los niños salieron en estampida de la sala, todos mis síntomas eran los típicos del estrés post-traumático. Y aunque durante un tiempo la idea de volver al cine me aterrorizaba, recuerdo que un regusto de fascinación fue poco a poco tiñendo aquel amargo recuerdo. ¿Qué era eso que tenía el cine que tenía tanto poder sobre mi? ¿por qué, a pesar de la mala experiencia, me despertaba tanta curiosidad? ¿Y si volvía a intentarlo?

[To be continued... ]

P.S. ¡Que cosas! Con lo tienna y entrañable que me resulta la spielberiana película ahora...

Risoterapia contra la PLD (Post-Lost Depression)

2010-05-26T15:54:00.008+02:00

¿La depresión post-lostil pasará a formar parte del DSM-IV (o manual de clasificación de los trastornos mentales)?

Time will say. Por ahora, la bomba de la finale ha creado una nueva "realidad alternativa" para muchos de sus fans. Frustrados, dolidos y enrabietados con el horrendo desenlace, e intentando mitigar al mismo tiempo, los inevitables efectos de la tan temida ansiedad post-separación, se han visto obligados a recurrir a un viejo recurso para salir adelante: la creatividad + el sentido del humor. ¡Que Yoda los bendiga a todos!

El protagonista del primer video aún no sabía como iba a acabar la serie. Su novia le deja horas antes del ya antológico mega FAIL de Cuatroº. Yo creo que, tras su visionado, el único recurso que le ha quedado a la criatura, ha sido el suicidio...

Este no es un video fan-made, pero no he podido resistirme. ¿Qué habría pasado si Jacob y Némesis (ahora han confirmado que se llama Samuel) tuvieran una sesión de terapia al más puro estilo In Treatment? ¿Quién de los dos estaría más traumatizado por su mater terribilis? Siendo el tal Samuel el therapist, se confirma la teoría popular según la cual todos los terapeutas están aún más cucú que sus pacientes...

He reservado lo mejor para el final. Me quito el hat ante quien haya hecho esta maravilla. Este video es tan, tan, taaaan bueno, que se me saltan las tears cada vez que lo veo. Nunca pensé que lo diría, pero qué razón tiene Hitler...

Pasen por la encuesta lostil. No insisto con la long y excesivamente autobiográfica crítica de la finale que hay debajo, porque sé que no la va a leer ni Jacob...

Do you believe in Jac(k)ob? (Crítica de la Lost Finale)

2010-05-25T18:39:00.018+02:00

Cuando estaba en el instituto, un gripazo me obligó a postergar un examen de arte. El día que lo hice, recuerdo que me sentía más o menos confiada, porque, salvo una pregunta, las otras dos me habían salido decentemente. Cinco minutos después de terminarlo, el profesor me llamó a su despacho, y con una franqueza desarmante me dijo “cuando corregí la primera parte de tu examen, pensé: si esto sigue así sobresaliente; cuando llegue a la segunda, sin embargo, tuve que replanteármelo: si esto sigue así, notable; pero cuando corregí la última, definitivamente lo tuve claro: si esto sigue así, bien”. Y aunque muchos años después aún sigo sin entender como la media de un sobre, un notable y un bien, puede ser un seis miserable, esta dolorosa valoración “in discesa”, podría trasladarse a mi opinión sobre la serie Lost.

Alguien dijo “sólo hay dos tipos de películas: las que me gustan y las que no me gustan” y creo que esta clasificación podría ser la base de cualquier criterio artístico. Por mucho que racionalicemos nuestras elecciones y las adornemos con argumentos más o menos sesudos y/o convincentes, son sólo excusas, lo que cimenta nuestros porqués son nuestros gustos.
Con una serie tan especial como Lost, en general, los términos medios son escasos: o la amas o la odias. Y había muchos argumentos para rendirse a sus encantos en esa antológica primera temporada, desde el carisma y la empatía que despertaban sus personajes, pasando por la equilibrada mezcla de géneros, la original estructura narrativa, la maravillosa B.S.O., sus inquietantes dosis de misterio y, sobre todo, su capacidad para crear impactantes cliffhangers, shockerar al espectador y convertirlo en un teorizator nato. Sin embargo, desmenuzarla para intentar explicar su éxito (o mi pasión por ella), no tiene mucho sentido, porque el todo es más que la suma de sus partes, y cuando te enamoras, te enamoras.

Y es por tu condición de enamorado (o yonki, que viene a ser lo mismo) que una vez finalizado el brillante planteamiento, pasas por alto sus incoherencias varias y sus descaradísimas (y constantes) trampas argumentales, y para cuando llegas a la decepcionante quinta temporada (o principio del desenlace), quedan aún tantos enigmas por resolver y te sientes tan encariñado (o incluso colado) por sus personajes, que, simplemente, ya no puedes abandonarlos y te aferras con optimismo ciego al “mientras haya serie, hay esperanza”.

Porque ser seguidor de Lost es un salto de fe. No podría ser de otra manera, siendo dos de sus personajes clave algunos de los máximos representantes del empirismo (Locke y Hume). De alguna manera, el camino que siguen sus seis temporadas (con Jack como abanderado), es el que se le pide al espectador: pasar de hombre de ciencia a hombre de fe. La sexta y última season viene a plantearle a cada espectador algo así como: no tenemos las respuestas que estás buscando, ¿pero hasta que punto estás dispuesto a creer?. Y es en ese decisivo punto, en el que los losties se dividen.

En mi caso, no estoy dispuesta a aceptar un Los Otros meets El sexto sentido meets Autopista hacia el cielo como animal acuático. No puedo conformarme con un argumento tan trillado, cursi y poco arriesgado en una serie que ha hecho de la originalidad y la capacidad de innovar su marca de fábrica. ¿Dónde están los creadores que nos mostraron un oso polar en medio de una isla tropical o que volaron por los aires lo que a primera vista parecía un refugio nuclear (o un ovni) y resultó ser una estación científica?¿Dónde se esconden quienes reunieron a Desmond y Penny en una mágica llamada telefónica a través del tiempo y el espacio para, poco después, inexplicablemente, mover la isla, nuestra isla, de sitio? Me niego a tragarme el incoherente “lo único que cuenta son las historias humanas” en una serie poliédrica en la que siempre se han pulido afanosamente todas sus caras. Como fan, me siento traicionada, frustrada y dolida, como si un buen amigo, de repente, me hubiera asestado una puñalada trapera.

Sabiendo lo que sabemos (oséase, que ninguno de los misterios serían resueltos) la gran mayoría de las temporadas y líneas argumentales no tienen sentido y habría sido más lógico y congruente finalizar la serie en la cuarta temporada. Continuar una historia chapuceramente y sin gracia, no tiene perdón de Yoda. No necesitábamos conocer al madrero y papanatas de Jacob, ni que el personaje de Richard perdiera de un plumazo todo su carisma y su halo de misterio en un capitulo sonrojante y culebronil como Ab Aeterno, ni tampoco saber que en la isla (que es un corcho que se quita y se pone y que guarda “la luz”), nadie sabe qué carajo está pasando y por qué, desde Linus, hasta Richard, pasando por el Man in Black o el propio Jacob.

Al final, podría reducirse el argumento de Lost a: pringadillo y solitario guardián de una isla misteriosa, busca sustituto, ya que su equipo regular de fieles inconscientes (o secta) no le satisface. Tras una larga entrevista de trabajo que incluye: un accidente, semanas de tortura psicológica, “dieta isleña”, contínuas exposiciones a la muerte, una sorpresita de humo e intensa convivencia con el resto de los candidatos al puesto, se instará al más apto a autoerigirse ciegamente como nuevo guardián, a pesar de no conocer los requisitos de su nuevo empleo, su sueldo o el tiempo que tendrá que desempeñarlo. Aunque, eso sí, antes de morir, se dará un garbeo por una suerte de limbo que es una versión ligeramente mejorada de su vida real, y cuando esté preparado, se reunirá con sus seres más queridos, y morirán todos ellos entonando himnos, cogiditos de la mano.

Lo único que me ha gustado del final, ha sido la reaparición de Vincent y el último plano de un Jack moribundo, tumbado junto al chuchin sobre el bamboo field, cerrando el ojo (cerrando el circulo), mientras el avión de Ajira cruza el cielo. Era predecible, pero bonito. Es una pena que todo lo que vino con anterioridad no estuviera a la altura.
Creo que habría sido menos decepcionante que lo que creíamos una realidad alternativa sí lo fuera, que Desmond el viajero interdimensional, se sacara de la manga la amenaza de una especie de disrupción espacio-temporal causada por la explosión de la bomba (o séase que en esa nueva dimensión ellos nunca debieron estar). Y que, para reparar el error, el caos, un nuevo humo, whatever, todos los candidatos que la originaron organizaran una suerte de suicidio colectivo (¿estrellándose en un avión perhaps?). Obviously, al estar juntos, no se reconocerían, pero surgirían las mismas complicidades y cuelgues que hemos visto en la isla y... también morirían juntos.

He leído algunas explicaciones decentes a qué es la isla (una de ellas en el primer post de esta entrada, os la recomiendo porque no tiene desperdicio), pero un argumento serieil no tiene consistencia si esa serie no puede explicar sus misterios ella solita, sin necesidad de que para rellenar mares y lagunas se tenga que recurrir a enciclopedias, extras y sacacuartos varios (o a que sus adeptos hagan los deberes).

Hoy he tenido que devolver las cuatro primeras temporadas de Lost (oséase, las únicas) a la persona que amablemente me las prestó hace algunos meses. Siento una ambivalencia de emociones al observar la estantería vacía. Lost me ha aportado muchas cosas y, a pesar de todo, siempre he sido una chica agradecida. ¿Volveremos los no creyentes a reconciliarnos con ella? ¿Acabará Lost adjudicándose el premio al final serieil más decepcionante de la historia?

Pasen por la encuesta lostil, please ;)

Kiss me, stupid!

2010-04-29T19:59:00.011+02:00

Clasificación de besos de cine

A pesar de que pocas cosas resultan más cinematográficas que un beso, a menudo, la combinación de las incomodas circunstancias en las que fueron rodados + las ortopédicas posturas a las que deben someterse los actores que los protagonizan, restan un mucho de magia al truco final que vemos en la gran pantalla. Pero, afortunadamente para l@s romántic@s, el “Así se hizo” de la mayoría de esos míticos besos nunca verá la luz.

Esta es una selección de algunos de mis besos favoritos, y como cualquier clasificación, es totalmente subjetiva e injusta. Animo a todo el mundo a que realice la suya. Apaguen las luces y activen sus hipocampos. Silencio, se recuerda...

El “ni contigo ni sin ti”: después de odiarse y amarse con la misma furia durante todo el metraje de Duelo al sol, Gregory Peck y Jennifer Jones, acaban rindiéndose el uno al otro en un antológico kiss que resume y define su love story... justo antes de morir...

El sandwich: el que lleva una carga emotiva extra y suma o multiplica al dos. La combinación Audrey Hepburn + George Peppard + pobre gato sin nombre en Desayuno con diamantes es, sin lugar a dudas, mi favorito, pero el de Hierro 3 cada día va sumando más puntos en my memory...

El invertido: bocas besadoras upside-down las encontramos por partida doble en el famoso (y mojado) kiss de Spiderman y en My blueberry Nights. En este último caso, con sabor a tarta de arándanos included.

El sincopado: nadie puede olvidar el baiser espejo que tan delicadamente se dedican por turnos Amelie y su enamorado Nino Quincampoix.

El tierno-gastronónico: un plato de plasta, un ristorante italiano, un momento de distracción al ritmo de Bella notte y la dama y el vagabundo funden sus hociquitos alla fine di un spaguetti.

El censurado: tiene su mejor representación en la colección de besos recortados de la emotiva escena final de Cinema Paradiso.

El empapator: es sumamente apasionado y erótico y no hay forma de contenerlo sin importar donde, cuando o con quien se esté. El más escandaloso de la época, lo protagonizaron Burt Lancaster y en Deborah Kerr en bañador, “al rumor del oleaje”, en De aquí a la eternidad.

El He-Man: o el también llamado “¡ven-pa’cá-moza!”. Charlton Heston, Stewart Granger o Kirk Douglas, por ejemplo, eran típicos besadores he-man, aunque los dos mejores e ilustrérrimos kisses de esta categoría, en mi opinión, los encontramos en Lo q el viento se llevó y El hombre tranquilo.

El vendetta: sin un asomo de romanticismo, pero sí con mucho de apasionamiento, es el beso que se da a quien se quiere poco o nada y se le desea lo peor. Nadie querría recibir jamás, por ejemplo, el que le dedica Michael Corleone a Fredo en El Padrino II...

El Santa Teresa de Jesús: el beso erótico-místico que diluye la frontera entre fe y razón al final de la magnética Ordet.

El out-of-the-closet: Tony Curtis se descubre ante una asombradísima Marilyn Monroe. ¡No es la dulce y recatada Josephine, sino un saxofonista tenor sinverguencil más en Con faldas y a lo loco!

El incontenible: o también llamado “no-si-yo-no-quiero-pero-oh-my-God-como-me-pones” tiene un Brokeback Mountain muchos buenos ejemplos.

El quita-lipstick: es tan tan, tan, tan apasionado, que no solo deja sin aliento, sino que despelleja los labios y/o arranca violentamente el lipstick. Mi favorito, el que Tony Leung le regala a Gong Li antes de desaparecer (forever?) en 2046.

El ñoñi-toritocolil: el kiss de Titanic lo tiene todo para ser recordado (y que sea inolvidable no lo hace memorable) amor juvenil, caras bonitas, puesta de sol, escenario romántico, lugar insólito... y postura artificial y cursiloide a más no poder.

El yo-mataré-monstruos-por-ti: es el beso que lleva implícita una promesa o un compromiso inquebrantable de lealtad hacia la otra persona. Se suele dar en las despedidas, en un intento de fusión con el ser amado. Un buen ejemplo de este romántico ósculo aparece en El señor de los anillos. La comunidad del anillo. ¿Sus protagonistas?. Viggo Mortensen y Liv Tyler, of course.

El acorralator: está en el aire, es inminente e irrefrenable. Puede no gustarte, pero hay nada que puedas hacer para evitarlo... o eso mismo debieron pensar Han Solo y la princesa Leia, cuando resolvieron con un kiss la tensión sexual (galáctica) no resuelta entre ambos en El imperio contraataca.cuando resolvieron con un kiss la tensión sexual (galáctica) no resuelta entre ambos en El imperio contraataca.

El poséeme-aquí-y-ahora: the hotest and the sexiest of them all. Ese que parece que roba segundos, minutos, incluso días de vida y que todo el mundo “debería” experimentar al menos once antes de morir. ¿Cuantos kisses de este tipo somos capaces de recordar? El cartero siempre llama dos veces, El paciente inglés, Match Point...

El kiss-kill: es el apasionado-desesperado-incondicional de los grandes amores imposibles que sólo creen necesitarse el uno al otro y que venderían su alma al devil para estar juntos. Algunos, incluso, cruzan mares de tiempo para darlos, como el Drácula de Bram Stoker.

El rendido: el besador rendido, viene a decir algo así como “hace mucho que te quiero, pero me he resistido a llegar al nosotros”. Un beso rendido rendidísimo, es el que le da Joanne Whalley al aguerrido-chulesco Val kilmer en Willow.

El V-Day: o mítico beso que imita al no menos mítico kiss de la foto del día de la victoria yankee, en la que el chico inclina hacia atrás a la chica y la besa apasionadamente mientras la sujeta por la espalda. Es un beso de felicidad incontenible, de rendición al momento, de triunfo. En Moulin Rouge, en lugar de un marinero, tenemos a un escritor incipiente y sustituyendo a una enfermera, encontramos una cortesana enferma... very enferma...

El rabioso-acalorado: o el que llega después de una discusión apasionada en la que se lucha inútilmente contra la atracción mutua. Afortunadamente para el espectador, los enamorados casi siempre pierden/ganan, como Ben Affleck y Joey Lauren en Persiguiendo a Amy.

El despertador: es el que te rescata y te transporta al lugar donde perteneces. La bella durmiente y Blancanieves lo han vivido y lo recomiendan...

El mariposa: no se da con los labios, pero tampoco únicamente con los ojos. Todo el cuerpo lo insinúa y lo sugiere. Algunos, como John Travolta en Pulp Fiction, se lo soplan a las guapísimas esposas de sus jefes, cuando no les miran...

El frustrado: el que se interrumpe justo un instante antes de que llegue a suceder. El cuerpo se inclina, el corazón duele y los ojos se comen la cara del objeto de tu deseo, pero... ya ha pasado la magia. Lizzie y Mr Darcy protagonizaron uno bajo la lluvia en Orgullo y prejuicio.

El juguetón: ¿cómo besarte de una vez pero sin que se note cuanto me importas?. Con un beso fugaz, tierno, eléctrico, quasi-infantil al que poder quitar hierro si sale mal. En las películas de Chaplin vimos muchos kisses juguetones, pero uno al que tengo especial cariño es el que se dan (con cuenta hacia atrás included) Vada and Thomas J en My girl.

El hace-mucho-que-te-quiero: variante aún más intensa del rendido. Es el beso que lleva gestándose durante mucho mucho tiempo y está impaciente por salir a la luz. ¿El mejor ejemplo? Casablanca, aunque el de Expiación contra una estantería, no estaba nada mal...

El erótico-contenido: también llamado “beso deflectado”, es el que por dolorosas circunstancias externas no se puede dar en los labios y acaba siendo expresado en otra parte menos dangerous de la anatomía. Daniel Day-Lewis nunca llega a desnudar a Michelle Pfeiffer en La edad de la inocencia, pero la forma en la que le quita el guante y besa su muñeca... ummmmmmm...

El que se da con los ojos: Cary Grant le da el primer beso a Ingrid Bergman en Encadenados en un avión, justo cuando ella le insta a mirar por la ventanilla... pero ella no se da cuenta. Solo lo sabemos Mr Grant y el cómplice espectador. Y no hay ser vivo, bien sea hetero, gay o bisexual, que no sienta un estremecimiento y una punzada de envidia.

El único: se quieren, se adoran, se desean, pero no puede ser. Su historia está condenada desde antes de empezar. Tal vez tengan una oportunidad en un universo paralelo, pero no en este. En Eduardo Manostijeras y en Lost in translation lo sabían, por eso la carga de emotividad e intensidad de ese único y último beso, permanecerá con ese puntito de pain que tanto nos gusta, en el corazón de los nostálgicos.

Como despedida, os dejo un link youtubil pretty pasteloide en el que aparecen bastantes de los kisses mencionados anteriormente. Recomiendo bajar el volumen del mismo y cambiar la song para los que, como yo, no sean fans de Shania Twain...

Alma

2010-01-12T20:49:00.007+01:00

Alabado sea el insomnio por descubrirme ayer Alma, el multipremiado corto de animación de Rodrigo Blass. Todo es sobresaliente en el más firme candidato al goya al mejor corto de animación, desde la factura técnica hasta la magnifica banda sonora de Mastretta.

Obviamente, haber trabajado con Pixar en maravillas como Buscando a Nemo, Ratatouille y Up, se nota. Por primera vez, este granadino vuela en solitario y añade un acorde hasta ahora insólito en la imparable factoria Pixar.

Espero que lo disfruten tanto como yo :)

De Avatares, erizos y guaridas de monstruos

2010-01-12T19:22:00.009+01:00

¿Qué he aprendido estas Xmas?

* Preguntas sobre Avatar

¿Qué función cumple la cola en los Na’vi? ¿equilibrio como en los felinos? ¿agarre como los simios? ¿alguna conexión (¿sexual?) desconocida extra más?

¿Habrá conseguido Michelle Rodríguez su papel de soldado dura-por-fuera-tienna-por-dentro gracias a su Ana Lucia en Lost?

¿Por qué a veces parece que Neytiri (Zoe Saldana) va a ponerse a cantar “colours in the wind” al más puro Pocahontas style?

¿Seré la única que en lugar de a la Weaver no dejaba de ver a Diane Fossey en lo que podría haberse titulado Na’vis en la niebla?

¿Me habré enamorado de Sam Worthington única y exclusivamente porque su personaje se va eco-revolvibleando (oséase, que le va creciendo el pelo a la par que la conciencia ecológica) y sólo le falta saber tocar la guitarra para ser mi hombre ideal?

¿Por qué los Na’vi van de animalistas cuando en sus “conexiones” con otras especies los que llevan el timón y dominan son siempre ellos? ¿acaso empatizar con otro ser vivo es someterlo a tus mandatos? ¿No tendría que ser la cosa al 50-50? Señor Cameron, tristemente, el especismo proyecta una sombra muuuuuuy larga...

* Impresiones sobre El erizo

Cinematográficas: Mi decisión de verla tenía más que ver con la curiosidad de comprobar cómo habían adaptado el book de la Barbery que con las expectativas de ver una buena película. Creo que La elegancia del erizo es una novela de buenas ideas más que de buenas historias. De tanto en cuanto, te topas con reflexiones que te dejan sin aliento, pero hay algo entre sus componentes que los hace no cuajar entre sí, como si el fluido aglutinador elegido no fuera lo suficientemente potente. En el film esto se hace demasiado evidente. La mejor baza de la historia, la magia y profundidad de sus palabras, queda descartada. Si con la novela tenía una relación ambivalente, hacia la película experimenté indiferencias totalis. Es un 5.0.

Extracinematográficas: Existen inquietantes similitudes entre las protagonistas de El erizo y yo que fui incapaz de prever cuando hace un año me leí la novela: me he aficionado a tomar té, todo chocolate ingerido en mi etapa "pre-black" ya sólo parece un sucedáneo y no sólo me fascina la cultura oriental, sino que he empezado a estudiar japonés. ¿Me estaré afrancesando? ¿gafapastando? both?

* Reflexiones sobre Donde viven los monstruos

1) Cada vez me duele más pagar por ver películas dobladas

2) Es el último sábado que voy al cine a ver un film cuyo público es potencialmente infantil

3) Deberían prohibir esta película a menores d 10 años.... sobre todo si van en plan La familia y uno más y tienen nombres como Ignacio o Alvarito *
Me cansa y me frustra que toda película con niños y sobre niños sea inevitablemente considerada infantil. Donde viven los monstruos es un film sobre el principio del final de la infancia, una etapa con sus luces y también sus sombras, de la que inevitablemente todos acabamos destronados y no queda más remedio que “despertar”. Resulta emotiva y dolorosa a partes iguales, es imposible no identificarse con ella. Pero para entender su particular mundo de monstruos, debes haber sufrido su ausencia. Es por este motivo que Ignacito, Alvarito y todos las criaturas que al sentarse en el cine aún utilizan alzadores, no pueden entenderla.

* No se imaginan lo surrealista que resulta en el País Vasco que un niño no se llame Alain, Aimar, Unai, Ander u Oier, por ejemplo y que una niña no haya sido bautizada con los nombres de moda (Irati, June, Uxue, Nahia o Izaro, la lista intermineibol ser). Culturalmente, no estamos acostumbrados al santoral ni a los names castizos.

Lost: Predicciones (y anti-predicciones) para la sexta temporada

2009-12-27T19:58:00.012+01:00

Anti-predicciones

Lo mejor de Lost es su impredecibilidad, esos breath-taking giros argumentales que echan por tierra obviedades aparentes como castillos, así que me enfadaré muy mucho si resulta que:

* Jacob y su némesis son dos dioses en su olimpo particular, manteniendo una continua lucha de poder (o jugando al backgammon que parece ser lo mismo)

* Cuando se estrella el 815 de Oceanic, Mr némesis era un espíritu sin cuerpo que poco a poco fue apoderándose de todas las personas que han muerto en la isla (y haciéndose más fuerte a través de todas ellas). Sabía que su “resquicio” definitivo era Locke y ha hecho lo imposible por cargárselo

*La isla no es más que un agujero de gusano, una especie de purgatorio cósmico en el que lo que llevamos dentro sale del armario, de tal forma que los malos pagan por sus pecados y los buenos son recompensados tras resolver sus conflictos o ponerse a prueba (algunas veces con la muerte)

* Los otros han formado una secta que sigue a rajatabla las enseñanzas del Dios Jacob a través de su rimmel-boy Richard. A cambio de ser buenos, Jacob les ha dotado de algún poder especial (a la mayoría el sadismo o la fuerza bruta cuando la situación lo requiere)

* El incidente no evita que el avión se estrelle, sino que logra un salto temporal que los lleva a todos al año...

* La nueva vida islil en algún momento histórico aún por determinar estará gobernada por el antiJacob. Por lo tanto, el hombre con el físico de Locke intentará cargárselos a todos, con excepción, perhaps, de algún perrito faldero o alguna tía buena

* A Claire la tiene secuestrada The némesis porque su bambino es la posible reencarnación jacobiana (o candidato) y ella es la única que puede protegerlo de su maligna influencia o evitar que caiga en el lado oscuro... o claro.... u oscuro...

* Se descubre que Benjamin Linus es un mártir al estilo de cierto personaje de cierta famosa saga mágica...

* Todos los personajes tocados por Jacob (Kate, Sawyer, Jack, Sun, Yin, Sayid, Locke y Hurley) tienen un seguro de vida añadido (oséase que no mueren ni a la de tres) porque su rol en la isla es definitivo

* No consiguen que abra la boca en toda la sexta temporada

My crazy predictions

- Jacob y su némesis no son dioses, sino dos científicos del futuro que descubrieron el secreto de la eterna juventud y viajaron hasta ese perdidito lugar. Los primeros “nativos” que llevaron, tomándolos por Dioses, construyeron estatuas de cuatro dedos en su honor (en teoría, el homo sapiens perderá el dedo meñique del pie en el futuro)

- Veremos, finalmente, un flashback de Vincent en el que descubriremos que el can era el confesor o “escuchator” de todos los crímenes isliles y lo sabe todito todo

- Benjamin Linus nos descubre su cuasidefinitivo paso al lado oscuro causado por la muerte (o el asesinato) de su gran amor: Annie, la niña que le regaló los muñequitos en su décimo cumpleaños para que siempre estuvieran juntos. Conociendo el freakismo starwarsiano de sus creadores, no me extrañarían los paralelismos románticos entre Vader-Linus...

- En un flashback, vemos como un volcán hace erupción en la isla, arrastrando a la Black Rock hasta su interior. Richard era uno de los agonizantes esclavos egipcios que viajaban a bordo y fue salvado por Jacob. Las causas: ¿amor verdadero?¿lealtad incorruptible?¿madera de secretario?¿pestañas perfectas?

- Jack y Sawyer luchan por Kate en el barro vestidos únicamente con un taparrabos. El que consiga estar mas limpito después de 108 minutos, gana

- Sayid anuncia públicamente que después de haber visto morir en sus brazos a las tres mujeres que amaba (Shannon, Nadia, Elsa) sólo quiere salir con mujeres biónicas o Jacobs femeninos

- Sun confiesa que también habla suomi, islandés, euskera y swahili, pero sólo en la intimidad...

- Durante los 8 años que pasó separada de su gran amore, Penélope Widmore, cuasiresolvió el problema de la capa de ozono, desentrañó los misterios del asesinato de Kennedy y encontró finalmente a Amelia Earhart

- Sabemos que cuando sales de la island, apareces en Túnez (o el planeta de Luke Skywalker, que viene a ser lo mismo), pero pocos conocen la entrada secreta: comerse un frasco entero de mantequilla de cacahuete en Tallahassee

- Hurley y George Lucas son llevados a juicio por los derechos de El imperio contraataca

- John Locke no se convirtió en el antiJacob a su muerte, sino que después de su encuentro con el monstruo de humo en la primera temporada (¡a saber que harían esos dos!). Por lo tanto, ha sido temporalmente poseído por todos los fantasmas que pululan por la isla (eso explicaría muchas cosas)

- Ji Jeon y Aaron tienen un hijo sospechosamente parecido a... Michael, que no sólo se ha reencarnado, sino que sigue buscando reconciliarse con Walt, quien dicho sea de paso, se gana los cuartos como adivino...

- Un hombre delgadísimo con el pelo rapado al uno aparecerá en la isla y se autoproclamará el sustituto de Richard. Nadie sabe de donde ha salido, pero una serie de flashbacks nos descubren que se trata de... ¡Hurley!

- Se descubre que el padre de Jack vivió en la isla en su juventud. Nunca se le ha visto morir, sólo sabemos las causas de su muerte, así que siempre ha estado vinculado a Jacob & Co. Al parecer, algún personaje isleño se lo cargó por algún oscuro motivo...

- No fue la explosión de la escotilla lo que proporcionó poderes a Desmond, sino su crecidísima media melena sansonil. Con el pelo rapado, Desmond pierde su capacidad de ver el futuro... ¡y su acento escocés!

- Eliminado el antiJacob, el next líder será Kate y Jack ejercerá de primera dama

- Al final, comprobamos que todo es un montaje de la firma L’Oréal al más puro estilo El show de Truman (de ahí que tanto Evangeline Lily como Mathew Fox sean sus modelos oficiales en el real world)

- Richard Alpert no envejece porque Jacob no sólo le tocó, sino que le dio un beso de tornillo

- La serie acaba con una “pelea de cocos” entre Mr Némesis y el candidato a Jacob

Los de Cuatro deben de estar tocando el ukelele desde que uno de los creadores de la serie anunciara que su promo de la sexta temporada era la mejor de toda la historia de la serie. En la versión yankee será la voz de Terry O’Quinn (alias John Locke) la que hará los honores. Confieso que me impresionó mucho la primera vez que la vi. Con ella pongo punto y final mi especial Perdiditos. Espero que lo hayáis disfrutado.

P.S. Mensaje para l@s que aún no han pasado por la encuesta perdidil o l@s que sólo han votado a un personaje (más de una opción es posibol): What are you waiting for? ;)

Especial "Perdiditos, perdiditos"

2009-12-20T20:01:00.008+01:00

Oh, my God! This is huge!

El día que descubrí el power de Perdidos en toda su magnitud, no fue cuando batí mi propio record de adicción serieil (5 temporadas en 3 semanas), ni cuando compartí frikadas con los dos millones de grupos con síndrome de lostastinencia que circulan por la red, sino cuando llegué una sábado por la tarde a casa, y descubrí a mi madre merendándose un especial de la famosa serie de J.J Abrams en lugar de su amado Cine de barrio. Teniendo en cuenta que mi madre y yo no tenemos ninguna adicción en común, aquello marcaba el inicio de una era.

De cosas que nunca perdonaré a sus creadores

- Obviously, agujeros en el guión, giros manipuladores, personajes y capítulos de relleno varios, entre otras cosas...

- Gran parte de la quinta temporada, el amendrugamiento progresivo de muchos de sus personajes y el romance Juliet-Sawyer metido con calzador (mira que les gustan los triangles)

- Escenas de destripamientos y sadismos animales varios (en especial la de la rana de Sawyer) y su insistencia en recrear y coser heridas con asqueroso realismo

- La sádica muerte de Boone

- El desperdicio interpretativo de uno de los hombres más guapos del mundo: Rodrigo Santoro. Si tanto Paolo como Niki hubieran desaparecido de la sala de montaje en la tercera temporada, nadie hubiera notado la diferencia. Mr writers, si vais a sacaros personajes nuevos de la manga, ¡hacedlo bien!

- El hecho de que sus creadores y escritores sean hombres y se note. En el grupo surge un líder o macho alfa (Jack) siempre amenazado por los otros dos machos poderosos (Sawyer y Locke) seguidos a un poco más de distancia por Sayid. El resto, básicamente, ni pinchan ni cortan: pescan, cogen frutitas, lucen palmito o se dejan secuestrar

- Los continuos cambios de sexo perrunos. Leñe, se ve clarísimamente que Vincent es una perra que luego... se convierte en perro. ¿Se imaginan algo así en términos humanos? ¡Coherencia, señores!

- Los (¿inevitables?) yankismos: el “armacentrismo” o abuso de la violencia armada que poco a poco se va apoderando de los presentes (¡ahora yo la tengo más grande que tu, chincha!); los originalísimos antojos culinarios (las hamburguesas y la mantequilla de cacahuete se llevan el cat al agua); la omnipresente religión (Eko, Charlie, Rose, Desmond... ¡cansinos!); el hecho de tomarse la justicia por su mano (Sawyer con “el otro Sawyer”; Charlie con Ethan; Linus con Widmore, Kate con su father...)

- Los cutre-acentos de la versión doblada. Aunque el de Sayid más o menos pasa la prueba, el de Sun rechina y el de Naomi debería estar prohibido por Amnistia Internacional. Lamento comunicárselo a los haters de los subtitles, pero si no habéis escuchado nunca el acento sureño de Sawyer, el standard australiano de Claire y, especialmente, el irresistible escocés de Desmond, no habéis visto Perdidos

- El cutre logo a lo salvapantallas de Windows. Desde el piloto estoy esperando una explicación...

- Los cambios de edad de Aaron. Obviously no puede ser el mismo baby durante 4 años, pero a veces la criatura parecía un curioso caso de benjaminbuttontismo y rejuvenecía en lugar de crecer. Mi madre estaba indignadísima: “¿ves?¡El anterior sostenía solo la cabeza y este no!”

- La dramática escena en la que toman prisionera a Alex y matan a su mamma y su novio. No por la escena en si, sino porque entre la melena rizada de la chica, nos regalan el cable del pinganillo en todo su esplendor

- Lo petardito que se pone Michael por encontrar al soso de Walt...

De cosas que despiertan a mi psicogirl interna

* Ya nos lo dejaron clarito desde el capítulo "All the best cowboys have daddy issues" en el que Jack “traiciona” a su papi: todas las relaciones paternofiliales de Lost van a ser de todo menos La casa de la pradera. Y es que ningún padre se libra de haber marcado con ácido a su retoño. Resulta difícil escoger al/a ganador/a:

- Están los que abandonan a sus criaturas (aunque sea a la fuerza) Michael con Walt, Brian con Walt, Christian con Claire, Hugo’s father, Dannielle con Alex, el Dr Chang con Miles...

- Los padres-sargento o fríos, exigentes y manipuladores con nula relación afectiva con sus criaturas: Christian again con Jack, el padre de Sun, Charles Widmore, Eloise Hawking, Sayid’s, la madrastra de Shannon, la poli-mami de Ana Lucia o Benjamin Linus

- Los que quieren a sus vástagos pero desaparecen dramática y repentinamente y/o ya no están cuando se les necesita: los padres de Sawyer, la madre en coma de Claire, Kate’s mother...

- Los pobretones poquita cosa que avergüenzan a unas criaturas que hacen lo imposibol por escapar de su destino (Jin y Charlie)

- Los alcohólicos-maltratadores y/o cabronazos sin corazón (el padre de Kate y el de Locke, que como cualquier lostie sabe, merece que le den de comer aparte)

Tanta disfuncionalidad no puede ser casualidad. ¿Qué problema tienen los creadores de esta serie con la figura paterna?

* Una de las frases mas repetidas por los habitantes de la “isla”, además del “dude” de Hugo, el “brotha” de Desmond, el enfático-desganado “son of a bitch!” de Sawyer o el famoso lema “live together, die alone”, es el “don’t tell me what I can’t do!” que, básicamente han repetido todos los main characters (especialmente Locke). Lo cual me lleva al punto anterior...

* No cuela. Esto sólo le puede pasar a un yankee. No me explico como Sawyer puede vivir con ese rencor, odio, miedo y amargura durante 35 años sin enfermar de algo grave. Por mucho que odie al capullo que timó a su familia, fue su propio padre el que apretó el gatillo y la responsabilidad está más compartida de lo que el rubiales admite. ¿Cómo no se le ocurrió a nadie llevar a la tierna criatura al psicólogo en su momento? ¿Porque de mayor no resultaría tan indómito, rebelde y sexy tal vez?

* Siempre me ha rechinado un poco el asesinato del padre de Kate. Me sigue costando creerme que alguien con las características de la valiente y guapísima morena cometa en frío un sádico crimen que sólo tendría sentido in the heat of the moment. El eye for an eye, again, solo lo puede entender un, como diría Carmen Sevilla, norteamericano de América del norte. Siempre he echado de menos algún motivo extra oculto en su inconsciente...

Debilidades lostiles

- La estupenda B.S.O con sus leitmotivs orquestales, ¡como los de las grandes películas! Me encanta que cada personaje tenga su tema musical

- Sawyer. Aunque comencé Lost fascinada con los múltiples atributos de Jack, poco a poco mi balanza fue inclinándose hasta el sureño cowboy. Será porque tiendo a aliarme con los miembros más desfavorecidos de la manada y no con los perfect-man. Y es que para mi James/Sawyer es el Han Solo de Perdidos: el héroe inesperado. Como Mr Nespresso o Clooney puede seguir liderando la lista de los hombres más sexies existiendo este pedazo de maromo, es otra de las incógnitas que despierta la serie...

- Vincent o la simpática perra que se trasviste en perro

- Lo que se esconde detrás de cada nombre. En mi fantasía, Kate ha sido bautizada en honor a dos iconos del feminismo: Katharine Hepburn y Jane Austen)

- La forma de caerse de Hurley

- Los ojazos de Boone

- La diversidad de acentos

- Desmond, su charming “brotha” y el capítulo The constant de la cuarta temporada. ¿Existe alguien a quien le caiga mal este personaje?)

- Los fibrosos brazos de Kate (¡yo los quiero!)

- Benjamin Linus. La serie siempre gana enteros cuando su maquiavélica, ambigua y manipuladora presencia entra en escena. ¿Dónde ha estado escondido hasta ahora este pedazo de actor? Me encanta hasta su ruin y rastrera forma de luchar con esa porra microscópica. El villano trágico con los ojos más inquietantemente saltones de la TV nos ha regalado, además, algunas de las mejores frases de la serie (en la sección el dialogo de la week). Habrá premio para quien acierte en qué capítulo y situación fueron dichas ;)

Y aquí acaba la primera parte del especial lostil. Como no podía ser de otra manera, está dedicado a Vane, mi lostie favorita. I'm sorry I'm so late!

Las mejores love stories no son siempre películas de amor

2009-11-05T16:36:00.010+01:00

Esta no es una actualización sobre películas románticas, es una actualización sobre historias de amor.

Tal vez el otoño y el invierno nos inviten a refugiarnos en recuerdos, momentos, historias y/o personalidades cálidas, supliendo inconscientemente esa dosis de calor extra que se llevó el verano. O tal vez sea la casualidad (¿eso existe?) de que 2 de las 3 últimas películas que he visto pertenecieran a ese denostadísimo género, pero últimamente me he sorprendido repasando mis historias de amor favoritas.

Aunque comencemos por lo nuevo: New York, I love you y (500) days of Summer. La primera es coquetuela, se deja ver, tiene sus momentos y sus frases antológicas (“¿cómo puedes fiarte de alguien que come de todo?”) pero en mi opinión está a un Atlántico de la irregular pero más que resultona Paris, je t’aime. Lo cual, bien pensando, tiene su lógica. ¿Acaso es posible superar en encanto, fascinación y romanticismo a la ciudad luz?

(500) days of Summer aquí atrozmente traducida como (500) días contigo ha sido calificada por unos como “la película que ha revitalizado el genero” y por otros como “la misma mona vestida de seda”. A mi no me ha parecido ni lo uno ni lo otro, si no something in between. Responde, eso si, a la difícil pregunta de “¿se puede hacer una película romántica para nerds/indies/geeks y no morir en el intento?”.
Es fresca, ágil, entretenida, tiene una pareja con charme (que descubrimiento Joseph Gordon-Levitt) y una B.S.O que hará las delicias de cualquier melómano. Comparada con la media de películas del genero, aprueba sobradamente (lo cual en estos clon times tiene bastante merito), pero tampoco es el Cuando Harry encontró a Sally de los dosmiles. En mi memoria cinéfila han quedado grabadas un particular y tronchante homenaje a las películas de Bergman y una original y devastadora escena en la que con la pantalla dividida, vemos desarrollarse dos situaciones al mismo tiempo: la de las expectativas previas y la de la cruda realidad. En resumen, si buscas un film sin pretensiones que te haga pasar un momento agradable, no te la pierdas

Y ahora sí, extraídas de su embalaje fílmico original, he aquí my favorite love stories (que no mis películas románticas preferidas) :

* Antes de amanecer/Antes del atardecer o la agridulce, inteligente, sensible y románticamente perfecta

* Los puentes de Madison o la que regala magia a los que no sólo nunca la han buscado, sino que han dejado de creer en ella

* Breakfast at Tiffany’s o la de los perdedores perdidos reconvertidos a gatos con nombre

* Breve encuentro o la del tren que perdiste y cuyo número anotaste

* La edad de la inocencia o la que te regala un caleidoscopio para volver a quitartelo

* Wall·E o la lección de humanidad de los que han heredado lo que los humanos casi hemos perdido

* Vacaciones en Roma o la del cuento de hadas imposible con pareja perfecta y sapore italiano

* Eternal sunshine of the spotless mind o la de los que, sin saberlo, esperan contra toda probabilidad

* Casablanca o la que vuelve a vestir de azul a los amantes y convierte en héroes a los cínicos

* In the mood for love o la de tod@s los que han guardado en el hueco de un árbol un "te quiero" nunca dicho

* La reina de África o la de los opuestos prejuiciosos que acaban reinventándose y rescatándose

* Duelo al sol o la "ni contigo ni sin ti tienen mis males remedio, contigo por que me matas y sin ti porque me muero"

* Jules et Jim o la de los triángulos equiláteros quasiperfectos

* Amelie o la de los soñadores que saben que el miedo desaparece gracias al amor, pero a los que el amor da miedo

¿Cuáles serían las vuestras? ;)

Ágora: ¡no es un círculo, es una elipse!

2009-10-17T17:37:00.006+02:00

Amenabar, el “spielbercito” del cine español, nunca ha sido un director que me entusiasmara especialmente. De sus “cuatro magníficas”, mi preferida siempre ha sido Tesis. A Los otros, incluso, a pesar de admitirle ciertas virtudes, le tengo un poco de tirria. Antes de verla, many moons ago, me comentaron algo así como “es la historia de una supuesta mujer y sus supuestos hijos” y, en menos de una hora, ya había descubierto todo el pastel. Me frustra el manido recurso de que lo que empieza siendo “los otros”, acabe siendo “los aquellos”. Los fans de Lost me entenderán...

Tal vez por todo esto, me presente ante Ágora con curiosidad, unas expectativas moderadas (ni esperaba una castaña de indias ni un peliculón) y ganas de ver y descubrir en un día frío y plomizo en el que una sesión de cine parecía la mejor opción posible... y me encontré con una película notable.
Haciendo una metáfora no excesivamente original, diría que la quinta criatura amenabariana se parece a Hipatia, su protagonista: ambiciosa, reflexiva, más intelectual que emocional y observadora de la realidad a través de un punto de vista pretendidamente objetivo, distante, casi marciano.

El McGuffin: la astronomía. ¡Ay, la astronomía! Si existiera algo así como un hobbie frustrado, algo que te apasiona pero para lo que no estás dotado en absoluto, los misterios del cosmos serían el mío. ¡Malditos numerajos! Nunca se me dio bien recordar unidades astronómicas, masas planetarias o la cantidad de lunas que tiene Saturno, por poner un ejemplo, pero eso nunca le ha restado ni un ápice de fascinación. Por eso me engancharon instantáneamente las lecciones de la protagonista y su pasión por saber más, por ver más allá. Las escenas científicas son, en mi opinión, de lo mejor de la película.

Los minimus: algunas críticas han tachado Ágora de pretenciosa, vacía, tendenciosa, demagoga, fallida, fría, mal escrita, sin ritmo, mal interpretada y un largo etc de lindezas más. Como defensora de injusticias y ensañamientos varios, siento el impulso defender su "no perfección".

- Los cristianos devotos se quejan de que se les retrata como mercenarios religiosos, crueles, incultos y fundamentalistas. A lo que yo añado, ¿que hay malos malérrimos planos y de manual? Sí. ¿Qué se podía haber contado de otra manera? Pues también. Pero no neguemos la dolorosa evidencia: de ese pasazo atrás los católicos si fueron responsables. De todas formas, ni los paganos ni los judíos salen de rositas: los primeros son cultos, más liberales (recuérdese la frase pronunciada por uno de los amigos del padre de Hipatia “si a mi me gustaran mas los plátanos que los higos, no se me escaparía ese chico”) y aparentemente más pacíficos (siempre y cuando nadie amenace su dominio, of course), pero son snobs, clasistas, tienen esclavos y siguen pensando que ser mujer es lo peor que le puede pasar a un ser humano. Los judíos conviven armónicamente con estos, pero son igual de clasistas, no dudan en aprovecharse de su supuesta ventaja, en pisotear a los desfavorecidos y en sacar las espada a la primera de cambio. Juzguen ustedes mism@s.

- La historia de amor es fría y sin chispa. Pues que quieren que les diga, a mi el triángulo que une a través del tiempo a dos hombres de orígenes y caracteres muy distintos y enamorados hasta el tuétano con una mujer que saben que jamás podrán tener, me parece que tiene su aquel. Me interesa más el binomio Hipatia-Davo que el de Hipatia-Orestes, porque el personaje del esclavo dividido, apasionado, rabioso y ambivalente me resulta más interesante que la del acomodado (¿pagafantas?) Orestes. Puestos a pedir, a mi me habría gustado más complicidad, más emoción, más ternura, más sensualidad (¡que manera de desperdiciar la escena de la bañera, leñe!), pero a pesar de estos pesares, no me resulta fría en absoluto (mis favoritas son la escena de la caricia en el pie y la del rezo de Davo). Chispa si hay, señores, lo que no hay es magia.

- Algunos fans de Amenabar argumentan que se sienten decepcionados porque esperaban un peliculón. Cuando leo y escucho este tipo de cosas, me viene a la cabeza la misma frase que le estuve gritando telepáticamente a Hipatia durante casi todo el film: ¡no es un círculo, es una elipse!. Y digo yo: ¿Dónde está escrito que tenía que ser una película redonda? ¿por qué a veces vamos al cine con unas expectativas tan claras de lo que esperamos ver? ¿tan difícil es darle forma a lo que te cuentan mientras te lo están contando? No se puede pretender ir con la idea de ver Troya, Alejandro Magno o Gladiator sólo porque compartan género cinematográfico.

- Google Earth sucks. A mi no me molestan los tan criticados planos “extraterrestes” de Ágora, me molesta su reiteración, que al final resulta excesiva. Los letreros en forma de elipsis en mitad del film tampoco me gustaron. De todas formas, hay que decir a su favor que también hay planos atrevidos e imposibles que sorprenden y se agradecen, incluso aunque algunos no te acaben de cuadrar.

- No es una biografia fiel. Aquí sí le tengo que dar la razón a los detractores... ma non troppo. Después de investigar un poquito, he descubierto que no es el supuesto biopic que nos intentan vender. Ni hubo love story con Orestes, ni murió en plena plenitud de su belleza, ni fue atacada por quien nos comentan y puede (¡ay!) que ni siquiera fuera astrónoma. Habría sido más inteligente decir que la película está, simplemente, inspirada en la figura de Hipatia.

Los maximus: y para terminar con buen sabor de boca...

- Rachel Weisz ¿Cómo una guaperrima mujer que desprende tanta sensualidad (recomiendo el visionado de My blueberry Nights justo antes de ver Ágora) puede no sólo resultar creíble siendo la serena, racional, asexual y distante Hipatia, sino que ya no te puedes imaginar a ninguna otra actriz encarnándola?

- Dirección artística y vestuario. Si hay algo en lo que Ágora es redonda, es en estas dos categorías (especialmente la segunda, de oscar). Cuidado y mimado al detalle. Sales del cine pensando: ¡Yo estuve allí, lo he visto!.

- Un paso atrás visto por vez primera: es emocionante y tristísimo al mismo tiempo, asomarse desde la big screen a un momento histórico clave que, como diría Neil Armstrong: “es un paso atrás para el hombre, pero un gran retroceso para la humanidad”. Amenabar retrata bien sus convulsiones aunque algunos le acusen de creerse Dios. La violencia no es heroica, es fea.

- Hipatia revisited. Confieso que estoy encantada de conocerla. Rescatar a una filosofa como Hipatia para el gran público, incluso aunque no sea un retrato todo lo veraz que nos gustaría, se agradece y mucho. No todas las mujeres han nacido para ser madres y esposas y si aún hoy es difícil enfrentarse a ese imperativo sociocultural, imagínense entonces. Había que ser una super woman, no sólo para resaltar académica y profesionalmente en un momento histórico asquerosamente machista, cambiante, convulso y cruento, sino para mantenerse fiel a si misma durante toda su vida y sobrevivir al olvido. Ya sólo por ella merece la pena pagar el precio de la entrada. Recuérdese en su memoria y en el de todas las mujeres que se tragó la historia, un maravilloso proverbio africano: "Hasta que los leones tengan sus propios historiadores, las historias de caza siempre glorificarán al cazador".

En resumen: Si han llegado hasta aquí y aún no la han visto, liberen sus mentes y no esperen necesariamente un círculo, encuentren su propia figura geométrica ;)

De conchas alternativas o premios Thalassus

2009-09-30T16:25:00.010+02:00

Aunque la entrega conchil del Zinemaldi se celebró hace cuatro días, este es mi especial premios festivaliles off-the-record, aquellos que nunca podrán verse en TV:

* Perla XXL para Terry Gilliam por ese maravilloso clásico instantáneo que es The imaginarium of Doctor Parnassus. ¡Ese enorme Christopher Plummer! (¡que buen Dumbledore habría sido!). ¡Ese genial Tom Waits! Thanks por este film, Mr Gilliam!

* Cardo de mar al/a más “bordeline” para Carmen Machi por romper y negarse a firmar la foto que un fan le había sacado el día anterior.

* Ostras al/a más sexy para Jim Morrison por el interesante documental When you’re strange: a film about The Doors de Tom DiCillo.

* Sirenita a la más ídem para Saffron Burrows y su 1’85 cm de elegancia, charme y discreción. A su lado, el ácido y parsimonioso Antonio Gasset y el resto de los miembros del jurado Nuevos directores parecían hobbits.

* Tinta de calamar para Mother de Bong Joon-ho o esa historia negra negrísima (con toques de humor aún más black) de una mamma detective empeñada en demostrar la inocencia de su hijo aunque se le vaya la life en ello.

* Delfín para Sir Ian McKellen por su encanto y carisma. A la organización del Zinemaldi se le llena la boca con él y no es para menos. El mago McKellen ha sido simpático, locuaz, solícito, humilde, inteligente, educadísimo... y donostiarra. Lució como nadie la camiseta de la candidatura de San Sebastián como ciudad europea, amén de la txapela en la entrega del premio Donosti... ¡y se marchó de nuestras tierras con ella!.

* Medusa a la pregunta más irritante para “¿Y no has visto a Brad Pitt?”. No, leñe, no. Pero he tenido la suerte de tener presentaciones y coloquios en la mayoría de las pelis que he visto. Me ha hecho una ilu loca conocer al loco entrañable Terry Gilliam (y su sempiterno look hawaiano) o escuchar las emotivas words de Bahman Ghobadi sobre No one knows about persian cats. Este último se está convirtiendo, además, en uno de mis héroes.

* Espuma de mar al mejor Pelo Pantene para Tom DiCillo. Cito textualmente: “Durante su estancia en Donostia habrá ocasión de comprobar, una vez más, su pericia en la ejecución de esa suerte capilar consistente en dar seco golpe de cuello para recolocar la melena”.

* Alga Kombu a lo más verde para la protesta frente al Kursaal de todos los directores iraníes presentes + espontáneos solidarios contra la política del presidente de la república islámica, Mahmud Ahmadineyad, un hombre que si ha cometido fraude electoral, ha sido exclusivamente cumpliendo las órdenes que Alá le transmitió a través del profeta. Juas.
About la peli de Hana Makhmalbaf sobre las elecciones iraníes, Green Days, las opiniones fueron encontradas. Yo la vi con ojos de documental y la aprobé justito. Luego descubrí que no, que era una película, y la suspendí.

* Coral al cutis de porcelana para Naomi Watts y su belleza in black durante la presentación de Mother and Child, el último trabajo del retoño de Rodrigo García, que además de la película, llegó con su tirria a las (inevitables) comparaciones paternas (es figlio de Gabriel García Marquez).

* Cangrejo Sebastián al/a más curiosón para Quentin Tarantino por meterse entre pecho y espalda de su camisa de cuadros 3 sesiones seguidas del ciclo Richard Brooks, ese director que, a excepción de Cayo Largo, La gata sobre el tejado de Zinc o Dulce pájaro de juventud, para mi era un gran desconocido.

* Caballito de mar a lo más emotivo: la dedicación “A film by Heath Ledger and friends” al final de El imaginario del Doctor Parnassus. Pelos de punta.

* Pulpo Fiction al motor del Zinemaldi: el público. Aunque muchos sean ñoñocinefilos, algo más tiene que haber para que se llenen puntualmente todas las salas, ciclos La contraola, Horizontes latinos y La contraola included.

Y hasta aquí mi 57 edición del Zinemaldi. Gracias a los pocos pero selectos lectores que me han acompañado en mis crónicas :)